Juneteenth, qui marque la fin de l’esclavage dans l’ancienne Confédération, a été célébré comme un jour férié par de nombreux Noirs américains peu de temps après les événements historiques du 19 juin 1865. Cette année, avec le mouvement pour mettre fin à l’injustice raciale dans les nouvelles, un specified nombre d’entreprises ont pris des mesures pour reconnaître officiellement Juneteenth. L’un d’eux est Bandcamp, la plate-forme musicale indépendante, qui donne sa component des revenus de toutes les ventes effectuées le 19 juin au NAACP Lawful Defence Fund en solidarité avec les manifestants. Cela signifie que tout achat que vous effectuez sur Bandcamp à cette date soutiendra à la fois un artiste indépendant et une cause importante.



« Les récents assassinats de George Floyd, Tony McDade, Sean Reed, Breonna Taylor, Ahmaud Arbery et la violence en cours sanctionnée par l’État contre les Noirs aux États-Unis et dans le monde sont des tragédies horribles », a écrit le PDG de Bandcamp, Ethan Diamond, qui a également promis donner 30 000 $ de as well as par an aux organisations de lutte contre le racisme. « Nous soutenons ceux qui réclament à juste titre justice, égalité et changement, et les personnes de couleur partout dans le monde qui vivent avec le racisme chaque jour, y compris bon nombre de nos collègues et artistes et lovers de la communauté Bandcamp. »

Juneteenth sur Bandcamp : recommandations musicales

Vous cherchez un disque ou un morceau de merch pour commencer ? Essayez ces 14 albums et chansons d’artistes noirs indépendants, comme recommandé par Pierre roulanteLe staff de. Pour moreover d’idées



Moses Sumney, Grae

Sur cet opus de 20 chansons, Asheville, en Caroline du Nord-via le sud de la Californie, auteur-compositeur-producteur-producteur Moses Sumney promet de « céder ma vie à quelque chose de plus grand que moi ». En effet, Grae est une riche eyesight de découverte sonore et personnelle, de toutes sortes d’identité en flux. Le fausset de Sumney est une arme délicate, et son son existe sur l’espace entre R&B, art-pop, jazz, folks de la chambre et avant-rock, à la fois tentaculaire et intime, qu’il explore doucement le désir romantique et la possibilité sur l’acoustique en recherche  » Polly « , construisant une poésie floue du piano sur » Gagarine « (intitulé d’après le nom du premier homme à être allé dans l’espace), ou jouant avec des idées de mortalité, d’histoire et de masculinité sur le » Virile « percutant rêveur. La folie créatrice qui s’ensuit peut rappeler le prince du signe « O » le Periods ou A Seat at the Table de Solange. C’est le son d’un artiste qui n’a rien sur son chemin mais de la liberté.- Jon Dolan

Betty Davis et Danielle Maggio, « Un peu chaud ce soir »

Queen of Funk Betty Davis est une figure sous-estimée de l’histoire de la musique noire. Elle a d’abord fait des vagues à la fin des années 60, lorsqu’elle a présenté à son mari de l’époque, Miles Davis, le rock psychédélique qui a inspiré son album phare Bitches Brew. Au milieu des années 70, elle est devenue une determine culte avec son propre funk-rock énervant et provocateur – un son qui est devenu encore as well as volcanique sur scène. Sa disparition de l’industrie musicale peu de temps après une série emblématique de trois albums a été de son propre gré, mais elle a replongé les orteils dans la scène depuis que ses albums ont été réédités en 2007 par le label de Seattle Light in the Attic. L’été dernier, Davis a sorti sa première nouvelle chanson en 40 ans à travers Bandcamp: le sensuel et doux « A Small Little bit Very hot Tonight », qui est tout aussi attractive et brillant que n’importe lequel de ses premiers enregistrements. Au lieu de la chanter elle-même, Davis a enrôlé Danielle Maggio, une ethnomusicologue et candidate au doctorat qui rédige une thèse sur Davis. Dans une récente interview avec le Pittsburgh Publish-Gazette, Davis a noté qu’elle avait commencé à écrire la chanson à la fin des années 70 alors qu’elle vivait au Japon, et a ajouté qu’il pourrait y avoir encore as well as de nouvelle musique à l’avenir. – Spanos bretons

