Cette année nous a déjà donné une série d’excellentes sorties, y compris les débuts révolutionnaires d’Olivia Rodrigo, Arlo Parks et Girl In Red, le R&B révélateur de Jazmine Sullivan et Dawn Richard, l’indie-rock passionnant de Julien Baker et Dry Cleaning, et d’excellents nouveaux travaux de stars fiables comme Eric Church, les Foo Fighters et Lana Del Rey.



Olivia Rodrigo, Aigre

Alors que la plupart des artistes construisent leur album de rupture, posant soigneusement les bases de leur future dévastation, Rodrigo est déjà passé à son Tunnel of Love (hum, il y a même une chanson intitulée « 1 Step Forward, 3 Steps Back »). Dans la même veine que « Permis de conduire », les ballades ici abordent le chagrin avec grâce – même lorsqu’elle se sépare d’un ex, elle résiste à l’envie de démolir leur nouveau partenaire. « Mais elle est belle/elle est gentille », admet-elle dans « Happier », l’un des moments forts du disque. « Elle vous donne probablement des papillons. » Tout comme « Deja Vu » et « Good 4 U » ont prouvé que Rodrigo allait être bien plus qu’un phénomène unique avec un succès viral sur le chagrin d’amour, Sour confirme que ce n’est que le début de son histoire, où elle surfe de manière experte sur la vague de turbulences adolescentes et de chaos émotionnel sur la route qu’elle choisit. Mon Dieu, c’est brutal ici. UN M.

La star norvégienne de la pop chambre à coucher Marie Ulven parle profondément de la solitude, de l’anxiété, de la luxure, de la rage, de la jalousie et de toutes les autres angoisses de cette petite chose folle appelée amour. En tant que Girl on Red, elle s’est constituée une clientèle fidèle depuis son « Je veux être ta petite amie » en 2018, jusqu’à ses débuts tant attendus Si je pouvais le faire disparaître. Ulven a résumé ces chansons dans Rolling Stone comme « beaucoup de bruit mental », de « Serotonin » (produit par Finneas) au malaise de « Midnight Love ». Mais elle a un excellent moyen d’aller droit au but: « Salope stupide, ne vois-tu pas / Le parfait pour toi, c’est moi. » R.S.



Bien que le projet global de Del Rey soit resté remarquablement cohérent tout au long de sa carrière, sa désillusion croissante face à la célébrité et à l’iconographie dominante de la richesse et du succès de ce pays a pris de l’ampleur à mesure que l’ambiance nationale devenait de plus en plus désastreuse. Ses observations sont maintenant sombres, sa mélancolie placée sur un fond plus substantiel. Les enfants dansent le Louisiana two-step dans un bar oublié ; une rupture prolongée atteint sa fin amère; les gens se défoncent et s’embrassent dans un parking pendant que « le monde entier est fou ». C’est un sentiment incroyablement sombre mais étrangement réconfortant à la fois – l’idée que ses drames personnels, les hauts et les bas de la vie « normale », continueront même si le reste du monde va à la merde. C.S.

Meilleurs albums de 2021 à ce jour

L’artiste R&B Dawn Richard a parcouru un chemin sinueux tout au long de sa carrière de près de 20 ans. Aujourd’hui, elle se retrouve sur le label de rock indépendant de Caroline du Nord Merge avec son sixième LP, Second Line. C’est peut-être un endroit inattendu pour elle, mais le disque ressemble à l’aboutissement de toute son expérience, immergé dans un album qui rassemble des décennies de musique et d’héritage dans un tout organique passionnant. la décision de Richard d’ancrer une grande partie de Second Line dans la house et d’autres formes de musique de club électronique a une énergie poignante qui lui est propre. Tout comme les premiers pionniers de la house de Chicago ont créé un sens futuriste de l’identité musicale et sexuelle, il y a ici le sentiment de suivre n’importe quelle impulsion que vous voulez, peu importe où cela vous mène. J.D.

Serpent aux pieds, diacre

Josiah Wise échange sa passion pour l’engagement sur Diacre, son dernier album en tant que Serpentwithfeet. Depuis ses débuts Ampoules EP, l’artiste expérimental formé à la chorale de Baltimore a tissé un vaste catalogue illustrant la tendresse et la luxuriance de la romance queer, avec une palette sonore baroque qui conviendrait aussi bien à une chambre qu’à un tabernacle. Diacre fonctionne dans un registre plus léger, avec des rythmes à quatre au sol et des crochets pop, bien qu’il serait fallacieux d’appeler cela un disque de fête – Diacre est moins « clubby » et ressemble plus à une danse dans votre salon avec un verre de vin après le dîner. C.S.

