La série d’interviews de Rolling Stone, Unknown Legends, présente des conversations de longue durée entre l’écrivain senior Andy Greene et des musiciens chevronnés qui ont tourné et enregistré aux côtés d’icônes pendant des années, voire des décennies. Tous sont réputés dans le domaine, mais certains sont moins connus du grand public. Ici, ces artistes racontent leur histoire complète, donnant un aperçu de la vie sur la liste A de la musique. Cette édition présente le claviériste David Rosenthal.
Enfant grandissant à Edison, New Jersey, dans les années 70, David Rosenthal avait l’habitude de monter dans un train et de se rendre au Madison Square Garden chaque fois qu’un grand groupe de rock était en ville, voyant tout le monde, de Led Zeppelin et Pink Floyd à Queen, Peter. Frampton et le groupe Edgar Winter.
«Quand j’ai vu Aerosmith, j’étais au point mort dans la dernière rangée de l’arène», dit-il. «J’étais si haut que j’ai dû esquiver à cause des chevrons du plafond. Je pense que j’étais plus éloigné de la scène que quiconque dans tout le lieu. Il n’y avait pas d’écrans à l’époque, donc Steven Tyler et Joe Perry ressemblaient à de petites fourmis sur scène.
À sa grande stupéfaction, Rosenthal est devenu l’une de ces petites fourmis le 19 juin 1982 : Cette nuit-là, Rainbow, avec Rosenthal lors de sa première tournée en tant que claviériste du groupe, a fait la tête d’un concert au MSG. Il n’avait que 20 ans. «C’était le plus gros concert que j’aie jamais fait de ma vie», dit-il. “Et qui savait si je pourrais jamais y jouer à nouveau?”
À ce stade, il aurait été inimaginable qu’il joue un jour au Madison Square Garden plus de fois que n’importe quel musicien de l’histoire, grâce à son passage de 28 ans (et comptage) dans le groupe de Billy Joel. Il a également passé du temps à jouer avec Steve Vai, Cyndi Lauper, Little Steven and the Disciples of Soul, Robert Palmer et Enrique Iglesias en plus de sa carrière parallèle en tant que programmeur de synthé pour Bruce Springsteen et le E Street Band, Lady Gaga, et bien d’autres. autres grands numéros de tournée.
Nous avons appelé Rosenthal dans sa maison du New Jersey pour entendre toute la saga.
Comment s’est passée votre année de pandémie?
C’est définitivement une expérience unique pour tout le monde. J’ai la chance d’avoir un joli studio ici dans ma maison, donc je peux être productif et créatif du mieux que je peux. Mais c’est beaucoup de temps à la maison. Je travaille sur des projets, j’écris de la musique et j’essaie toujours d’être créatif.
Oui. J’ai grandi à Edison et j’ai passé la majeure partie de ma vie ici, mais je suis allé à l’école à Boston au Berklee College of Music. À part ça, je vis ici à peu près.
Je veux revenir en arrière et parler de ta vie. Racontez-moi votre premier souvenir d’entendre de la musique en tant qu’enfant qui vous a vraiment touché.
J’écoutais beaucoup la radio quand j’étais jeune, la radio AM à l’époque. Je ne sais pas pourquoi, mais j’ai demandé un piano à mes parents quand j’avais environ six ans. Je ne me souviens pas de ma première exposition à la musique, mais mes parents m’ont raconté à maintes reprises comment je leur demandais un piano. Nous n’en avions pas. Je ne sais pas d’où vient l’appel, mais je voulais vraiment jouer du piano. J’ai demandé assez de fois qu’ils m’en ont finalement obtenu un, puis j’ai commencé à prendre des cours à l’âge de sept ans.
L’avez-vous repris rapidement?
Oui. Je ne savais pas que c’était rapide. J’avais sept ans et ils ont dit: «Faites ceci, faites cela», et j’ai appris. Je n’y ai rien pensé, mais le professeur a continué à écarter ma mère et à dire : «Votre fils apprend très vite.» [Laughs] Ils ont remarqué assez tôt que j’avais du talent. Mais, encore une fois, en tant qu’enfant, vous ne savez pas une chose d’une autre. Vous faites simplement ce que vous apprenez.
Qui étaient certains de vos héros musicaux quand vous étiez enfant?
À cet âge, j’écoutais juste les chansons qui étaient populaires à la radio. Je pense que ma première exposition aux pianistes est venue d’écouter [piano duo] Ferrante et Teicher, et Peter Nero et ces types de pianistes. Ensuite, j’ai commencé à écouter du rock et de la pop à la radio et à m’y intéresser. C’est tout ce que je voulais jouer lors de mes cours de piano. Ils essayaient de me faire jouer de la musique classique et je ne voulais pas du tout le faire. Je voulais juste jouer ce qui était à la radio.
À l’âge de 11 ans, j’étais capable de jouer à peu près tout ce que j’entendais à la radio. Je pourrais en solo. Je pourrais lire n’importe quelle partition. Je pourrais jouer n’importe quelle chanson. Et je commençais déjà à jouer dans des groupes à 12 ou 13 ans. J’avais 14 ans quand j’ai plongé dans le classique et vraiment commencé à m’y intéresser.
Absolument. La première fois que j’ai entendu Yes ’Close to the Edge, j’ai failli me retourner. Cela m’a époustouflé. J’ai écouté ce disque un million de fois.
J’ai beaucoup écouté Uriah Heep. Ken Hensley a eu une énorme influence. Et, bien sûr, Rick Wakeman dans Yes. Keith Emerson à l’époque… beaucoup de groupes de prog. J’ai vraiment adoré ce genre de choses. Je l’écoutais toujours. Mais j’ai commencé à écouter assez tôt Chick Corea et de la musique plus progressive comme ça.
Vos années d’enfance ont été vraiment une période incroyable pour la fusion, le prog et tant d’autres genres.
