Dawn Richard, Deuxième ligne



L’artiste R&B Dawn Richard a emprunté un chemin sinueux au cours de sa carrière de près de 20 ans. Maintenant, elle se retrouve sur le label indie-rock de Caroline du Nord Merge avec son sixième album, Second Line. C’est peut-être un endroit inattendu pour elle, mais le disque semble être le point culminant de toute son expérience, imprégné d’un album qui enfile des décennies de musique et d’héritage dans un ensemble organique et passionnant. la décision de Richard d’ancrer une grande partie de Second Line dans la house et d’autres formes de musique électronique de club a une énergie poignante qui lui est propre. Tout comme les premiers pionniers de la maison de Chicago ont créé un sens futuriste de l’identité musicale et sexuelle, il y a ici le sentiment de suivre toute impulsion que vous voulez, peu importe où cela vous mène. J.D.

Eric Church, Coeur âme

Le dernier projet de Church est son plus ambitieux : un triple album de 24 chansons sorti en une semaine en trois segments. Heart, &, et Soul affinent davantage la narration mélodique et à mi-tempo dans laquelle Church excelle, offrant un résumé émouvant de ce qu’il a bien fait tout au long de sa carrière de 15 ans. Vous obtenez des déclarations impétueuses qui rappellent ses débuts irrévérencieux (« Stick That in Your Country Song »), ainsi que du rock et de la soul maximaliste comme le Elton John-meets-Meat Loaf « Heart of the Night », et le rock roots de « Hell of a View ». Chacun de ces albums a une prémisse lâche (beaucoup de mélodies « cœur » sur Heart, beaucoup de funk rock orienté R & B sur Soul); pris ensemble, Heart & Soul est une sorte de disque conceptuel, sur le pouvoir éternel de la musique – la musique qu’il fait et la musique qu’il aime, qui couvre toute la gamme des Doors et Bobbie Gentry (« Rock and Roll Found Me ») à Elvis et Guns N ‘Roses (« Heart on Fire »). J.B.



Brockhampton, Roadrunner : nouvelle lumière, nouvelle machine « 

Le sixième album du groupe de rap mutable composé de 13 membres Roadrunner : nouvelle lumière, nouvelle machine parvient à être l’écoute facile qui Gingembre n’était pas, ce qui est surprenant car il a été créé au milieu d’une tragédie. Roadrunner est influencé par le suicide du père de Joba, membre du groupe. Pendant des années, le spectre du suicide a persisté sur la musique de Brockhampton. Maintenant, ils ont été contraints de le traiter dans la réalité. La perte de Joba l’a poussé à méditer sur la passion et le but, et bien qu’il n’y ait aucune limite lorsque Joba affronte sa douleur, l’album dans son ensemble se sent inspiré et même plein d’espoir. Brockhampton a expérimenté ce que signifie être un « boyband américain », reconnaissant que le rap est le présent et le futur de la pop, tout en subvertissant les attentes esthétiques qui accompagnent le surnom de « boyband » avec leurs confessions candides. Il est intéressant de noter que même si le fondateur Kevin Abstract admet qu’il est las du signifiant, le groupe se penche plus que jamais sur l’accessibilité d’un boyband. M.C.

Meilleurs albums d'avril 2021 : Dawn Richard, Taylor Swift, Brockhampton & More

Taylor Swift, Intrépide : la version de Taylor

Swift commence la vaste entreprise de refaire son catalogue arrière avec Fearless, l’album qui l’a établie comme une star du crossover. Contrairement à la plupart des réenregistrements, cette fois, les nouvelles versions semblent moins lisses que l’original. Sa voix semble plus basse dans le mix cette fois-ci, mais pour la plupart, elle est allée à l’extrême pour imiter les textures polies de Nashville et les paysages sonores du premier Fearless; elle a ramené plusieurs musiciens de session de l’album et a même recruté Colbie Caillat (une influence principale sur la version 2008 de Fearless) pour refaire ses chœurs sur « Breathe ». Swift a clairement étudié ses intonations vocales sur Fearless, jusqu’aux rires et hoquet maladroitement recréés parsemés tout au long de « Hey Stephen ». Mais sa voix trentenaire est plus riche, plus profonde et plus sûre d’elle-même. Elle incarne ses anciennes affectations country, mais seulement jusqu’à un certain point : elle n’essaye plus de faire rimer « retour » avec « rire » sur la coupe profonde « Come in With the Rain ». J.B.

