Dans une job interview en 2017 sur le podcast WTF de Marc Maron, James Hetfield de Metallica a discuté de ce qui l'oblige à canaliser ses émotions les plus sombres dans des chansons. «Ce que c'est, c'est que si je peux le sortir de ma tête, ça le rend meilleur», dit-il. "Mieux dehors que dedans."




Cela vaut souvent aussi pour l'auditeur. Il y a quelque chose de cathartique à entendre un artiste purger sa colère, son chagrin ou sa stress - ou une combinaison des trois - dans une chanson. Comme le dit Hetfield, ce easy fait de libérer la feeling de votre tête ou de votre cœur est souvent la première étape pour la dépasser.

Musique à la maison: chansons de Catharsis de Bjork, Miles Davis, et moreover

Les chansons ci-dessous sont toutes celles dans lesquelles j'entends beaucoup de peine. Mais dans chacun d'eux, à côté de cette douleur, il y a aussi un sentiment de triomphe - un sentiment qu'en canalisant une émotion donnée dans une chanson, l'artiste l'expulse d'une manière ou d'une autre. Et ils construisent également une sorte de monument: un document vers lequel vous pouvez vous tourner pour obtenir de la drive et du réconfort si vous ressentez quelque chose comme ce qu'ils traversent ou si vous rencontrez un impediment.

Ces types de chansons m'ont particulièrement frappé ces derniers mois. Il y a des centaines d'exemples, mais ce sont certains qui, pour moi, résument vraiment cette idée de catharsis déchirante mais finalement saine. Mieux dehors que dedans.



(Trouvez cette playlist sur Spotify ici.)

RVIVR, «Shaggy» (2016)

Le groupe punk RVIVR d'Olympia, Washington se spécialise dans le punk rock incendiaire et instantanément anthémique, le genre qui vous fait souhaiter d'avoir à nouveau 15 ans afin que vous puissiez sauter de haut en bas en criant les mots avec vos amis lors d'un spectacle de sous-sol bondé. Leurs chansons abordent toutes sortes de sujets avec une uncommon émotion, des amitiés en déclin à l'identité queer, mais certaines des meilleures traitent de la perte. Sur «Shaggy», extrait d'un single de 2016, le groupe rend hommage à Barker Gee, un ami de la scène punk décédé par suicide cette année-là. Les co-chanteurs-guitaristes Erica Freas et Mattie Jo Canino s'adressent directement à lui, se souvenant de Gee «tuant avec désinvolture / sur votre méchante guitare». S'exprimant pour une scène entière, ils s'affrontent pour révéler «mille cœurs punk se brisant / sur un parking vide». Le sentiment est terriblement triste, mais la livraison turbocompressée du groupe le transforme en cri de guerre. Pensez à cela comme l'équivalent du sillage larmoyant, nostalgique mais finalement affirmant la vie qui match les funérailles. (Si celui-ci vous parle, je vous recommande vivement de regarder cette general performance phénoménale de Chris Gethard Demonstrate, que j'ai regardée approximativement 700 fois depuis le début de la quarantaine.)

Rage Against the Device, «Les gens du soleil» (1996)

Le catalogue entier de Rage est une grande catharsis, mais ce titre furieusement funky Evil Empire, où Zack de la Rocha honore «l'esprit de [final Aztec emperor] Cuauhtémoc vivant et sauvage », exprime un sentiment d'urgence one of a kind. La chanson trace une ligne directe des Aztèques, écrasés par les Espagnols, aux zapatistes modernes, et retourne l’histoire sanglante du Mexique en un cri de rebelle qui pourrait s’appliquer à tout soulèvement autochtone. Chaque fois que le refrain get there - "Il est de retour ! / C'est pour les gens du soleil ! " - vous pouvez entendre les échelles de l'histoire basculer et la fureur des injustices passées redirigées vers les oppresseurs.

Albert Ayler, «Truth Is Marching In (Live)» (1966)

Le regretté saxophoniste Albert Ayler jouait avec une ferveur en plein essor et gospel qui pouvait rendre sa musique à la fois joyeuse et lugubre. Prenez cette superbe overall performance live de 1966, enregistrée au légendaire Village Vanguard de New York et retrouvée sur l'album Albert Ayler à Greenwich Village, où un thème d'ouverture élégiaque cède la put à une fanfare de derviche, avec le ténor hurlant d'Ayler en tête. Il y a une crudité palpitante dans son son - complété par une part rythmique difficile et brouillante mettant en vedette le bassiste Henry Grimes, décédé en avril des troubles de COVID-19 - et aussi un sentiment d'exultation pure, alors que la fanfare revient par intermittence. La bascule émotionnelle de la musique suggère que les moments les additionally brillants surgissent des tempêtes les furthermore violentes.