Sur deux albums solo remarquables, et en tant que membre du supergroupe indépendant Boygenius, avec Phoebe Bridgers et Lucy Dacus, elle s’est imposée comme l’une des principales auteures-compositrices-interprètes de sa génération, à la fois pour la grandeur sourde de sa musique et les paroles qui semblent plonger tête baissée dans le chaos émotionnel. En 2019, Baker a pris une pause dans la musique pour terminer son diplôme de premier cycle. Mais elle est devenue une artiste beaucoup plus compétente. Après avoir réalisé ses précédents albums principalement à la guitare et au piano, Baker a enregistré son dernier, qu’elle a également produit, avec un groupe complet, créant un son puissant, métallique et mémorable, beaucoup plus pop que tout ce qu’elle a fait. La musique expansive ne fait rien pour diluer sa franchise lyrique. UN M

Swift commence l’entreprise massive de refaire son catalogue avec Fearless, l’album qui l’a établie comme une star du crossover. Contrairement à la plupart des réenregistrements, cette fois, les nouvelles versions sonnent en quelque sorte moins lisses que l’original. Sa voix semble plus basse dans le mix cette fois-ci, mais pour la plupart, elle est allée très loin pour imiter les textures et les paysages sonores raffinés de Nashville du premier Fearless ; elle a ramené plusieurs musiciens de session de l’album et a même recruté Colbie Caillat (une influence principale sur la version 2008 de Fearless) pour refaire ses choeurs sur « Breathe ». Swift a clairement étudié ses intonations vocales sur Fearless, jusqu’aux rires et hoquets maladroitement recréés parsemés tout au long de « Hey Stephen ». Mais sa voix trentenaire est plus riche, plus grave et plus sûre d’elle. Elle incarne ses affectations country antérieures, mais seulement jusqu’à un certain point  : elle n’essaie plus de faire rimer  » retour  » avec  » rire  » sur la coupe profonde  » Come in With the Rain « . J.B.

L’auteure-compositrice-interprète canadienne Tamara Lindeman régale Ignorance comme un record de rupture avec sa propre planète mourante, aux prises avec ce qu’elle décrit, à un moment donné, comme « l’idée fragile que tout compte ». Parfois, cela signifie se délecter de la beauté naturelle face à la destruction (« Atlantique »), parfois cela signifie la cupidité et la perte de l’innocence (« Robber »), et parfois cela signifie simplement le chagrin. À mi-chemin de « Loss », une chanson sur ce qui se passe lorsque l’optimisme comme tactique de survie ne suffit plus, Lindeman jalonne le territoire émotionnel de l’album dans un moment qui rappelle l’épiphanie « l’amour qui aime aimer » de Van Morrison de « Madame George » : « La perte est la perte est la perte est la perte est la perte », chante-t-elle, chaque mot son propre enterrement, « la perte est la perte est la perte est la perte est la perte est la perte est la perte est la perte.B.

La gamme vocale étonnante de Sullivan est bien documentée. Elle était candidate à Spectacle à l’Apollo à 11 ans, chantant mieux que la plupart des adultes. Et elle est particulièrement douée pour moduler sa voix. En tant qu’auteur-compositeur, Sullivan est connu pour affronter des émotions épineuses avec une compassion ouverte. Contes de Heaux trouve la chanteuse la plus adroite. Qu’il a fallu cinq ans pour Contes de Heaux se concrétiser, c’est bien. Bien que bref, avec une durée d’un peu plus de 30 minutes, l’EP montre Sullivan en train de créer une constellation complète d’amour et de perte. J.I.