Bessie Jones, Get In Union

Compilé à partir des archives de l’ethnomusicologue prolifique du XXe siècle Alan Lomax, Entrez dans l’Union met en évidence les enregistrements de la chanteuse Bessie Jones, dont les performances avec les Ga Sea Island Singers de la fin des années 50 au début des années 70 ont contribué à préserver la chanson et la danse afro-américaines traditionnelles et ont contribué à revigorer le renouveau folklorique du milieu du siècle aux États-Unis. reconnaître « Parfois » de cet extrait de Moby, mais les 59 autres titres de la collection ont bien moreover à offrir, Jones proposant elle-même des anecdotes parlées ici et là. Les spirituels comme « Let Me Fly » sont de magnifiques appels au salut des airs de ramblin comme « Going to Chattanooga » ont aidé à former la foundation du blues américain et si vous y prêtez awareness, vous entendrez peut-être dans « No Hiding Position Down Here » le même standard folk que Nina Simone a travaillé pour « Sinnerman ». – Claire Shaffer

Mon petit, Aloha

Le dernier de Son Tiny est un tour de drive discret qui s’éloigne doucement de l’âme sans fioritures de ses débuts et de la pop majestueuse de son suivi en 2017, Nouvelle magie. Au lieu, Aloha est une riche selection qui trouve l’auteur-compositeur-interprète de Philly explorer un échantillon texturé de rock indépendant et de funk-funk sur des chansons comme « Mahalia » et « Belladonna ». Voir la pièce maîtresse de l’album « Experience », qui begin comme un riff de doigté « Stairway to Heaven » avant d’évoluer dans un paysage sonore expansif qui fulfilled en valeur Minimal à son meilleur. – Jonathan Bernstein

Alger, Il n’y a pas d’année

Le troisième album d’Alger est une fusion intelligente de rock industriel et de musique soul, alors que le chanteur Franklin James Fisher hurle de regarder le monde brûler sur des rythmes électroniques pointus. Mais il ne vacille jamais dans une spirale descendante, grâce au expertise de Fisher pour les crochets vocaux hummables qui s’élèvent au-dessus de l’instrumentation dentelée. Sur « Dispossession », qui s’ouvre avec les paroles, « Courez, fuyez votre Amérique, alors qu’elle brûle dans les rues », il renforce son message que « la liberté arrive bientôt » avec un chœur de femmes chantant « vous pouvez » t s’enfuir « entre ses déclarations – et vous ne pouvez pas le sortir de votre tête. Certaines chansons sont intentionnellement sombres (vous devez vous tendre les oreilles pour entendre Fisher chanter le déni sur les synthétiseurs bourdonnants de « Hour of the Furnaces »), mais Alger équilibre bien ces moments avec des éclats d’extraversion, comme sur le R&B des années 60 -Influencé rave-up « Unoccupied » et la piste reward gratteuse, « Void », qui sonne comme « March of the Pigs » de Nine Inch Nails transmis à travers une distorsion temporelle intergalactique dans un univers alternatif punky. C’est un album en colère, puissant et qui ne ressemble à rien d’autre – Kory Improve

Nicole Mitchell et Moor Mother, En direct au Guess Who

Près du début de « Prototype Eve », la dernière piste de 21 minutes d’un nouvel album reside de la compositrice-flûtiste Nicole Mitchell et du poète-soundscapist Moor Mom, les lignes chantantes et reverbées de Mitchell dansent sur un drone de variety harmonium, évoquant le sensation d’un raga psychédélique. Le passage est bref mais transportant, et il est révélateur de l’attrait des limites extérieures de ce partenariat tout à fait sympathique. Des échantillons craquants, des sons électroniques, des paroles incantatoires de Moor Mom, des textures aérées de Mitchell et même des morceaux de chants d’oiseaux coulent ensemble dans un voyage sonore qui est parfois heureux et parfois déchirant. Les deux artistes ont des liens avec le légendaire collectif d’artistes de Chicago, l’AACM – Mitchell est une ancienne présidente, et elle et Moor Mom sont apparues chacune lors de la sortie du 50e anniversaire de l’an dernier par le groupe phare de l’organisation, l’Art Ensemble of Chicago. Leur travail ici, ancré dans l’esprit de leurs ancêtres avant-gardistes mais résolument tourné vers l’avenir, rappelle la philosophie de foundation de l’Ensemble artistique: « Great Black New music – Ancient to the Future ». – Hank Shteamer