C’est tellement vrai. Et vous êtes très inspiré et influencé à ce moment-là par ce que vous écoutez. Vous n’êtes qu’une toile vierge absorbant tout. Je me souviens très précisément de la toute première fois que j’ai entendu Tomita. C’est un synthétiseur japonais qui a fait toute sa musique au synthétiseur. J’ai entendu sa version de [Modest Mussorgsky’s] Des photos lors d’une exposition quand j’avais environ 13 ans. Cela m’a époustouflé. J’étais comme : «Wow ! C’est ce que je veux faire. Je dois acheter un synthétiseur et apprendre à produire des sons comme ça. » Ce fut un très grand moment d’inspiration pour moi.
Quand avez-vous commencé à vous considérer comme quelqu’un qui pouvait en faire une carrière?
Eh bien, je ne me suis jamais vu comme autre chose qu’un musicien. Je dis souvent aux gens: «Je n’ai pas choisi la musique; il m’a choisi. Je suis très chanceux d’en avoir bien réussi, mais je suis un musicien de bout en bout. Je le respire. C’est dans mon sang. C’est mon être. C’est l’essence de qui je suis.
Pour moi, il n’ya jamais eu de doute sur le fait que je ferais autre chose que d’être musicien pour ma vie. Comment allait ma carrière, je ne le savais pas vraiment. Je savais juste que la musique était ce que je voulais faire.
Qu’est-ce qui vous a attiré au Berklee College of Music? Beaucoup de musiciens sautent cette étape et commencent juste à jouer dès la sortie du lycée.
J’étais déjà un joueur assez décent au moment où il était temps d’aller à l’université, mais j’y suis allé et je suis devenu un joueur beaucoup, bien meilleur. Et je suis devenu un musicien beaucoup plus complet. J’ai beaucoup appris sur l’orchestration et la théorie et j’ai appris tous les tenants et aboutissants de la programmation de synthés et de l’enregistrement audio.
Ce sont toutes sortes de technologies et de choses différentes que j’utilise à ce jour. Je pense que cela m’a permis de devenir un musicien beaucoup plus complet et cela m’a permis de travailler tout au long de ma carrière à faire de nombreux types de choses, pas seulement en tant que claviériste.
C’était une période vraiment intéressante. Tant de types différents de boîtes à rythmes et de synthétiseurs sortaient. Le changement de rythme a été très rapide.
Absolument. C’était une période vraiment excitante, et ça continue d’être passionnant. La technologie n’a pas cessé d’évoluer à ce rythme. Beaucoup de gens prennent les choses pour acquises de nos jours, mais les choses continuent et continuent et continuent. C’est un travail à plein temps pour suivre la technologie, mais j’adore ça. Cela fait partie de ce que je fais.
Avant de rejoindre Rainbow, quels étaient certains de vos groupes précédents?
J’avais beaucoup de groupes de lycée et des trucs comme ça. Mais quand je suis arrivé à Berklee, j’étais dans un groupe avec Steve Vai appelé Morning Thunder. Lui et moi nous sommes rencontrés les premiers jours à l’école. Nous avons beaucoup joué ensemble et nous restons toujours en contact à ce jour. J’ai joué sur quelques-uns de ses albums.
Je suis sûr que son talent était évident même à ce moment-là.
Son jeu de guitare, même alors, était hors des charts. En fait, dans tous mes groupes de lycée, j’ai joué du clavier et de la guitare. J’ai toujours été un bien meilleur claviériste que guitariste, mais j’ai joué les deux instruments dans tous mes groupes de lycée. Et puis je suis arrivé à Berklee et j’ai vu Steve jouer de la guitare et j’ai juste dit: «Je vais poser cet instrument. [Laughs] Je vais simplement m’en tenir à ce que je fais le mieux. » Je me suis évidemment concentré sur les claviers, ce qui était plus naturel pour moi.
Eh bien, il écrivait des trucs impossibles à jouer, mais nous essaierions de trouver un moyen de jouer quand même. J’écrirais des trucs. Il écrivait des trucs. Et nous avons repris quelques morceaux de Zappa et nous avons repris Happy the Man. Nous avons couvert certaines des musiques les plus difficiles que vous puissiez imaginer. C’était juste très amusant. C’était difficile. Nous nous sommes poussés les uns les autres et avons beaucoup évolué à travers tout cela. Et puis il est finalement parti pour rejoindre le groupe de Frank Zappa.
C’est assez incroyable que vous vous soyez lié d’amitié avec l’un des grands guitaristes de cette époque à cet âge.
Il est vraiment l’un des plus grands guitaristes. C’est mon ami personnel. Et pour moi, c’est Steve. Mais il est vraiment juste un guitariste incroyable et continue d’innover à ce jour.
Un ami d’un ami m’a dit que Ritchie Blackmore cherchait un nouveau claviériste, alors je lui ai envoyé une cassette. C’était mon groupe de reprises qui jouait un tas de morceaux de rock différents d’un côté. Et de l’autre côté, il y avait mon récital de piano classique senior où j’ai joué toutes ces choses folles. Je savais qu’il aimait aussi le classique.
Il a entendu cela et m’a invité à passer une audition à Long Island. C’était un appel de bétail. J’y suis allé et ils l’ont réduit à moi et à un autre gars, puis j’ai eu le concert.
Je ne me souviens pas des chansons exactes, mais c’était beaucoup de brouillage. Une grande partie de ce que Ritchie recherchait était: «Puis-je communiquer avec lui musicalement? À quelle vitesse apprend-il? Et donc il y avait beaucoup de brouillage. J’aurais peut-être joué “Man on the Silver Mountain” et quelques autres classiques. Mais honnêtement, je ne me souviens pas des chansons spécifiques.
Ça a dû être intimidant d’être sur scène avec quelqu’un comme Ritchie.
Eh bien, pour moi, ce n’est pas intimidant. J’ai juste fait ce que j’ai fait. Ma philosophie a toujours été d’y aller après avoir fait des tonnes et des tonnes de devoirs où vous vous préparez et vous préparez. J’entre alors et fais de mon mieux. Si mon meilleur n’est pas ce qu’ils recherchent, alors ce n’est pas un problème. Au moins, je sais que j’ai fait de mon mieux. Dans ce cas, il s’est avéré que c’était un clic.