Le 10e album des Foos est optimiste même par leurs standards particulièrement bien ajustés, revenant à leur son rock alternatif des années 90 moins tous les gadgets, détours ou manigances. Bien que Grohl ait passé une grande partie de sa carrière post-Nirvana à imiter ses idoles rock des années 70 à la radio FM, Médecine à minuit met en évidence une séquence pop à laquelle il n’a fait allusion qu’avant. Comme pour leur dernier album, 2017’s Béton et Or, Foo Fighters a fait équipe avec le producteur d’Adele et Kelly Clarkson, Greg Kurstin, qui les a aidés à affiner leur sensibilité mélodieuse. Sur la chanson titre, ils mélangent des boucles disco funky et de la guitare acoustique sans perdre leur tranchant, et la ballade sereine « Chasing Birds » a une mélodie qui s’attarde bien après son accord final. KG.

Le premier album complet du groupe londonien original Dry Cleaning est déjà un concurrent sérieux pour l’un des débuts les plus cool de l’année. Dry Cleaning est un excellent groupe de guitare avec une chanteuse principale qui parle avec soin de ses paroles acerbes, souvent très drôles, créant un son à la fois intime et menaçant, comme une autopsie marmonnée de nos désirs communs, de nos terreurs et de notre malaise quotidien. Les paroles de Shaw sont obliques mais conversationnelles; « Scratchcard Lanyard » ressemble à une critique bouillonnante de l’intérieur des attentes sociales et de genre de la classe moyenne, dépassant des lignes évocatrices telles que : « Je suis venu ici pour fabriquer des chaussures en céramique et je suis venu pour briser ce que vous avez fait,  » avant d’atterrir sur l’aphorisme tueur,  » Faites tout/Ne ressentez rien « , JD

Annie Clark a encadré son nouvel album frénétique et résolument rétro La maison de papa comme une sorte de calcul. Son père est rentré de prison, où il a purgé 12 ans pour son implication dans un stratagème de manipulation d’actions de plusieurs millions de dollars ; dans l’intervalle, Clark a radicalement transformé son personnage musical de St. Vincent, évoluant d’une petite artiste indépendante avec un culte à un autoproclamé  » chef de culte du futur proche  » au sein de la musique pop. Alors que son dernier album Masséduction a scruté sa nouvelle renommée à travers un miroir funhouse électro-pop, La maison de papa regarde en arrière, examinant la relation de Clark avec son père – et sa propre découverte de soi avec « devenir papa », comme elle le dit – à travers les styles funky de Sly Stone, Pink Floyd et d’autres artistes du milieu des années 70. C.S.

La star colombienne a travaillé avec des artistes jamaïcains pour créer un LP organique qui ne ressemble jamais à du tourisme musical. Bien que le légendaire producteur de dancehall de l’île, Bobby Digital, soit responsable du dembow riddim qui est venu définir le reggaetón, le dernier de Maluma représente moins un retour aux sources qu’un pèlerinage. Ce qui garde #7DJ de rétrograder à des éphémères fantaisistes, c’est à quel point il conserve son identité de signature Pretty Boy / Dirty Boy tout au long. En ne se perdant jamais dans le moment pour servir un trope irie, il préserve ce qui l’aime pour ses fans. G.S.

Les véritables débuts du rappeur-producteur extrêmement inventif après 30 ans de production de disques sous divers alias et apparences, se sont concrétisés grâce au musicien électronique Four Tet, dont l’amitié de longue date avec Madlib découle d’un respect partagé pour l’exploration sonore. Le produit de plusieurs années et de centaines d’enregistrements et de fragments fournis par Madlib, Ancêtres sonores est dense mais jamais écrasant. Les connexions se mélangent parfaitement grâce à la main ferme de Four Tet et à l’étrange capacité de Madlib à jongler habilement avec les idées. Madlib déploie des échantillons jusqu’à la quasi-sublimation, vous laissant l’extase de la découverte. J.I.

Sleater-Kinney, Chemin du bien-être

Sleater-Kinney est de retour à ses anciens tricks, ce qui signifie essayer de nouveaux tricks. Les punks du nord-ouest du Pacifique ont saisi l’imagination du monde avec la bombe anti-émeute-grrrl de 1996 Appelle le docteur, mais depuis, ils refusent de se répéter. Tout dans leur nouvel album sort de leur zone, à commencer par le titre : Chemin du bien-être. C’est le premier album qu’ils ont fait en duo – le groupe est composé de Carrie Brownstein et Corin Tucker, après une séparation douloureuse et publique avec la batteuse de longue date Janet Weiss. Au Chemin du bien-être, Sleater-Kinney sonnent comme si Tucker et Brownstein pensaient qu’il n’y avait aucun moyen de revenir à la normale, alors ils pourraient aussi devenir aussi bizarres que possible. R.S.