Souviens-toi du sport, Comme une pierre

Sur leur quatrième album, le groupe indie pop-punk de Philly n’innove pas autant que de creuser profondément dans ce qu’ils font de mieux sur cette superbe collection d’hymnes de la fin de vingt ans à la fine pointe de la technologie (« Like a Stone ») et de splendides fainéants ballades (« Out Loud). L’auteure-compositrice-interprète principale Carmen Perry livre des méditations au cœur meurtri sur la nostalgie précoce, le vieillissement et les séquelles du chagrin, des sujets qu’elle raconte avec le pathos power-pop de son groupe depuis leurs débuts en 2014 dans le groupe universitaire Sunchokes. Alors qu’elle chante la déclaration thrasher-punk « Falling Awake » : « Tout ce qu’elle fait, elle ne disparaît jamais. » J.B

Matt Sweeney et Bonnie « Prince » Billy, Super-loups

Will Oldham, qui joue le rôle de Bonnie « Prince » Billy, et Matt Sweeney sont des collaborateurs parfaitement assortis, ce qui aide à expliquer pourquoi leur album commun de 2005, Superwolf, est devenu un classique culte. Leur nouvelle suite présente une distribution plus large que son prédécesseur, avec la merveille de guitare touareg Mdou Moctar et ses camarades de groupe apparaissant sur quelques pistes, mais comme avec son prédécesseur, les moments les plus forts du disque sont ceux qui montrent le rapport solide entre Oldham et Sweeney dans les moindres détails. chemin. « Good to My Girls » est une étude de personnage classique d’Oldham qui représente une madame de bordel avec une vision claire de son rôle, et sur « My Popsicle », la ligne mélodique étrange et descendante de Sweeney et les chœurs spectraux renforcent l’intrigue de l’elliptique d’Oldham paroles de chanson. H.S.

Marianne Faithful et Warren Ellis, Elle marche en beauté

Marianne Faithfull a aimé aussi profondément et vécu aussi tragiquement que n’importe lequel des célèbres poètes romantiques d’Angleterre d’autrefois, mais contrairement à la plupart d’entre eux, elle a vécu pour raconter ses histoires. Ainsi sur She Walks in Beauty, une collaboration orale avec le violoniste / compositeur Warren Ellis sur laquelle elle récite certaines de ses entrées préférées du Golden Treasury de Palgrave, sa voix chaleureuse et vécue trouve de nouvelles profondeurs dans les vers de Lord Byron, John Keats, Percy Shelley, William Wordsworth et autres. Quand elle lit une phrase comme « Mon cœur me fait mal, et un engourdissement endormi me fait mal » dans « Ode au rossignol » de Keats, elle le fait avec un sens des connaissances acquises au cours d’années difficiles d’expérience de vie écrasante que le poète, mort à 25 ans de la tuberculose, ne le saurait jamais. KG.

Guidé par des voix, Earth Man Blues

Earth Man Blues pourrait être le meilleur album de GBV depuis Alien Lanes en 1995. Bien que cela puisse sembler une affirmation noble – en particulier avec une discographie aussi vaste que celle de GBV – Earth Man Blue frappe carrément toutes les marques qui font de Guided By Voices un excellent – encore et encore et encore. Un collage de chansons inachevées ou rejetées ressuscitées et forgées dans un opéra rock sur l’enfance de Pollard, voici la VBG en tant que pure id : paroles dingues, expérimentation auditive et crochets pendant des jours. Essayez juste de sortir « Sunshine Girl » – un doux petit rocker qui sonne comme les Monkees sur les downers – de votre tête. Pollard et son « esprit de voiture de course » font désormais partie intégrante de votre hippocampe. ÊTRE.

L’OMS, The Who Sell Out : Édition Super Deluxe

The Who Sell Out était le premier ensemble parfait d’ironie du rock – un mariage ironique d’art highbrow et lowbrow déguisé en album concept où la seule vraie notion était que le Who voulait de l’argent. Ils ont lié les chansons avec des publicités ironiques pour le déodorant et la crème pour boutons et ont même engagé une véritable agence de publicité pour verser des haricots Heinz sur Roger Daltrey pour la pochette. Bien que la collection soit structurée comme un coffret conventionnel – deux disques consacrés à l’album en stéréo et mono avec des faces B, un autre aux sorties, un quatrième aux prises abandonnées et un cinquième aux démos de Pete Townshend – tout y donne un aspect holistique. à la période entourant la réalisation du LP. KG.