Un moment de l’audition dont je me souviens très précisément est que [bassist] Roger Glover dirigeait les auditions. Il est venu vers moi et m’a dit: «Disons que nous sommes sur scène maintenant devant 20 000 personnes et que Ritchie vient de casser une corde et que rien ne se passe sur scène. Vous devez remplir l’espace. Va.”
Je viens de jouer. Je commence juste à jouer quelque chose sur le [Hammond] B3 et puis j’ai joué quelques riffs sur le Minimoog et j’ai sauté sur le clavinet. C’étaient les claviers de Ritchie qu’ils avaient là-bas. J’avais apporté mes affaires avec moi. Je n’avais qu’un Fender Rhodes, un orgue Farfisa et un synthé. J’étais étudiant. Je n’avais pas d’argent. Alors ils ont dit: «Jouez sur nos claviers. Jouez à cette configuration. »
J’avais appris beaucoup de ces claviers dans Theory, mais je ne les avais jamais vraiment joué. Mais en tout cas, j’ai juste joué un peu ici, et un peu là-bas. Je viens de jouer. Je n’y ai rien pensé.
Environ un an plus tard, Roger Glover m’a dit que parmi toutes les personnes à qui ils avaient demandé cela, j’étais le seul à avoir commencé à jouer. Il a dit que tout le monde avait une excuse comme : «Oh, ne vous inquiétez pas; Je serai prêt »ou« Je vais travailler quelque chose ». Tout le monde avait une histoire, mais j’étais le seul à avoir commencé à jouer.
Vous remplissez les chaussures de Don Airey, qui est un joueur assez incroyable.
Don est un grand joueur. Mais j’ai eu l’avantage en préparant l’audition de quatre claviéristes dans Rainbow avant moi. Je savais que ce que ces quatre joueurs avaient en commun sur le plan stylistique était ce que Ritchie aimait. J’ai en quelque sorte adapté mon jeu en conséquence, sachant ce qu’il cherchait, mais c’était un choix très naturel. Lui et moi avons tout de suite cliqué musicalement. Et je n’avais que 20 ans.
C’est une période intéressante pour Rainbow. C’était ce grand groupe des années 70, mais c’est soudainement l’ère de MTV et ils s’y sont vraiment adaptés.
Droite. Le groupe avait un son très différent avec Ronnie James Dio. Je pense que Joe Lynn Turner a apporté plus d’un style américain. Ronnie était américain aussi, mais c’était plutôt cette pop mélodique des années 80 qui est devenue très populaire lorsque nous avons sorti les singles «Stone Cold» et «Street of Dreams». C’était un son assez différent de celui du Rainbow précédent.
Vous souvenez-vous beaucoup de la création de «Stone Cold»?
Je fais. Je me souviens de tout ce dossier. Ce fut une expérience formidable pour moi. Me voici, 20 ans, et je suis en studio. Nous avons enregistré au Studio de Morin-Heights [Quebec]. C’était vraiment excitant. Je n’avais jamais fait d’album auparavant. Je savais ce que faisait une grande partie de l’équipement du studio depuis que je l’ai étudié, mais je n’ai jamais vraiment eu la chance d’être là tout au long du processus.
Ritchie a vu que j’étais fasciné par cela et que j’adorais apprendre. Il m’a laissé m’asseoir dans la salle de contrôle la plupart du temps, ce qu’il n’a jamais fait avec personne d’autre, et m’a laissé regarder. J’ai gardé la bouche fermée pendant qu’ils faisaient beaucoup de choses qui ne m’impliquaient pas, mais je me suis lié d’amitié avec l’ingénieur, Nick Blagona, et il m’a donné tous les manuels de tout l’équipement du studio.
Chaque soir, je revenais et lisais et apprenais d’eux. Ensuite, je retournerais à la maison où nous logions et je resterais éveillé tard pour lire des manuels. Le lendemain, je regarderais plus. Mis à part mes fonctions de clavier, ce fut une expérience d’apprentissage incroyable.
Sûr. La plupart des chansons sont sorties de jams. Ritchie proposait des riffs et nous nous contentions de jouer sur des trucs. Parfois, des trucs survivraient et d’autres ne seraient plus qu’une confiture et ne seraient plus jamais utilisés. Et puis, petit à petit, les choses évoluaient en chansons, et Joe Lynn Turner proposait des mélodies. Ceux que Ritchie aimait, Joe partait et écrivait des paroles.
Nous avons tous beaucoup contribué à l’arrangement. Mais ma contribution était peut-être plus substantielle là-bas, alors Ritchie m’a donné un crédit.
Comment avez-vous grandi en tant que claviériste pendant la tournée?
C’était ma première tournée. À ce stade, j’ai 21 ans. Le disque était sorti et c’était le début de MTV. La vidéo «Stone Cold» était jouée en permanence. C’était fou. J’étais si jeune. J’avais probablement 10 à 15 ans de moins que tout le monde dans le groupe. Honnêtement, je n’y ai tout simplement pas beaucoup réfléchi. J’ai juste roulé avec tout. «OK, maintenant on doit faire ça. Nous avons des répétitions pour la tournée. J’ai appris les chansons, je suis venu avec les parties et nous l’avons compris.
C’était énorme. Mes parents sont venus voir le groupe et tous mes amis. Il y avait ce prestige de jouer au Jardin. Les Scorpions se sont ouverts pour nous et, bien sûr, ils sont devenus beaucoup plus gros que nous ne l’étions dans Rainbow. Mais c’était vraiment très important.
À ce jour, je compte mes bénédictions sur le nombre de fois où j’ai pu jouer au Jardin. La plupart des gens ont la chance d’y jouer une fois.
Quand “Stone Cold” est devenu un hit, Rainbow aurait pu devenir un groupe de type étranger qui n’arrêtait pas de battre le Top 40 des tubes. Pensez-vous que c’est ce que voulait Ritchie?