Cette auteure-compositrice-interprète londonienne de 20 ans est en train de faire parler d’elle au Royaume-Uni, et il ne fait aucun doute que la puissance de sa musique est également influencée par Elliott Smith et Frank Ocean. Arlo Parks chante subtilement et ressent profondément son premier album, Collapsed Into Sunbeams, qui tire son titre d’une réplique d’un roman de Zadie Smith, racontant des histoires de malaise émotionnel de la génération Z sur des morceaux qui se situent entre R&B, indie pop et folk. Le point culminant est « Caroline », une évocation délicate de regarder un couple se battre dans la rue qui pénètre la douleur des autres avec la beauté littéraire empathique du classique Ray Davies. J.D.

Révélation n’est pas le premier essai du chanteur américano-mexicain pour enregistrer de la musique en espagnol. Il y a dix ans, elle a sorti des versions espagnoles de ses tubes « A Year Without Rain » et « Who Says ». Elle a également enregistré un duo posthume avec son homonyme. Gomez est devenue une force de la musique latine en 2018 grâce à son long métrage sur le succès mondial de DJ Snake « Taki Taki » avec Cardi B et Ozuna. Bien qu’il n’y ait rien d’aussi explosif que « Taki Taki » sur Révélation, Gomez trouve son rythme parmi les rythmes du reggaetón grâce à l’un des innovateurs du genre, le producteur portoricain Marco  » Tainy  » Masís. Du côté latin, il a travaillé avec des poids lourds comme Daddy Yankee, Bad Bunny et J Balvin, et du côté pop avec Dua Lipa et Justin Bieber. Gomez est à l’intersection parfaite des deux voies et Tainy fusionne magistralement les deux. L.V.

L’auteur-compositeur-interprète Stevie Knipe fait de la musique depuis près d’une décennie, depuis qu’ils étaient étudiants dans le nord de l’État de New York et enregistraient dans un dortoir. Mais Knipe (qui utilise eux/leurs pronoms) a vraiment fait un bond en avant en termes de sons et de songcraft avec l’excellent Conducteur. Alors que les précédents albums d’Adult Mom avaient une sensation d’enregistrement de chambre à coucher, Conducteur est plus un album de groupe, avec une production brillante et des chansons qui tracent avec soin et de manière vivante un récit de voyage du début des années vingt plein de crises, de souvenirs, d’espoir et du genre de moments intenses qui semblent presque débilitants à cet âge – même si vous commencez juste à devenir assez sage pour savoir qu’ils sont éphémères. J.D.

Église Éric, Coeur âme

Le dernier projet de Church est son plus ambitieux  : un triple album de 24 titres sorti en une semaine en trois segments. Heart, &, and Soul affine davantage la narration mélodique et à mi-tempo dans laquelle Church excelle, offrant un résumé émouvant de ce qu’il a bien fait tout au long de ses 15 ans de carrière. Vous obtenez des déclarations impétueuses qui rappellent ses débuts irrévérencieux (« Stick That in Your Country Song »), ainsi que du rock-and-soul maximaliste comme le Elton John-meets-Meat Loaf « Heart of the Night » et le rock roots de « Hell of a View ». Chacun de ces albums a une prémisse vague (beaucoup de morceaux de « coeur » sur Heart, beaucoup de funk rock à tendance R&B sur Soul) ; pris ensemble, Heart & Soul est une sorte de disque conceptuel, sur le pouvoir éternel de la musique – la musique qu’il fait et la musique qu’il aime, qui couvre toute la gamme des Doors et Bobbie Gentry (« Rock and Roll Found Me ») à Elvis et Guns N’ Roses ( » Cœur en feu « ). J.B.

Le sixième album du groupe de rap mutable de 13 membres Roadrunner : nouvelle lumière, nouvelle machine parvient à être l’écoute facile qui Gingembre ne l’était pas, ce qui est surprenant puisqu’il a été créé au milieu d’une tragédie. Roadrunner est influencé par le suicide du père du membre du groupe Joba. Pendant des années, le spectre du suicide a plané sur la musique de Brockhampton. Maintenant, ils ont été obligés de le traiter dans la réalité. La perte de Joba l’a poussé à méditer sur la passion et le but, et bien qu’il n’y ait aucun obstacle lorsque Joba affronte sa douleur, l’album dans son ensemble se sent inspiré, et même plein d’espoir. Brockhampton a expérimenté ce que signifie être un  » boyband américain « , reconnaissant que le rap est le présent et l’avenir de la pop, tout en subvertissant les attentes esthétiques qui accompagnent le surnom de  » boyband  » avec leurs confessions franches. M.C.