Sur la puissance des princes, «For Meg» (2001)

Des dizaines de chansons familières, de «Creep» à «Wrecking Ball», partent d'un murmure et se transforment en un rugissement puissant, mais ce morceau - du groupe culte de Long Island On the May possibly of Princes - pourrait bien être le meilleur tu n'as jamais entendu. Un exemple brillant de la variété Diy de soi-disant screamo qui a précédé le cépage du même nom, respectueux du Warped Tour, «For Meg» begin par un échantillon de Welcome Property, Roxy Carmichael étrangement touchante (Jeff Daniels chanté a cappella:« Je vais le crier jusqu'à ce que tes oreilles saignent / Tu auras toujours un ami en moi. » Puis la chanson éclate en une bourrasque hardcore époustouflante, avec le chanteur-guitariste Jason Rosenthal proclamant: «Je suis désolé de vous avoir ouvert pour vous garder au chaud entre vos bras, vos mains, votre cœur et vos poumons…» Je ne pourrais pas vous dire exactement de quoi parle la chanson - une rupture ou une sorte de trahison? - mais je sens ses expressions entrelacées d'amour et de regret dans mes os. Rosenthal, qui est décédé tragiquement d'une crise cardiaque en 2013 à l'âge de 35 ans, travaillait clairement sur quelque selected ici, et «For Meg» préserve magnifiquement cette lutte. (L'album entier d'où vient ce morceau, Exactly where You Are and Exactly where You Want to Be, est tout aussi puissant il vient d'être réédité, et si vous êtes un supporter de musique qui tombe sur n'importe quel place du continuum emo, c'est quelque chose vous devez entendre au moins une fois.)

Janis Ian, «Aquarelles» (1975)

Les ornements folkloriques majestueux de cette coupe profonde de l'auteur-compositeur-interprète «At Seventeen» Janis Ian dissimulent l'un des baisers romantiques les additionally effrayants de l'histoire de la pop. Le narrateur revient sur une affaire vouée à l'échec avec un slimeball auto-impliqué, le style de gars qui étudie «des posts sur la façon de coucher l'oiseau en vol». Le ton de la chanson se module de mélancolique à carrément excoriant, alors que la femme se couche dans son amant après un rendez-vous insatisfaisant: «Allez, sois un héros, sois un homme / Fais ton propre destin si tu peux / Va trouver une clôture, trouve une étagère, et cachez-vous / Allez, allez en enfer… »Vous entendez rarement ce style d'expression sans gants dans la pop: c'est le résultat d'une profonde blessure, suivie d'une clarté féroce.

Crowbar, «Fall Again to Zero» (2005)

Les artistes et les albums allument et éteignent mon Apple iphone tous les jours, mais une selected reste constante: je ne quitte jamais la maison sans que toute la discographie de Crowbar soit chargée dans la bibliothèque. Comme n'importe quel inconditionnel pourrait vous le dire - et les vétérans du steel de la Nouvelle-Orléans n'ont pas vraiment d'autre form de fan - le guitariste-chanteur-chef d'orchestre Kirk Windstein a une capacité étrange à transmettre à la fois un désespoir écrasant et la volonté indomptable de s'élever au-dessus. . J'ai passé la quarantaine à parcourir le catalogue Crowbar encore et encore, ainsi que l'incroyable album solo de Windstein 2020, Aspiration in Movement, mais la chanson qui me frappe le additionally est celle-ci, issue du grand energy de mi-carrière de Crowbar Lifesblood for the Downtrodden. Avec ses couplets suintants et sombres hypnotisants et ses refrains mi-tempo déchaînés, où Windstein crie «Cette lumière en avant a toujours montré la voie», le morceau illustre parfaitement le spectre émotionnel complet du groupe. Encore et encore, il descend dans l'obscurité pour exploser de nouveau dans la lumière.

Miles Davis, «Il l'aimait follement» (1974)

De toutes les façons dont on pourrait penser pour rendre hommage musical à Duke Ellington, en créant un opus psychédélique de 32 minutes avec des textures tourbillonnantes de guitare électrique, et une trompette et une flûte si profondément baignées de réverbération qu'elles semblent émaner du fond de l'océan, ne serait probablement pas la première idea à apparaître dans la tête de la plupart des artistes. Mais c'est exactement ainsi que Miles Davis a choisi de traiter son chagrin suite à la mort du pianiste et compositeur légendaire, qui avait l'habitude de signer ses émissions en disant au public: «Nous t'aimons follement.» Ellington est passé moins d'un mois avant la session d'octets de juin 1974 qui a produit le morceau, et la perte airplane sur le morceau comme un voile, en particulier pendant l'intro ambiant brumeuse de furthermore de 10 minutes avant que le batteur Al Foster ne se lance dans un groove fantomatique. Il y a une purge en cours ici, et cela se traduit par un morceau étrange mais transcendant qui se démarque complètement du jazz ou de tout autre style facilement défini. En ne sonnant absolument rien de la musique d’Ellington, elle rendait hommage à un homme pour qui «au-delà de la catégorie» était le moreover grand compliment attainable.