C’était vraiment le groupe de Ritchie. Cela a toujours été et le sera toujours. Il l’a en quelque sorte dirigé pour aller là où il sentait qu’il voulait que ça aille et où il en était musicalement à l’époque. Et, bien sûr, l’écriture de Joe Lynn Turner a joué un rôle important dans l’élaboration des chansons dans le sens où elles se sont inscrites sur les albums dans lesquels j’ai participé.
Comment s’est passée l’expérience de l’enregistrement de Bent Out of Shape?
C’était aussi bien. A l’époque, j’avais déjà fait une tournée mondiale et j’avais un album à mon actif. Et je n’étais plus le nouveau. Tout ça n’était plus nouveau pour moi et maintenant je comprenais beaucoup plus qui était Ritchie et ce qu’il cherchait à accomplir musicalement. J’ai compris à quoi ressemblaient les fans du monde entier et les différences de public. J’y suis allé en ayant une compréhension plus profonde de ce qu’était le groupe.
Bien sûr, c’est à ce moment-là [future Billy Joel drummer] Chuck Burgi est venu. Il a fini par jouer sur ce disque. C’est la première fois que nous travaillons ensemble, en 1983.
C’est un moment étrange où Black Sabbath est présenté par Ian Gillan. Aviez-vous le sentiment que Rainbow allait se séparer, Ian allait quitter Black Sabbath et Deep Purple se reformerait?
Non, nous n’avions aucune idée de ce qui allait se passer. Je ne pense même pas que Ritchie savait que cela allait arriver à ce moment-là. Et donc nous avons fait l’album et “Street of Dreams” a été un très gros succès. Nous avons fait le tour du monde. Le dernier arrêt de cette tournée était à Tokyo et nous avons joué au Budokan pendant deux nuits avec un orchestre. J’ai fait toutes les orchestrations pour ça. Et nous savions tous que c’était la fin de la tournée, mais nous n’avions aucune idée qu’il y avait cette réunion Deep Purple en arrière-plan.
Nous savions qu’il allait y avoir une pause, mais un mois ou deux après, j’ai reçu un appel d’un manager disant que Deep Purple allait se reformer et que Rainbow était terminé.
Comment te sentais-tu?
Si ça avait continué, j’aurais fait un autre album et une autre tournée. Mais du même coup, je voulais voir ce qui allait suivre dans ma carrière. Et je ne pourrais certainement pas blâmer Ritchie de vouloir reconstituer Deep Purple. C’est l’un des groupes de rock les plus légendaires de tous les temps. Les retrouvailles étaient énormes. Je ne pouvais certainement pas lui reprocher de vouloir faire ça, donc j’étais d’accord avec ça et je me suis dit qu’il était temps de passer à ce qui était ensuite.
Comment vous êtes-vous retrouvé avec Little Steven et les Disciples of Soul l’année suivante?
L’année suivante, j’ai rencontré Little Steven. Il cherchait à faire une tournée pour son album Voice of America et montait un groupe. J’étais disponible et il m’a demandé de le faire et j’ai dit: “Bien sûr.”
Comment était l’expérience?
C’était bon. C’était une autre facette de l’entreprise. Nous jouions dans des salles plus petites. C’était de grands clubs et de petits théâtres, donc ça tournait à un autre niveau. J’ai pu voir un autre aspect de l’entreprise, mais ce fut une expérience mémorable. Dino Danelli [from the Young Rascals] était le batteur. Le groupe était bon. C’était ça. La tournée a duré six mois.
J’ai parlé à Steve il y a quelques années. Il a dit que la plus grosse erreur de sa vie avait été de quitter le E Street Band. Cela lui a coûté une fortune.
De plus, c’était le sommet du E Street Band. Mais il avait une vision et il voulait faire son truc. Bruce était vraiment cool avec ça. Et d’après ce que j’ai vu de mon point de vue, il a vraiment senti qu’il avait besoin de le faire. Il a fait ce voyage. La tournée s’est bien déroulée. Ce n’était pas une grande tournée, mais je pense qu’il y est retourné plus tard.
Vous étiez avec Cyndi Lauper l’année suivante. Cela a dû être une expérience très différente. Comment est-ce arrivé?
J’avais entendu dire qu’elle mettait sur pied un nouveau groupe. L’album True Colors était sur le point de sortir. Ils auditionnaient et allaient embaucher un tout nouveau groupe en même temps. Il y a eu un gros appel de bétail et ils ont auditionné.
C’était assez étrange. Je suis allé voir David Wolff, son manager à l’époque, et je me suis présenté. J’ai dit: “Comment allez-vous auditionner tout un groupe en même temps?” Il a dit: «Nous ne savons pas vraiment. Nous ne faisons que comprendre cela au fur et à mesure. Je suppose que nous allons faire monter un de chaque instrument là-haut et jouer. Et celui qu’elle aime restera. Nous continuerons simplement à changer les joueurs jusqu’à ce que nous trouvions tout le groupe. ”
C’était près de son apogée. Cela a dû être une tournée amusante.
Oui. Elle était énorme et j’ai commencé à faire des émissions de télévision. Nous avons fait Letterman plusieurs fois et Johnny Carson. Je n’avais jamais rien fait de tel de ma vie, donc c’était une expérience vraiment cool. Et le groupe était super. Rick Derringer était également dans le groupe.
Nous avons fait tout un tas de vidéos comme “Change of Heart” et un tas d’autres chansons qui étaient toutes de grands succès et sur MTV en permanence, donc j’avais beaucoup plus de vidéos à mon actif.
C’était ta première tournée pop. Je suis sûr que vous deviez jouer d’une manière très différente.
Totalement. Si je faisais ce que je faisais à Rainbow, je serais viré en un jour. C’était une approche complètement différente. Mais j’ai grandi sur la pop autant que j’ai grandi sur le rock, et ces différents styles de musique sont tous très confortables pour moi. J’ai juste écouté les disques très attentivement, étudié de quoi parlait sa musique, le rôle que jouent les claviers et j’ai fait ce que je pensais bien sonner pour ces chansons. Et ça a marché.