Le premier album de Rising Star Celeste, Not Your Muse, est attendu depuis longtemps. Depuis la sortie de son premier single, « Daydreaming », en 2016, elle a reçu les éloges d’Elton John et Billie Eilish et a été comparée à Adele. Not Your Muse tient ses promesses, oscillant avec aisance entre des airs disco brumeux et des ballades sirupeuses, grâce à sa voix rêveuse et enfumée. Des chansons optimistes comme « Tonight Tonight » et « Love Is Back » sont de doux pas rétro pleins d’attitude et de funk. Les meilleurs moments montrent sa gamme puissante, comme le scintillant et hivernal  » A Little Love  » et le sublime point culminant  » A Kiss « . B.S.

Contrairement à ses deux derniers albums, The Off-Season de J Cole n’a pas de message global, mais plutôt des barres à plat.  » The Off-Season  » rappelle sa mixtape de 2010 Friday Night Lights, qui a établi sa base de fans et utilisé le basket-ball comme métaphore du rap. Avec des apparitions invitées de Lil Baby d’Atlanta sur « Pride is the Devil » et 21 Savage sur « My Life », nous pouvons entendre Cole rap aux côtés de certaines des plus grandes superstars du rap d’aujourd’hui. The Off-Season représente essentiellement ce sur quoi Cole a construit sa fondation, un mélange de narration consciente et de punchlines que vous pourriez ne pas saisir avant votre deuxième ou troisième écoute. D.G.

Petit déjeuner japonais, Jubilé

Michelle Zauner n’est pas étrangère à affronter le chagrin de front avec exaltation. Comme si le titre n’était pas assez évident, le dernier LP de Japanese Breakfast Jubilé est l’album le plus extatique du projet à ce jour, même si un coup d’œil sur les paroles vous dira que Zauner n’a pas fini de creuser les aspects les plus épineux de la dépendance, de la dévotion et du désir. Le premier single « Be Sweet », écrit avec Jack Tatum du groupe indie-pop Wild Nothing, fait évoluer l’influence Studio 54 de « Machinist » en un bonheur de synthé des années 80, transformant le crochet implorant de Zauner en un cri de ralliement: « Soyez gentil avec moi, bébé/ Je veux croire en toi/Je veux croire !  » C.S.

Les débuts de Joy Oladokun dans une grande maison de disques À la défense de mon propre bonheur met en valeur un talent sérieux avec une sorte d’aisance discrète et décontractée. Oladokun, l’enfant d’immigrants nigérians, écrit sur ses expériences en tant que femme de couleur queer d’une manière généreuse, enchaînant des déclarations émouvantes sur l’amour, la spiritualité et la race avec un son qui saute habilement entre la pop, le folk, le R&B et le rock indépendant.. Oladokun ne cache jamais ses luttes ou sa douleur passées dans ses paroles, mais comme pour des chansons comme  » If You Got a Problem  » et  » Look Up « , elle cherche toujours la lumière pour montrer la voie, ce qui en fait l’une des écoutes les plus édifiantes de l’année.. J.F.

Plus vous écoutez Mustafa, vous commencez à réaliser que la juxtaposition de la vie de rue granuleuse qu’il dépeint et de la musique douce qu’il fait ne devrait pas du tout être une juxtaposition. La moitié du premier projet de l’auteur-compositeur-interprète, Quand la fumée monte, est sorti en single, avec des clips vidéo capturant les extérieurs en brique et en béton du projet de logement Regent Park de Toronto, où il est né et a grandi. Sa musique aux accents folk, tendre et calme, et ces vidéos, sereines et provocantes, honorent son quartier de la douceur si souvent absente des attitudes et de la politique envers les pauvres. Le choix de Mustafa de chanter la tragédie du quartier dans la musique folklorique est efficace, non seulement parce que c’est beau et émouvant, mais parce que cela semble inattendu. M.C.

