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Après "Nevermind" de Nirvana : 10 groupes des années 90 qui sont devenus grunge

Pour la première vague de superstars du grunge, 1991 a été « l’année où le punk a éclaté ». Pour de nombreux groupes de rock qui étaient déjà populaires en 1991, c’était l’année où le punk les a brisés.

Mais le grunge et le punk n’ont pas dépassé les ballades puissantes d’Aqua Netted qui ont dominé MTV à la fin des années 80 et au début des années 90 du jour au lendemain. La semaine où Nirvana est peu importe est sorti, le disque n’a même pas cassé le Panneau d’affichage 200 ; Guns N ‘Roses, Metallica et Ozzy Osbourne ont dominé le Top 10, tandis que le reste des offres rock de la liste comprenait Extreme, Skid Row et les derniers vestiges du hair metal. Un an plus tard, cependant, Alice in Chains et Pearl Jam étaient devenus des artistes du Top 10, et des LP de Nirvana, Mother Love Bone et Soundgarden (qui se classent tous très bien sur Pierres qui roulent 50 Greatest Grunge Albums list) a rempli le reste du tableau. Quelques offres glam-metal brillaient encore, mais en grande partie, le changement radical du grunge avait commencé à redéfinir le rock mainstream.

“Essentiellement m’a mis à la faillite, m’a fait peur”, a récemment déclaré Jay Jay French de Twisted Sister. « Je viens de dire  : « Pourquoi sommes-nous même ici ? » »

Mais tous les rockeurs ne se sentaient pas aussi démodés, car des artistes de tous genres ont commencé à changer leur apparence et leur son pour s’adapter au moment. Au milieu des années 90, David Bowie, autrefois coiffé d’orange, a adopté un eye-liner noir et des t-shirts, Metallica s’est coupé les cheveux et a dévoilé son âme sur des chansons sombres comme “Until It Sleeps”, et même Garth Brooks a échangé son chapeau de 10 gallons. pour une coupe au bol teint en noir et a commencé à s’appeler par hasard Chris Gaines. Quant aux cock-rockers vêtus d’élasthanne et aux cheveux taquinés dont les ballades et les hymnes de fête amoureux étaient soudainement devenus l’auto-parodie, ils ont soit abandonné comme Jay Jay French, soit se sont modernisés avec des riffs de guitare en lambeaux, des paroles d’auto-immolation, et voix de maux de gorge. Certains d’entre eux se sont bien adaptés, créant de brillants contrefaçons grunge, et le reste… eh bien, peu importe, peu importe. Voici 10 chansons de groupes qui ont remanié leurs sons à la suite de Nirvana, et comment ces efforts ont abouti.

Mötley Crüe, “Incompris” (1994)

Lorsque Mötley Crüe est revenu en 1994 avec leur LP éponyme, cinq ans s’étaient écoulés depuis leur précédent album Dr. Feelgood. Mais compte tenu de tous les changements musicaux survenus depuis le hit grunge en 1991, le décalage pourrait aussi bien avoir été de cinq décennies. Pour compliquer encore plus les choses, le groupe s’était séparé du chanteur Vince Neil dans l’intervalle et avait engagé John Corabi pour le remplacer. Comme vous pouvez le voir dans la vidéo de “Misunderstood”, ils pensaient qu’ils pouvaient traverser la révolution du rock alternatif en arrachant Alice in Chains, en jammant sur un porche comme “Girls, Girls, Girls” n’a pas eu lieu, et en montrant triste, images en noir et blanc de personnes âgées, dont un ancien combattant qui met une arme à feu dans sa bouche. La manœuvre a réussi à aliéner de nombreux fans d’OG Crue tout en n’attirant personne de nouveau. Comme le dit Corabi dans la chanson, “La vie n’est pas toujours juste”.

Extrême, « Hanche aujourd’hui » (1995)

Un groupe construit autour d’une étrange fusion d’harmonies vocales funk-metal et Air Supply, Extreme s’est catapulté dans le Top 10 en 1991 avec le somptueux “More Than Words” et le stomp-rocker acoustique “Hole Hearted”. Même après peu importe, ils ont réussi un hit rock grand public numéro un en 1992 avec le funky “Rest in Peace”, mais semblaient subir une crise de foi en 1995 En attendant le coup de poing, qui présentait une pochette d’album grungy (un clown fronçant les sourcils dans une friche industrielle aux tons sépia) et le single “Hip Today”. Sur la chanson, le petit génie de la six cordes Nuno Bettencourt s’est retenu avec des riffs de guitare plus simples (mais toujours déchiquetés avec extase sur le solo), tandis que le leader Gary Cherone a adopté un hurlement à la Scott Weiland pour correspondre à sa coupe de cheveux fraîchement tondue. L’album a culminé au numéro 40, et le groupe s’est séparé l’année suivante lorsque Cherone a décampé pour Van Halen, se reformant plus tard au milieu des années 2000.