Naeem, Startisha

Il est tentant de décrire le nouvel album de Naeem, Startisha, comme une grande réinvention, mais vraiment cela ressemble à une révélation. Il y a quatorze ans, Naeem Juwan était connu sous le nom de Spank Rock, le rappeur racé et professional, dont les chansons pouvaient tout faire vibrer, des maigres enceintes iMac aux enceintes de club. Le 2006 YoYoYoYoYo et 2007 Bangers et Hard cash – un EP avec un Benny Blanco alors en plein essor – Spank Rock était au sommet de ses pouvoirs de rap de fête, mais le label de style est rapidement devenu contraignant. Dans un récent New York Periods interview, Naeem a parlé des limites imposées à lui en tant que MC noir queer à la fin de l’ère Bush: « Cela n’a pas permis à l’histoire de s’ouvrir pour qu’un jeune enfant noir ait moreover de pensées ou ait le contrôle sur ce qu’il disait.  » Startisha arrive six ans après le dernier Spank Rock EP (2014’s The Upside), et il semble familier mais complètement nouveau. Son son couvre le rap, la danse, la pop et l’électronique d’une manière qui reflète sa création sur plusieurs années, dans plusieurs villes avec plusieurs collaborateurs (Sam Green, Grave Items, Ryan Olson et même Justin Vernon de Bon Iver). Il y a encore de gros rythmes et des raps de club ici qui ne sonneraient pas à leur spot sur un album de Spank Rock (« Permit Us Rave », « Woo Woo Woo »), mais ceux-ci sont équilibrés par des chansons comme « Simulation », un tonnerre, explosion politiquement chargée, et « Stone Harbor », une piste de danse tendre ode au petit ami de longue day de Naeem. Sur la coupure stellaire de l’album, Naeem partage un simple souvenir d’une amie d’enfance, Startisha, dansant. Il y a quelque selected de troublant dans cette vision, un pincement qui fait allusion à la facilité avec laquelle une vie peut être étouffée, comme Naeem se demande, « Vous bougez toujours de cette façon ? » Mais l’image resilient de la chanson est celle de la persévérance: « Mon ami, si vous parfois / Pensez à moi et me demandez si je continue de bouger de cette façon / Je bouge toujours / Je bouge toujours. » – Jonathan Blistein

Nailah Hunter, Sorts

Bandcamp est plein de musique instrumentale douce avec des accents new-agey ou fantasy, une grande partie disponible sur des cassettes qui sonnent encore mieux avec le fuzz et la fusion ambiants produits par un vieux magnétophone. Le leading EP du harpiste Nailah Hunter de Los Angeles est l’une des meilleures sorties récentes de ce genre, avec 6 chansons pleines de douceur starlight. La plupart sont sans mots, bien que sur le issue culminant « White Flower, Dim Hill », Hunter ajoute certaines de ses propres voix murmurées avec grand effet. Dans des interviews, Hunter a cité les précédents établis par la grande Alice Coltrane et Dorothy Ashby, ainsi que sa harpe contemporaine Brandee Youthful, tout en notant les inégalités historiques autour de son instrument: « J’espère que les gens [who] l’expérience de mon artwork est rappelée d’aller à l’extérieur et d’apprécier le soleil et la lune et notre planète. J’espère aussi encourager d’autres filles noires à jouer de la harpe ! … Je veux travailler à décoloniser l’instrument et à faire prendre conscience que la harpe est pour TOUS. ” – Simon Vozick-Levinson

William Parker, Trencadis

Depuis les années 70, William Parker fait partie intégrante de l’avant-garde du free of charge-jazz à New York et au-delà, collaborant avec d’autres géants de l’idiome comme Cecil Taylor et David S. Ware. Mais la output du bassiste-compositeur né dans le Bronx est unachievable à percer, un fait illustré par Trencadis, un échantillonneur de Migration du silence dans et hors du monde des tons, un coffret à venir comprenant 10 albums distincts de tout nouveau matériel. Les pistes ici – chacune tirée d’un disque différent de la boîte – vont d’une composition délicate, axée sur les vampires pour quatuor à cordes (« Lakota Song ») à une œuvre saisissante avec des voix doublées de la chanteuse Lisa Sokolov (« Essence Contacting Out » ), une pièce pour piano solo au goût gospel jouée par Eri Yamamoto (« The Golden Gentle (Hymn) »), et un paysage sonore inquiétant contre un enregistrement de James Baldwin parlant (« Baldwin »). Parker n’apparaît qu’en tant que joueur sur quelques-unes des sélections, mais la chaleur et l’expansion de sa eyesight sont indéniables partout. – Hank Shteamer