Gojira, Courage

Sur leur septième long-métrage en studio, Gojira mélange de la musique lourde avec des concepts lourds, et jamais ils ne sonnent comme une traînée. Sur diverses pistes, l’équipage de metal français de longue date encourage les manifestations pacifiques (« Into the Storm »), dénonce la déforestation (« Amazonia ») et prône un mode de vie minimaliste (« Born for One Thing »). Mais ils ne se présentent jamais comme des prêcheurs, en partie parce qu’ils ont un talent pour la musique inventive. Sur « Sphinx » et « Born for One Thing », le chanteur-guitariste Joe Duplantier et le guitariste principal Christian Andreu invoquent en hurlant, mémorable sons de leurs instruments entre des riffs dignes d’un mosh. Sur « Amazonia », ils entremêlent des instruments folkloriques sud-américains dans leur fureur de métal écrasante, alors que Duplantier agonise, « Le plus grand miracle brûle au sol », à propos de la perte des forêts tropicales brésiliennes. Et ils s’abandonnent à la puissance d’une mélodie vocale forte sur « The Chant ». C’est toute la rage du death metal mêlée à la conscience du punk rock et à la musicalité du rock progressif, et ce n’est jamais ennuyeux. KG.

Mars Volta, La Realidad de los Suenos

Découvrir la Mars Volta a toujours eu envie de trouver la clé d’une autre dimension grouillant de monstres et d’arcanes magiques; des fables tordues et des traditions dangereuses. Il est donc normal que leur nouveau coffret couvrant toute la carrière, La Realidad de los Sueños, ressemble à une sorte de coffre au trésor trippant et apparemment sans fond – une histoire auditive du groupe remplie de trucs et de friandises cachés. Soulevez un couvercle caché et un duo d’épingles tombe – déplacez les disques et une paire de lunettes 3D tombe au sol, ce qui donne une vie frissonnante à la pochette d’album recouvrant la boîte. Y compris un stupéfiant 18 LPs – toute la discographie remasterisée du groupe de rock progressif texan sur vinyle (via Chris von Rautenkranz) ainsi que diverses lacunes longtemps convoitées de l’histoire de Mars Volta – l’ensemble est un festin visuel, et il suffit de trier son divers volumes ramèneront n’importe quel fan une bonne partie du temps. ÊTRE.

Hasaan Ibn Ali, Métaphysique : L’album Lost Atlantic

Il y a des figures obscures du jazz, puis il y a Hasaan Ibn Ali, un pianiste de Philadelphie qui, jusqu’au mois dernier, avait exactement un enregistrement à son nom, un album de 1965 dirigé par le maître batteur Max Roach. Comme on l’a entendu sur cet album, la technique d’Ali était aussi impressionnante que son esthétique était bizarre : ses compositions vacillaient et trébuchaient, et ses improvisations balançaient violemment tout en déviant sur des tangentes sauvages et obsessionnelles. Environ neuf mois après la session de Roach, Ali a dirigé sa propre date record, qui a été mise de côté après que le pianiste a été arrêté pour possession de stupéfiants. Aujourd’hui, plus de 40 ans après la destruction de la bande originale dans l’incendie d’un entrepôt d’Atlantic Records, le disque est enfin sorti, grâce à une copie doublée qui a récemment fait surface. S’il manque le choc d’eau froide de l’album Roach, Métaphysique confirme qu’Ali était un véritable original dans le paysage post-bebop, semblable mais absolument distinct des ancêtres comme Thelonious Monk et Herbie Nichols, et des contemporains comme Cecil Taylor. Un atout majeur ici est la présence de son protégé Odean Pope, dont le son musclé et instable du sax ténor est le complément parfait de l’approche résolument décalée d’Ali. Les albums « perdus » ne sont pas toujours à la hauteur de leur histoire, mais celui-ci est une découverte majeure. H.S.

Affirmation, Entracte

Si vous connaissez le nom de William Goldsmith, il est probablement lié à l’un des groupes avec lesquels il a joué dans les années 90 – les luminaires emo de Seattle, Sunny Day Real Estate, et un petit groupe appelé les Foo Fighters. Mais Entracte, les débuts du nouveau batteur Tacoma, Washington, le trio de puissance Assertion, et la première sortie de Goldsmith après une longue interruption de la musique, montrent qu’il est toujours une force créatrice vitale. L’approche du groupe est familière : un rock indé passionné, à tendance post-hardcore qui utilise généreusement des changements dynamiques silencieux / forts, en d’autres termes, un son qui n’aurait pas été déplacé à l’âge d’or des anciens groupes de Goldsmith. Son exécution, en revanche, est exceptionnelle : Goldsmith, le bassiste Bryan Gorder et le guitariste-chanteur Justin Tamminga (dont la tenue antérieure la plus connue est Pig Snout, un adorable groupe rempli par ses enfants) interprètent ces neuf chansons cathartiques avec un feu et une conviction rares. La production complète et magnifiquement biologique de Tamminga ne fait qu’accentuer l’urgence. Lorsque le trio entame un refrain anthémique comme celui de « Defeated », vous souhaiterez avec chaque fibre de votre être que vous hurliez lors d’un concert en sueur dans un club. H.S.

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