Slowthai, Tyron

Tout au long de Tyron, Slowthai semble compter sur une impétuosité d’inspiration punk avec une culture plus large de la responsabilité. Le résultat est à la fois éclairant et unidimensionnel dans une égale mesure. Malgré quelques atterrissages manqués, Tyron inspire toujours admirablement le genre d’énergie mosh-pit qui semble presque romantique à une époque de lieux fermés et de distanciation sociale. Le front-end, avec des titres de chansons en majuscules, est plein du style à indice d’octane élevé que la plupart des fans connaissent. La seconde moitié, avec des titres en minuscules, trouve Slowthai dans un territoire relativement nouveau. Les bpm sont plus bas et il est dans un lieu de véritable introspection. C’est cette honnêteté qui fait que la seconde moitié de Tyron se démarquer comme la plus grande force du disque.I.

Bien que le titre de la dernière sortie du rappeur Buffalo, Les bouchons que j’ai rencontrés 2, reprend après son album de 2019 Les bouchons que j’ai rencontrés, il est facile de considérer l’album comme la fin d’une trilogie de travail solo. La première Bouchons, à partir de 2019, servi comme une entrée difficile dans un monde de crime organisé de drogue, sombre et couvert. Dernières années Fardeau de la preuve était surtout un souvenir flashy et triomphant du butin de pousser de la drogue et de sortir, avec des allusions occasionnelles à la frustration et à la perte de la vie dans la rue. Au Les bouchons que j’ai rencontrés 2, Benny explore cette tristesse et ce danger plus en détail sur une sélection de rythmes de Harry Fraud qui mélangent le grain du premier Bouchons avec l’éclat de Preuve. C’est un sage du rap convaincant; un cracheur captivant offrant ses expériences néfastes avec une abondance de conscience de leurs nuances et de leur influence. M.C.

June n’a jamais sonné plus pleinement et plus excitant que sur son dernier album, La lune et les étoiles : prescriptions pour les rêveurs, qui fusionne ambition pop, ouverture d’esprit folklorique et sagesse blues. Au cours de ce cycle de chansons de 14 pistes, June se lance en tant que coproductrice (aux côtés de Jack Splash), ajoutant une programmation de batterie moderne, une orchestration classique et des épanouissements afrobeat à sa fondation de country-folk, R&B et roots-rock. Sa voix n’a jamais semblé plus agile qu’ici  : un moment fragile (« Fallin) », athlétique le suivant (« Stay »). Les chansons sont méditatives et impressionnistes, parfois carrément non narratives. « Within You » et « Stardust Scattering » évoquent à la fois l’esprit élargi de Revolver-époque Beatles. J.B.

Nick Cave et Warren Ellis, Carnage

Carnage, une collaboration entre le multi-instrumentiste de Cave et Bad Seeds, Warren Ellis, est une méditation relativement calme sur le salut spirituel à l’ère de la solitude. Sur chacun des huit morceaux du disque, Cave tente de donner un sens à sa place dans le monde, tel qu’il le voit s’effondrer autour de lui. Quand il pense à l’amour sur la chanson titre, c’est « avec un peu de pluie, et j’espère vous revoir ». Plus profondément dans l’album, sur « Shattered Ground », son amour est diffus, « Partout où vous êtes, je suis », chante-t-il dans un éther de cordes synthétisées, « et où que vous soyez, je vous tiendrai à nouveau la main. » -KG.

Topaze Jones Ne va pas le dire à ta maman l’a inspiré pour créer un court métrage du même nom, un album visuel très différent de l’album éponyme de Beyonce ou Limonade travail, mais tout aussi agréable, émotif et stimulant. L’album-album est tout aussi bon. Sa toile de fond aérée de funk et de hip-hop élève les raps pointus de Jones qui relient les fils conducteurs de son adolescence noire (bonbons, barbecues, dysfonctionnement familial) aux joies et aux dangers de l’âge adulte noir (drogue, incarcération de masse, relations compliquées). Jones est un conteur magistral à travers les médiums. M.C.