Alice Cooper, “La guerre impie” (1994)

Au cours des deux premières décennies de sa carrière, Alice Cooper est passé en douceur du rock scintillant au rock d’arène, à la New Wave et même au hair metal. Mais malgré un bon coup de pouce d’une apparition dans le film Wayne’s World, les choses se sont un peu compliquées pour lui à l’ère grunge. Ce n’était pas faute d’avoir essayé. En 1994, il a recruté Chris Cornell, alors au sommet de sa gloire Soundgarden, pour écrire quelques chansons (« Unholy War » et « Stolen Prayer ») pour son album concept The Last Temptation. Si Soundgarden avait enregistré “Unholy War” sur Superunknown, cela aurait pu avoir un impact. Mais il n’y avait tout simplement pas de marché pour un mec grunge effrayant d’âge moyen, et la chanson et l’album ont disparu sans laisser de trace.

Def Leppard, “Tout ce que je veux, c’est tout” (1996)

Def Leppard a abandonné le producteur de longue date Mutt Lange pour son LP Slang de 1996 dans le but de créer un son plus moderne et de rivaliser avec les groupes grunge de l’époque. Le single “All I Want Is Everything” est une chanson triste remplie de regrets (“Tout ce que j’ai, c’est hier/Demain ne vient jamais”), et la vidéo d’un homme pâle et torse nu errant dans les cascades et les paysages urbains dans un état confus d’agonie est certainement à l’opposé de tout ce qui était à l’époque de “Pour Some Sugar on Me”, mais un temps mort, mopey Def Leppard ne joue pas vraiment avec les forces du groupe. Ils sont revenus à leur son de signature (avec un peu d’aide de Lange) sur leur album de suivi Euphoria en 1999, et ils n’ont jamais regardé en arrière.

Baiser, « Jungle » (1997)

Kiss est allé disco avec “I Was Made For Loving You” en 1979 et ils sont devenus hair metal avec “Heaven’s on Fire” en 1984, donc ce n’est même pas choquant qu’ils aient décidé de s’essayer au grunge dans “Jungle”, un morceau de leur LP Carnival of Souls. Écrit par Paul Stanley, Bruce Kulick et Curtis Cuomo, la chanson sonne comme un étrange jam entre Collective Soul et Alice in Chains. Peut-être que cela aurait pu aider Kiss à se connecter avec la foule de MTV au milieu des années 90, mais ils ont décidé de mettre de côté Carnival of Souls en 1996 et à la place de réunir le groupe d’origine, de se maquiller et de faire fortune sur le circuit de la nostalgie. Lorsque l’album est finalement sorti en 1997, il a été accueilli comme un peu plus qu’une curiosité. Pour un petit segment de fans inconditionnels de Kiss, cependant, c’est un classique perdu.

Bon Jovi, “Hé Dieu” (1995)

Tommy et Gina ont peut-être traversé des moments difficiles dans “Living on a Prayer”, mais leur sort n’était rien comparé aux personnes désespérées que nous rencontrons dans la chanson de 1993 de Bon Jovi “Hey God”. L’une est une mère célibataire de la classe ouvrière dont le fils a été arrêté pour avoir tué un flic (“Elle a fait de son mieux pour l’élever / Mais le monde s’est mis en travers de son chemin”) et une autre est un jeune du centre-ville qui prend une arme à feu à l’âge 12 (“Les chances sont contre lui/Junior ne fait pas 21”). C’est quelque chose de sombre, et il est associé à des guitares grungy gracieuseté de Richie Sambora. La chanson n’a fait presque aucune impression en Amérique, mais ce fut un succès mineur dans certaines parties de l’Europe, et Bon Jovi l’a jouée en direct pas plus tard qu’en 2013.