Anthony Braxton et Eugene Chadbourne, Duo (Improv) 2017

« [M]toutes les définitions idiomatiques qui nous ont amenés dans cet espace-temps sont de plus en moreover hors de propos « , a déclaré Anthony Braxton. Pierre roulante en 2019, date à laquelle il avait passé furthermore de 50 ans à illustrer cette idée à travers son travail. Opéras élaborés, compositions pour quatre orchestres ou 100 tubas, pièces dans lesquelles de la musique nouvellement écrite se mêle à des œuvres additionally anciennes jouées sur iPod, concerts de saxophone solo – Braxton a tout fait. Mais un réglage dans lequel il revient encore et encore est le duo intime. Duo (Improv) 2017, un nouveau coffret de huit disques qui associe Braxton à l’excentrique guitariste chevronné Eugene Chadbourne, se joint à des équipes moreover anciennes avec d’autres maîtres avant-gardistes, dont Derek Bailey, Roscoe Mitchell et Marilyn Crispell. La conversation ici est powerful, mais l’ambiance est décontractée, auto les deux vieux amis localisent leur propre logique dans l’instant. Parfois, elle se manifeste comme une pure abstraction parfois c’est jazzy et réfléchissant et à d’autres moments, c’est presque chez nous – adapté à deux musiciens qui partagent une dévotion égale à Charlie Parker, Merle Haggard et à la riche histoire de la musique expérimentale, et pour qui toute frontière musicale perçue a toujours été entièrement perméable. – Hank Shteamer

Kyshona, Ecoutez

Le nouvel album de l’auteur-compositeur-interprète de Nashville, Kyshona Armstrong, est un hybride de racines sudistes tour-de-force de rock, pop et R&B qui alterne entre désespoir blues et résilience remplie de gospel. Un place culminant, « Concern », est un rocker blues orageux sur la gestion de la peur par une basic reconnaissance. « Vous devez l’appeler par son nom », chante Armstrong, offrant des conseils avisés dans les temps sombres. – Jonathan Bernstein

Bartees Peculiar, Dites au revoir à Quite Boy

Lorsque Bartees Odd a assisté à un concert du Nationwide, son groupe préféré, à D.C.l’année dernière, il a été frappé par le nombre de personnes qu’il a exposées dans le public. « Cela m’a frappé combien peu de Noirs étaient dans la foule », a-t-il écrit à propos de l’expérience, « et comment ce genre semble exclure les contributions que les Noirs y ont apportées. » Sur Dites au revoir à Rather Boy, Peculiar réinvente cinq des chansons du groupe indépendant de Brooklyn dans son propre type de style, présenté sous une pochette basée sur le drapeau panafricain. Les résultats sont inspirés et récupèrent les paroles de Matt Berninger pour la propre histoire musicale et personnelle de Peculiar. Les instruments à cordes de « About Today » sont remplacés par des synthés pulsés, des boîtes à rythmes et sa voix de crooning prudente. Le passionné « M. Novembre « devient un mantra personnel murmuré. L’explosif « Lemonworld » prend des jours de Weird dans la scène emo de l’Oklahoma, et en tant que fils d’un père militaire, il tord l’écriture maniériste de Berninger en quelque chose de furthermore littéral: « J’ai donné mon cœur à l’armée / La seule selected sentimentale à laquelle je pouvais penser de. » – Claire Shaffer

Archie Shepp, Raw Poetic et Damu the Fudgemunk, Ponts océaniques

Le mariage de la musique et du texte est au cœur de l’art d’Archie Shepp depuis près de 60 ans. Il n’est donc pas difficile de tirer une ligne directe du information urgent et du jeu passionné entendu sur les déclarations classiques de Shepp comme celles de 1965. Musique de feu et 1972 Attica Blues au Chuck D 2007 Gémeaux et enfin Ponts océaniques, le nouvel album du saxophoniste et poète de 83 ans avec le producteur de MC Uncooked Poetic (qui est le neveu de Shepp) et le multi-instrumentiste Damu the Fudgemunk. Les longs morceaux du LP se déroulent sous forme de jams de studio lâches, avec des recherches de Uncooked Poetic, des rimes socialement conscientes et le saxo de Shepp – à la fois sa soprano passionnée et son ténor gravement majestueux – qui remontent à la floor à leur tour. C’est la dernière déclaration surprenante d’un musicien qui considère clairement « l’avant-garde » comme une philosophie plutôt que comme un fashion. – Hank Shteamer

Angel Bat Dawid, « Transition East » / « No House Fo Us »

Si vous n’avez pas encore entendu les excellents débuts de ce clarinettiste de Chicago en 2019, L’oracle, allez vérifier cela – peu de documents vous donneront l’impression de voyager parmi des étoiles lointaines tout en gardant vos pieds fermement enracinés sur notre terre en difficulté. Ensuite, si vous cherchez as well as de sons de libération éloignés d’Angel Bat Dawid, montez son dernier one et laissez-le vous aider à oser imaginer un autre monde. – Simon Vozick-Levinson