Freeman, «Discrétion secrète» (2014)

Ce n'est pas seulement son surnom de Gene Ween qu'Aaron Freeman a mis de côté lorsqu'il s'est éloigné de Ween en 2012. Il était déjà allé dans des endroits sombres sur Ween data, en particulier sur le chef-d'œuvre du terrible-journey de 2003 au Québec, mais sur Freeman - la seule sortie de son projet solo du même nom avant son retour sur le vaisseau-mère Ween en 2015 - il a mis en avant des commentaires étonnamment nus sur la façon dont la vie à Ween avait fait des ravages sur sa santé mentale et physique. Sur «Covert Discretion», l'auteur-compositeur, alors nouvellement sobre, raconte le cercle vicieux de la façade d'un groupe associé, dirons-nous, à des états d'esprit altérés tout en essayant simultanément de préserver sa propre santé mentale. Se sentant trahi par son general public et ses anciens camarades de groupe après un spectacle désastreux à Vancouver en 2011, il chante - sur cette douce chansonnette acoustique qui coupe aussi profondément que Tunes of Like and Hate Cohen ou Plastic Ono Band Lennon - «You all just still left me / Just wander away / Seul, là-haut pour mourir. " Les choses deviennent plus difficiles à partir de là, automobile il ajoute: «Gardez vos jugements pour quelqu'un d'autre / Soyez reconnaissant de m'avoir sauvé de moi-même.» Puis la chanson éclate en un coup de pied rock droit alors que Freeman proclame: "Va te faire foutre / J'ai une raison de vivre / Et je ne mourrai jamais." C’est le son d’un homme qui donne le doigt à l’abîme et qui maîtrise ses démons en les mettant pleinement en évidence.

Björk, «Army of Me» (1995)

Quelle que soit la fin sur laquelle vous vous trouvez, "Get your shit collectively" est un sentiment universellement relatable, et il a rarement été exprimé aussi puissamment que Björk l'a dit dans cet immortel article opener: "Si vous vous plaignez une fois de furthermore / Vous rencontrerez un armée de moi. Avec sa marche sinistre de synthétiseur industriel qui explose en un chorus incroyablement abrasif, la chanson seize parfaitement la sensation de contrariété quotidienne débordant de rage. Björk a déclaré que la chanson avait été inspirée par son «frère pleurnichard», mais elle convient à toutes les scenarios où votre dernier nerf est testé et où votre sang-froid ne l’arrêtera moreover.

Slint, «Good Early morning, Captain» (1991)

J'écoute «Good Morning, Captain» depuis in addition de 25 ans, et l'histoire au cœur de la chanson me semble à peine moins énigmatique que la première fois que je l'ai entendue. Un capitaine de navire, seul survivant d'un naufrage, nage à terre, se dirige vers une maison et rencontre un jeune garçon. L'enfant le reconnaît apparemment… peut-être que le capitaine est son père? Dans tous les cas, le capitaine pèse lourdement sur sa conscience. Il s'excuse et marmonne des mots de regret - peut-être à lui-même, peut-être au garçon, peut-être aux deux. Et c’est à peu près tout ce qu’il nous reste à faire. L'histoire, prononcée sur un ton plat et solennel par le guitariste-chanteur Brian McMahan, se déroule sur additionally de sept minutes alors que le groupe parcourt un riff hypnotique et axé sur la basse, parfois ponctué par une imprecise de distorsion. La pressure ne se relâche jamais vraiment, jusqu'à ce que, approximativement une moment avant la fin, McMahan, dans la voix du capitaine, hurle: «Tu me manques ! et le groupe entame un awful crescendo qui joue comme l'équivalent musical de éclater en sanglots incontrôlables. Nous ne saurons peut-être jamais pourquoi le capitaine s'excuse, mais cela n'a pas vraiment d'importance: comme les autres chansons discutées ci-dessus, une écoute attentive (et de préférence forte) de cette piste épique est indéniablement cathartique, le style d'expérience qui vous laisse. sentiment dépensé mais renouvelé.