Skid Row, “Dans un autre” (1995)

Le troisième album des hard-rockers du New Jersey – et le dernier avec le chanteur Sebastian Bach – n’a pas fait un pivot éhonté dans les sons de Seattle comme les autres disques de l’époque. En fait, en l’écoutant aujourd’hui, cela ressemble à une évolution naturelle, bien que plus boueuse, de l’intense période de 1991 Esclave de la mouture. Mais “Dans un autre”, Race sous-humainele dernier single de, avait toutes les caractéristiques du grunge : la ligne de basse sinueuse et menaçante de Rachel Bolan ; un riff épais et trapu de Scotti Hill; et des tambours creux et lourds. Même le clip, avec ses personnages effrayants marchant sur des cordes raides et vidant des sacs de sable, ressemblait à un Nirvana ou à un outil. Créditez la voix mélodique et lyrique de Bach pour avoir empêché “Into Another” de devenir trop (man-in-the) en boîte : Même si son genre était sur le point d’être perdu dans le vent du changement, il n’a pas pu résister à montrer ces tuyaux.

Ugly Kid Joe, “Le monde de demain” (1995)

« Etes-vous les gars sur la plage qui détestent tout ? » demande SNL Julia Sweeney, membre de la distribution, incarnera Pat dans une intro clouée au single révolutionnaire de Ugly Kid Joe, “Everything About You”. L’air était une nouveauté à succès en 91 grâce à la vidéo dans laquelle le leader Whitfield Crane, oui, se tenait sur une plage et énumérait tout ce qu’il détestait (notamment, “tout à propos de vous” et, incroyablement, le sexe) sur la riffery cock-rock. Quelques années plus tard, ils ont enregistré un succès improbable avec une reprise de la complainte du papa jamais aimé de Harry Chapin “Cat’s in the Cradle”, que Crane a chantonné à travers les dents serrées d’une manière qui sonnait assez à la mode pour suivre Alice in Chains. Vidéo “Coq” sur MTV. Mais le groupe n’est pas devenu complètement grunge avant “Tomorrow’s World”, de leur album de 1995 Menace à la sobriété. Les sons de basse pâteux, les tambours tribaux et la guitare écho venaient directement d’un faux livre Soundgarden, tandis que Crane tentait de hurler comme Layne Staley. Cela n’a pas pris, et après un autre album (Motel Californie), le groupe s’est séparé en 1997 et s’est reformé bien après le dégagement de la côte en 2010.

Rush, « Stick It Out » (1993)

En adoptant un son plus sombre et plus dépouillé sur les années 1993 homologues, Rush n’était pas tellement en train de simuler les tendances dominantes que de revenir à l’essentiel, en particulier le son hargneux du power-trio qu’ils avaient préféré sur les premiers classiques comme 2112, avant de prendre un virage synthé-pavot dans les années 80. «Quand Alex et j’ai commencé à écrire ce disque, nous avons en quelque sorte regardé ces montagnes de synthétiseurs qui étaient amenés dans la salle d’écriture, et nous avons eu une sorte de réaction ; c’était presque comme une réaction allergique : “Je pense qu’il est temps peut-être de prendre du recul par rapport à ce genre de choses”, a déclaré Geddy Lee à l’époque. Le réalisateur Samuel Bayer a assorti les riffs costauds et entraînants du single principal “Stick It Out” avec une vidéo qui cochait toutes les cases du rock alternatif : éclairage rouge et bleu de mauvaise humeur, effets stroboscopiques effrayants et scènes inexplicables d’un homme ligoté luttant pour se libérer d’une chaise. Mis à part les visuels datés à l’arrivée, la chanson ne s’est pas présentée comme un plaidoyer éhonté pour la légitimité, simplement parce que Rush avait exploité un territoire musical similaire des années plus tôt – et pouvait encore le réussir de manière convaincante à partir de 93.

DC Talk, “Jesus Freak” (1995)

À l’origine un trio chrétien de hip-hop, DC Talk a attiré des disciples avec des vers comme « J’ai une raison de rapper, parce que mon dieu est roi » sur « Spinnin’ Round » et « Mon dieu fait une toute nouvelle chose mais depuis le début des temps, il reste le même” sur “Nu Thang”. Et ils ont connu un succès incroyable, remportant des plaques d’or et de platine, en tant que seul groupe de rap que maman me laissera écouter. Mais ils n’ont jamais vendu autant de disques que lorsqu’ils sont devenus le Only Grunge Band Mom Will Let Me Listen To sur leur album de 1995, monstre de jésus. « Est-ce que cela fait de moi un étranger que mon meilleur ami soit né dans une crèche ? » ils réfléchissent devant un solo de guitare à la Jerry Cantrell sur la chanson titre. La combinaison de guitares tranchantes, de paroles personnelles sur les crises d’identité religieuse et, naturellement, d’un soupçon de hip-hop sacré s’est avérée être une formule divine : l’album est devenu double platine.