« Je fais toujours de la musique très joyeuse », a déclaré à Rolling Stone l’artiste nigérian montant Joeboy. En effet, son premier album à sortir aux États-Unis fait équipe avec des mélodies lumineuses, des rythmes somptueux et une vision optimiste. Sur « Number One », sa voix patine dans un registre aigu souple sur un rythme glissant, et « Better Things » crée quelque chose de brillant et de majestueux à partir d’une simple boucle de guitare et de ses harmonies chaleureuses. Qu’il chante sur l’amour et le mariage ou sur une romance plus éphémère, tout sur ce joli disque unique coule avec la chaleur, la générosité et la beauté d’une Saint-Valentin Al Green.D.

Hayley Williams a codifié à quoi peut ressembler un album de quarantaine de haut en bas avec son dernier LP, Fleurs pour Vases/Descansos. C’est son deuxième album solo en dehors de sa longue carrière de chanteuse principale pour Paramore, et son deuxième en moins d’un an  : elle a sorti son premier album, l’éclectique et inspiré de Björk. Pétales d’armure, en trois parties au printemps dernier. contrairement à Pétales, ou tout autre album dont elle a fait partie, Williams a enregistré Fleurs entièrement seule – chantant toutes les harmonies, jouant de tous les instruments – chez elle à Nashville. Flowers place l’auditeur au cœur du chagrin passé de Williams alors qu’elle l’a vécu dans son état le plus vulnérable. C.S.

que se passerait-il si Cuomo versait son cœur sans filtre pour une fois ? Puisqu’il n’y a pas de véritable antonyme pour l’ironie (et Cuomo ne se permettrait jamais de laisser tomber le septième voile), le 14e LP de Weezer, OK Human, est probablement aussi proche qu’il le sera. Pour l’album, dont le titre fait clairement un clin d’œil à OK Computer de Radiohead, Cuomo & Co. a troqué des guitares fortes contre des arrangements de cordes fleuris. L’approche est un clin d’œil pas si subtil aux références de la pop de chambre comme Pet Sounds et Let It Be, mais sans les entrées de journal confessionnel du premier ni la sentimentalité du second. Au lieu de cela, Cuomo tempère son sens de l’humour naturel à l’ambiance de la musique et du monde devant lui. KG.

Le timing n’a jamais été aussi bon pour un bon record de Liz Phair. Les paroles de divulgation complète et les chansons picturales qu’elle a perfectionnées lors de ses débuts classiques en 1993, Exile In Guyville, peuvent être entendues ces jours-ci dans un certain nombre d’excellents jeunes artistes de la carte indie-pop – Soccer Mommy, Snail Mail, Jay Som, Adult Mom, Lucy Dacus, Stella Donnelly, pour n’en nommer que quelques-uns, faisant de Phair l’un des auteurs-compositeurs les plus marquants des 30 dernières années. Soberish, son premier album en 11 ans, rappelle la gloire de Guyville et son successeur de 1994, Whip-Smart, sans pour autant ressembler à une récapitulation gênée. J.D.

Cela fait plus de deux ans depuis son dernier album, Chutes d’Icare, un suivi de 27 pistes bien intitulé à ses débuts beaucoup plus élégants en 2016, L’esprit du mien. Les deux LP ont laissé aux auditeurs plus de questions que de réponses sur ce que Malik voulait de sa carrière post-1D. Malgré son introduction maussade, Personne n’écoute montre à la fois la retenue et la croissance d’un nouveau père qui vient d’avoir 28 ans, même si les chansons semblent plus refléter sa relation avec sa partenaire de longue date Gigi Hadid que son cheminement vers la paternité. Compte tenu des ambitions de R&B-crooner de Malik, c’est une bonne chose qu’il puisse chanter l’enfer d’une chanson d’amour. B.S.

Au Hoodrat angélique  : Supercut, Kenny Mason, 26 ans, flotte entre rap acrobatique et rock alternatif. Alors que de telles concoctions peuvent sembler ringardes et forcées, Supercoupe vous plonge dans un monde maussade où des guitares habiles vivent en harmonie avec des tambours hip-hop poussiéreux. « Moi et mes patnas qui ont grandi dans le même quartier écoutions Coldplay de la même manière que nous écoutions Future », a déclaré le natif d’Atlanta à Rolling Stone en avril. « Nous écoutons [rock] juste après Peewee Longway et Bankroll Fresh. Sous sa gamme d’influences, Mason raconte avec sensibilité des histoires de luttes de quartier. « Je suis dans le A en train de penser à des façons de se souvenir quand je suis effacé », rappe-t-il. M.C.