Oui. Je faisais tout ce qu’il y avait sur les disques. Ses disques sont très lourds au clavier, donc il y a beaucoup de parties de clavier. Une partie était vraiment délicate car je devais jouer plusieurs parties à la fois. Mais elle aimait ça. C’est l’une des raisons pour lesquelles cela a fonctionné. Je couvrais beaucoup de terrain en jouant tous ces rôles.
En tant que claviériste en général, j’écoute et je dis: «Il y a une partie de corne ici que je peux saisir. Voici quelques chaînes, “peu importe. Mais ses trucs étaient très lourds de synthé, donc il y avait beaucoup de parties à couvrir.
[Laughs] Will to Power était principalement un numéro de danse électronique. J’étais en Floride pour faire beaucoup de disques R&B avec un producteur nommé Lou Pace, décédé il y a environ cinq ou six ans. Il faisait tous tes disques R&B et m’a amené à faire la programmation des synthés. C’était toujours le même groupe de joueurs, mais nous avions toujours des chanteurs différents.
Nous avons fait un disque pour Donna Allen, un pour Stacy Lattisaw et tous ces autres chanteurs R&B de l’époque. Ce fut une expérience formidable et j’ai commencé à me faire connaître dans la région de Miami, d’où était originaire Will to Power.
Ils m’ont amené à faire de la programmation avec eux. À la fin de l’une des sessions – une session toute la nuit; il doit être littéralement 5 heures du matin ou 6 heures du matin après avoir passé toute la nuit – Bob Rosenberg, le leader du groupe, m’a dit: «Tu connais cette chanson‘ Baby, I Love Your Way ’?» J’ai dit: «Bien sûr, je le sais. J’avais l’habitude de le couvrir dans tous mes groupes de lycée. Il dit: “Connaissez-vous cette chanson” Freebird “?” Je vais, “Ouais, bien sûr.”
Il dit: “Les changements d’accord ne sont-ils pas similaires?” Je vais: «En fait, ils le sont. Ils sont dans la même clé. Il dit: «Que se passerait-il si nous mettions ces deux chansons ensemble?» J’ai pensé : «Je ne sais pas. Je pense que vous êtes peut-être un peu trop fatigué. Mais d’accord.”
Je commence à le jouer et je mets une partie de piano de base. Je viens de faire un croquis et j’ai fait quelques overdubs. À 10 heures du matin, nous tombons tous littéralement après avoir travaillé tout ce temps. Et puis je suis parti et je n’y ai plus pensé. Je pensais qu’il était juste en train de foutre dans le studio.
Avance rapide et je suis en tournée avec Robert Palmer. Un jour, je prends un panneau d’affichage et cette chanson est numéro un. [Laughs] J’ai failli tomber de ma chaise. J’étais comme, “Quoi? ! ”
Je ne savais même pas que cela allait figurer sur le disque. Je ne savais même pas qu’il l’avait terminé. Et la chanson est allée au numéro un. C’était vraiment, vraiment une histoire folle.
J’étais assez petit, donc c’était la première fois que j’entendais l’une ou l’autre de ces chansons. Je pensais que c’était une chanson entièrement originale. C’était déroutant plus tard d’entendre les originaux.
C’est «Freebird» sans guitare, ce qui semble n’avoir aucun sens.
Convenu. Cela a définitivement fonctionné d’une manière étrange. C’est une manière parfaite de le dire.
Il venait juste de commencer la tournée et le claviériste ne fonctionnait pas, alors j’ai été appelé pour venir et renflouer le gars. Il n’y a jamais eu de jours de congé pour cette tournée. À un moment donné, nous avons fait 56 concerts d’affilée dans 56 villes.
Wow.
Oui. C’était juste complètement fou. Et je devais apprendre les chansons très vite et juste prendre le relais. C’était la tournée «Simply Irresistible».
C’est un grand chanteur qui a été injustement réduit à deux ou trois tubes.
Il était vraiment, vraiment talentueux et un grand chanteur, un grand écrivain. Il savait tout ce qui se passait dans le groupe derrière lui même s’il ne jouait pas réellement d’un instrument. C’était vraiment un grand musicien. C’était vraiment triste qu’il soit décédé si jeune. Mais si la tournée que nous avons faite était une indication, il se peut qu’il ait travaillé lui-même à mort. [Laughs.]
Mais c’était son fait. Il ne voulait pas de jours de congé, jamais.
C’est fou. La plupart des chanteurs exigent le contraire. Ils veulent reposer leur voix.
Je connais. Sa philosophie était, pensa-t-il, que s’il prenait un jour de congé, il perdrait la voix.
C’est le contraire.
Exactement. C’est le contraire de toute pensée intuitive et le contraire de tous les autres chanteurs de la planète. Mais c’est ce qu’il voulait faire, c’est donc ce que nous avons fait.
C’était mon deuxième concert et j’étais vraiment petit. Mon principal souvenir est que les femmes hurlent.
Wow. [Laughs] Les gens ont adoré ses chansons. Mais quand je pense aux femmes qui crient, ou aux jeunes filles qui hurlent, cela m’amène directement à ma période Enrique Iglesias où les filles criaient littéralement plus fort que nous ne pouvions nous entendre jouer.
Le Robert Palmer était un peu une tournée cool, mais honnêtement, tout est flou. Tout ce que nous avons fait a été de jouer un concert puis de monter dans le bus. Il écoutait également l’émission tous les soirs dans le bus. On s’endormait, on rentrait dans un hôtel, on s’enregistrait, on se rendormait encore quelques heures à l’hôtel, on allait faire un soundcheck – il en faisait un tous les jours – et puis on faisait un spectacle et puis de retour dans le bus, écoutez à nouveau le spectacle. Nous ne ferions que répéter encore et encore. Nous n’étions tous que des zombies après quelques semaines.
Comment trouver du temps pour toute sorte de vie personnelle si vous êtes toujours sur la route comme ça?
Et puis en 1991, vous étiez de retour avec Cyndi Lauper.
Ce n’était qu’une brève chose qu’elle a faite au Japon dans le cadre de la série de concerts des American Music Awards. Nous avons fait quelques spectacles ici aux États-Unis comme échauffement, puis nous sommes allés là-bas et l’avons fait. C’était beaucoup des mêmes joueurs, donc c’était amusant de revenir en arrière et de recommencer.
Étiez-vous un grand fan de Billy Joel dans votre jeunesse?
Eh bien, je n’avais jamais vu un de ses concerts avant d’être dans son groupe. Évidemment, je connaissais tous les succès de la radio. Mais je ne dirais pas que j’étais un fan qui est allé à des dizaines de spectacles ou quelque chose du genre. Mais chaque fois que des chansons passaient à la radio, je les appréciais toujours.
Comment le travail de la tournée River of Dreams vous est-il venu?
À ce stade, après avoir fait beaucoup d’autres choses, mon nom apparaît dans ces types de cercles lorsque les gens recherchent un claviériste. J’ai été invité à une audition à huis clos. C’était juste moi et un autre gars, et je l’ai battu.
Il est le pianiste et il joue beaucoup de parties de clavier sur ses disques. Mais à peu près il joue du piano pendant les spectacles, et je joue de l’orgue et des synthés, des lignes de cor et des lignes de cordes et beaucoup d’effets sonores et tout ce qui se passe autour de lui. Et parfois, nous jouons deux pianos. Et parfois, je joue une partie de piano alors qu’il ne fait que chanter.
Je porte beaucoup de chapeaux différents et cela change en fonction des chansons que nous faisons. Et le rôle des claviers dans son groupe a changé au fil des ans, donc mon travail est de donner vie à beaucoup de styles de musique différents au fur et à mesure que les choses évoluaient tout au long de sa carrière.
Droite. Une chanson comme “Pressure” nécessite quelque chose de très différent de “Captain Jack”.
Totalement. C’est une approche totalement différente des sons et de ce qui doit être fait. Mon rôle est vraiment de soutien. De toute évidence, il s’agit de le soutenir en tant que chanteur et pianiste et de faire tout ce dont chaque chanson a besoin.
C’était la tournée River of Dreams. Le disque a très bien fonctionné immédiatement dès sa sortie de la boîte, donc la tournée a commencé assez bien. Nous avons fait un spectacle d’échauffement à Portland, dans le Maine, puis je pense que le deuxième spectacle était Boston Garden. Tout était déjà sur 10.
Ce fut une expérience assez incroyable dès le départ. J’ai fait beaucoup de spectacles d’arène avec différents types d’artistes, mais il y a une énergie magique dans la foule de Billy. Je n’avais jamais vu les visages des gens s’éclairer comme ils s’éclairent quand ils entendent sa musique. C’est vraiment une chose spéciale et très magique. L’énergie de ses foules et la façon dont les gens réagissent lorsqu’ils entendent ses chansons sont vraiment incroyables.
[Laughs] J’avais mon casque rock des années 80. Je venais de faire un album avec mon propre groupe, Red Dawn, dans lequel était également Chuck Burgi. Mes cheveux étaient encore très longs à partir de ça. C’était assez différent du look des autres membres du groupe. Je l’ai finalement ramené en queue de cheval, puis j’ai tout piraté. J’en avais fini.
Comment s’est passée la tournée Elton John de 1995 où tu fais des stades?
C’était juste une expérience incroyable. Billy et Elton sont tous deux des géants de la radio. C’était trois, quatre heures de coups constants, l’un après l’autre. Le spectacle était tous intégrés ensemble. Nous jouerions l’une des chansons d’Elton dans notre set. Elton a joué l’une des chansons de Billy dans son set. Tout le spectacle a commencé avec seulement Billy et Elton eux-mêmes, faisant des allers-retours avec une de chacune de leurs chansons. Et puis Elton a fait son set, il y a eu un entracte, puis nous avons fait notre set avec Billy. Et puis les deux groupes ont joué ensemble à la fin pour simplement mettre le feu à l’endroit. C’était juste une expérience incroyable.
As-tu grandi près du groupe d’Elton? Avez-vous connu son claviériste, Guy Babylon?
Je connaissais assez bien Guy. Je l’avais rencontré, mais je ne le connaissais pas bien avant. Nous sommes devenus de très bons amis. Les deux groupes s’entendaient vraiment très bien, ainsi que les équipages. Tout cela est devenu une grande famille, ce qui est une extension de la façon dont les choses se passent dans l’organisation de Billy avec Billy à la barre. Tout cela ressemble à une grande famille élargie. Nous sommes tous très proches.
J’ai interviewé Crystal Taliefero, Mark Rivera et Mike DelGuidice. Ils disent tous que Billy est le meilleur patron qu’ils aient jamais eu.
Il l’est vraiment. Il est très généreux. Il a pris soin de nous tous pendant la pandémie, ce qui a vraiment, vraiment été phénoménal. I don’t know any other artist that’s doing anything like that or even remotely close. We’re all very grateful to him. He’s just the best work for.
He takes a break in 1997 and you go out with Enrique Iglesias. Tell me about that.
Enrique was a big Billy fan and wanted as many people from Billy’s band as he could get. It was me and Crystal and Tommy [Byrnes]. Chuck Burgi was on that tour, but he wasn’t in Billy’s band yet. That was a great band. It was really interesting. It was the beginning of Enrique’s career. That was his first tour. He was still singing in Spanish. It was quite an experience. It was 95 percent screaming girls and five percent complaining boyfriends.
It’s surprising that he wanted Billy’s band. It’s such a different kind of music.
Oui. But we played his stuff great. It was fun and a very, very different experience than anything I had done, but it was very cool.
In the late Nineties, I saw Billy do a lot of interviews where he said he was going to stop touring. Did you worry it was ending then?
He kept saying it at that time. We were joking that it was the “annual retirement tour” in those days, but he kept on coming back and we kept doing it. Audiences kept on loving it. It just kept going. The pace slowed down tremendously, but we kept going.
How was that New Year’s Eve show in 2000?
That was really magical. Again, there we were at the Garden. And there was all the hoopla about Y2K and nobody knew what was going to happen at midnight. It turned out to be nothing. But there was a big build-up to that and it was really an incredible show. We were all in a fortunate position to have turned the millennium, but to do it onstage with Billy and his fans there. It was really a memorable night.
Did you worry that at midnight the power would go out and “Miami 2017” would start happening for real?
You program synths for other tours, like some E Street Band ones. Can you talk about that?
Synth programming has always been a big part of what I do. I’d always develop my own sounds and come up with whatever I needed for my own parts. But more and more, people were starting to ask me for help with their stuff.
One thing led to another and I wound up doing some programming for the Rising tour. I had done some other programming in the Nineties for some other bands like Dream Theater. But then I got asked to come aboard for the Rising tour and do some synth programming, and then later on the Wrecking Ball tour.
Both of his keyboard players, Roy Bittan and Charlie Giordano, had been using gear they’d been hauling around for 20, 30 years. They needed to modernize, so I was brought in to re-design both of their keyboard rigs. I did it from the ground up and set them up with computers and redundancy and everything. I helped them get their sound. It was a fun experience.
Did you go to band rehearsals?
Oh oui. I was there for all the rehearsals. It’s funny. Roy said to me, “Are you OK being down there and not up here playing?” I said, “I am more than OK. I’m totally fine. I get to do big shows all the time with Billy.”
I understand how a guy like Roy thinks. I understand what it’s like to be in his position up there being the guy playing. I know his thoughts and I know what he’s going to look for in terms of relying on his sounds and having a keyboard rig that’s reliable night after night. It’s the same with Charlie. And so I designed the system so it would be something that I’d be comfortable using. But I was just setting it up for someone else.
I was there all through the rehearsals and then the first couple of weeks of the tour to make sure everything was fine and working, and then they were on their way.
During the rehearsals, what exactly are you doing?
I was making sure that everything was working, and I was helping them get the sounds for the new record, which was all new stuff. When rehearsals ended, since we were porting everything into computers and sort of bringing it into the 21st century, a lot of my job was taking their old sounds and converting them so they could be played back using MainStage on the computer, which is a software host for synthesizers and things like that. And I made it all computer-based.
Bruce is very, very particular about the sounds he wants. He wants it to be absolutely, exactly what it was, so I had to completely replicate it so that when I switched over from the old analog stuff to the computer world that there was no perceivable difference in the sound.
In fact, the date I actually switched from the old system to the new system, even Roy didn’t notice. He was like, “Wow, I was playing the new system today?” I was like, “Yeah, you were.”
You did something similar for a Lady Gaga tour?
Oui. I did some programming for her and her keyboard player. I’ve done a lot of consulting with a lot of different keyboardists and helped them put systems together for tours.
It’s sort of an art form and I guess not many people know how to set up rigs for these giant arena tours.
Oui. And they have to be bulletproof. I always set things up with redundancy and how to switch things quickly to a backup. Computers are much more stable now than they used to be, but they are still computers and they can crash.
Besides the Paul McCartney moment, tell me your favorite memory from the Last Play at Shea.
Well, that was probably one of them. But there were so many, all the different artists that we had up as guests. C’était incroyable. A lot of them were artists that I grew up listening to, and there they were up there playing with Billy. We were the band. It was too many pinch-yourself moments to mention them all.
And, of course, Shea Stadium is a place where I used to go see baseball games as a kid. There was an iconic presence at the venue because the Beatles, of course, opened it. And Billy was closing it. It was magical.
What are your favorite Billy songs to play live?
That’s tough. [Laughs] I’d say that “Italian Restaurant” is probably one of the big ones. It goes through so many different changes musically and the crowd sings along and it’s exciting and it climaxes at the end of the “Brenda and Eddie” section and comes back.
It’s just a journey, that song, and really encapsulates what life is like for so many of Billy’s fans growing up. I think everybody really connects to it. I think there’s a lot of Brendas and Eddies out there in the audience. And so that one is really fun to play.
Did you play at the Obama fundraiser show in 2008 when Bruce and Billy played with their bands mashed up?
Oui. It was about a month before Obama was elected for his first term. That was a pretty amazing experience. And to play some of Bruce’s songs with him and see Billy and Bruce sing together … It was really a magical night. And although we didn’t know it at the time, a telegraphed moment for what would come later when we did the 100th show at the Garden and Bruce came up to play.
Billy toured for a bit after Last Play at Shea, but then he got hip-replacement surgery and sort of vanished. Did you think he was done?
He said he was done, but in my heart I aways believed that he wasn’t. Of course, it was nothing more than a hunch and a hope, but I believed that he’d come back and want to come back and would miss it after a while. Sure enough, that turned out to be true.
Tell me about 12/12/12. From my vantage point, you guys were better than the Who, the Rolling Stones, Roger Waters, and even Bruce.
It was just one of those nights where the stars aligned. Everyone was at their best. Billy was on fire. He just lit the crowd up, plus we hadn’t played in several years and were like animals just let out of a cage. The adrenaline from all of us, and from Billy, of course, we feed off his energy. … The energy level we reached was so amazing.
But I thought there were a lot of bands that were amazing that night. I know a lot of people over time have singled out that performance as something magical, which I thought it was, but I thought there was a lot of amazing things that night.
That was the beginning of Billy going, “Wait a minute, maybe I’ve still got some more gas in the tank.”
What amazes me is that his body obviously ages, but his voice somehow stays basically the same.
Oui. His voice is just amazing, and keeps getting better. He’s been singing amazingly well and his tone is richer than it’s ever been. He’s always been an amazing singer, but he’s even gotten better with age.
Learning about the MSG residency must have been shocking.
Oui. It seemed surreal when we started it, but nobody thought it would go longer than a year, maybe two. We had no idea it would go seven years and counting when we were interrupted by the pandemic. He did say that he’d do it until demand wasn’t there anymore, and that day just hasn’t come yet.
The touring has gone bigger. You fill baseball stadiums in markets now where you used to do arenas. It’s somehow growing.
That’s right. We’re at a much slower pace. We only do two or three shows a month. It’s a pace that’s really working for Billy and keeping his voice fresh, hitting the stage fresh every time. By the time it’s time to do a show again, we’re all dying to get back up there and adrenaline goes into overdrive and we hit the stage with all this pent-up energy coming out. It’s a lot of fun.
I have to add that it’s a really unique group of musicians that can hit the stage literally cold. We do a soundcheck and then we go. We don’t rehearse. The group of musicians is really off the charts. There’s so much talent. And it starts with Billy and trickles down from there.
How is the set list made?
Steve Cohen, the lightning designer and production designer, usually submits the first draft of what he thinks might work. And then Billy takes a look at it in soundcheck. Sometimes we put our two cents in. Sometimes he says, “I’m not in the mood to do this song.”
If he’s not feeling a song on a certain day, he won’t do it. I think that’s really cool because the songs he does do, he’s feeling them that night, and it makes a big difference. Fortunately, his catalog is big enough that he can afford to throw away a bunch of big hits and still have tons more than he can lean into.
And so Billy will edit it and it gets whittled down to what eventually becomes the set list, but even then when we hit the stage, anything can happen. There’s always a lot of spontaneity in the show and that’s what makes it so fun.
Do you ever talk about doing The Stranger straight through, or something like that?
That was talked about in the early days of this run, but we ended up not going that route. There were some shows where we focused more on one album or another, but it works best to touch on all the records so that everybody can hear the songs they love. We also go deep with the album cuts. It’s not all hits that we do. I don’t think any two shows ever had the same set list.
” or something — that you hope to play one day?
That one we haven’t done yet, but we’ve hit some really rare gems and we’ve even done stuff with Billy at the Garden that he never did back when they were current. It’s a lot of fun to work those up. Sometimes they live for a show or two, and sometimes more, and everyone once in a while we uncover a gem that we let slip through the cracks for a while and it becomes a mainstay of the set for a while. It’s a very organic thing and it keeps on changing.
And, of course, Billy is always playing different cover songs and throwing stuff in there. We’re always doing things that are not planned. When I say “spontaneous,” it’s the true definition of the word. It’s really spontaneous. We just kind of go for it. I think the crowd really picks up on the fact that we’re really up there and we’re really playing. Sometimes we make mistakes, but that’s part of the energy of just going for it as a band. It’s a whole lot of fun.
It’s always fun to hear “Blonde Over Blue” or “Running on Ice” and songs I never thought I’d hear live.
Oui. I never thought we’d play them live, but there we were doing it. I think it’s really good for people that come to a lot of shows. Every once in a while, they’re going to get a special gem that they never thought they’d hear.
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my little mans did so good
♬ Zanzibar – Billy Joel
In the past few weeks alone, “Zanzibar” became a TikTok dance craze, The Boys on Amazon Prime used a ton of Billy Joel songs, and the new Olivia Rodrigo song “Deja Vu” has a whole verse about listening to “Uptown Girl.” It seems like teenagers are suddenly embracing Billy, seemingly out of nowhere.
It’s true. When “Zanzibar” became a TikTok sensation, everyone felt like they were discovering the song. But the song has been there a long time. It’s a great song, but it’s fascinating to watch a whole new generation of people discover it.
His touring gave you a lot of downtime. What filled out the rest of your time in recent years?
I’m always doing something. One of my fun side projects that I’ve been doing is correcting all of Billy’s sheet music, which has been horribly wrong for years. “Piano Man” was missing measures and there were wrong notes and parts of songs that weren’t even there. The average person would buy his sheet music and try to play it and go, “That doesn’t sound right, but I guess I suck.” Well, no, actually the music is wrong.
Enough of those stories got back to Billy and he asked me to go through the whole catalog and take my time with it, but to make sure everything he’s ever written is accurate in print. I’ve done eight albums already and I’m working my way through the whole catalog. That turned out to be a good project to do during the pandemic because it’s a project I do by myself anyway.
Do you know every single note now from every album?
Je fais. I don’t have them all memorized. But I’ve been documenting it all. Even before that project, I’m obviously very familiar with all the intricacies of everything that he’s done. It’s part of my job as musical director. But it’s been a very cool project.
Aside from that, I do a lot of recording projects here at my studio. I did a progressive-rock album with a band called Happy the Man, which was really cool. That was a band that was one of my favorite bands of all time. I used to listen to them all the time when I was at Berklee. I was very influenced by them. Kit Watkins was a big influence on me as a keyboard player. I transcribed a lot of his stuff.
And when the band wanted to do a reunion album, and Kit didn’t want to do it, I was like, “I’ll do it ! I would love to play with you guys.” And so I wound up making a record with one of my favorite bands. That was really cool.
Are you in regular contact with Billy still?
Oui. We keep in touch. It’s sometimes on the phone and a lot through email. He’s doing good and he’s anxious to come back, as we all are, when it’s safe to do so. With these big concerts we have, it’s tough. We have six stadium shows that are completely sold out that we’re waiting to do and six Garden shows that were completely sold out that we’re waiting to do.
These shows were sold before the pandemic and there’s no social distancing, so we have to wait until we can do them as normal shows, which we all hope will be sometime this year.
The dream of so many musicians is a steady gig, and it’s so rare. You have one of the few.
Oui. We really do. I never take that for granted. I always try to be cognitive of the fact that you never know when all of this is going to end. I think this pandemic was a reminder of how fragile anything can be at any point in time. I think that’s why we’re going to all appreciate it so much when it comes back, and not just us as performers, but the crowd and, of course, the crew and everyone from top to bottom.
How do you think you’ll feel at the first show back at MSG when the lights go out and the theme to The Natural starts playing?
I think the energy is going to be off the charts, not only from the band and Billy, because we’re going to be so excited to be back, but I think the crowd is just going to be so euphoric to be at a big concert again and return to the good old days when we were able to do that all the time without thinking about it. And I think everybody is going to appreciate it that much more.
There’s always a special moment in the show when the whole crowd sings along with “Piano Man.” I always get chills from that. But when they get to the line, “He knows that it’s me they’ve been coming to see to forget about life for a while,” the crowd just erupts. I’m getting chills now just telling you about this, just thinking about that.
That’s what Billy’s concerts are all about. Everyone there just forgets about life for a while and has a good time. We’re all so looking forward to coming back and doing that again.