Juliana Hatfield, Sang

La boho de Boston, Juliana Hatfield, est l’une des compositrices championnes du rock indépendant depuis ses débuts avec les Blake Babies, mais elle ne va certainement pas mollir. Blood est l’un de ses plus durs, plein de fureur politiquement chargée. Hatfield a son propre style de mélodie vaporeuse, comme il sied à une rockeuse qui a sorti des albums hommage à ses idoles comme Olivia Newton-John. Mais sur Blood, elle parle pour nous tous dans des lignes comme « J’ai dû me frapper au visage pour me sortir du lit. » R.S.

Lorsque la seule musique que vous pouvez supporter est le battement de tambour de la rage qui traverse votre tête douloureuse, les mods Sleaford sont toujours bons pour un tour. Ils sont Nottingham, la réponse de l’Angleterre à la Chute, avec le chanteur Jason Williamson qui rappe sur tout, de la Grande-Bretagne à l’ère de l’austérité au consumérisme en passant par les faiblesses de l’industrie de la musique sur les rythmes épars mais tranchants d’Andrew Fearn. Spare Ribs, le 11e LP des Mods depuis leur formation en 2007, est un véritable menu à la carte d’outrages. Écrit en partie pendant le verrouillage, le disque présente certaines des chansons les moins ennuyeuses sur la pandémie enregistrées depuis l’épidémie initiale en 2019. B.E.

VanJess – le duo de chanteuses nigérianes américaines Ivana et Jessica Nwokike – s’assoit doucement dans leurs désirs charnels et leurs besoins émotionnels sur Maison. Le duo est peut-être mieux connu pour ses collaborations avec le producteur Kaytranada, à la fois sur ses projets et leur album 2018 stellaire. Toile de soie. La paire glisse « Dysfunctional », leur piste de danse 2019 avec Kaytra, sur Maison, mais enterrez-le intelligemment entre de nouvelles chansons sexy. Ici, VanJess engage également la production sophistiquée de Snakehips et Monte Booker, un double rendez-vous avec les chanteurs invités Garren et Jimi Tents, et un lien avec Phony Ppl. À travers neuf titres, Ivana et Jessica sont synchronisées entre elles grâce à des harmonies délicates et en synchronisation avec leur paysage sonore de R&B élancé et rythmé, de soul, de funk et de hip-hop.C.

Le duo de super-héros de rock indépendant de l’année, mettant en vedette deux des auteurs-compositeurs les plus pointus du jeu, Melina Duterte de Jay Som et Ellen Kempner de Palehound. Les guitares glissent en mode Elliott Smith/Mary Timony, tandis que les deux femmes chuchotent et grognent à propos de l’amour tordu dans « Back of My Hand » et « Stay in the Car ». Le meilleur de tous  : « Sand Angel », à propos de rêver de quelqu’un qui vous manque, puis de grincer des dents toute la nuit, sachant que vous ne vous rendormirez pas. Les deux auteurs-compositeurs connaissent parfaitement ce territoire émotionnel, comme dans Black Friday de Palehound ou Everybody Works de Jay Som. Mais ensemble, ils atteignent un nouvel endroit. R.S.

Le dernier album de l’auteur-compositeur-interprète est son plus convaincant à ce jour. Sa réinvention sonore ici – marquée par des synthés balbutiants et du glam rock tourbillonnant – semble à la fois sans effort et inévitable. Tasjan livre des chansons – comme « Sunday Women », avec son refrain prenant d’assaut la chanson dans ses premières secondes, et « Don’t Overthink It », avec son outro psych-rock – avec une urgence passionnante et fraîche qui donne l’impression qu’il est le premier auteur-compositeur-interprète à découvrir (ou, dans son cas, redécouvrir) synthés et refrains pop.B.

Cet esprit d’abandon du rock & roll existe toujours dans la musique de Cooper un demi-siècle après ses débuts. Il n’est pas surprenant que les meilleures chansons du 21e album solo de Cooper, Detroit Stories, soient les plus drôles. « Our Love Will Change the World » est une reprise enjouée d’une chansonnette ironique du groupe de power-pop du Michigan, Outrageous Cherry, et dans les mains de Cooper, cela ressemble à The Partridge Family sur la poussière d’ange, avec des claquements de doigts, comme toujours- le chanteur sarcastique décrit son utopie de rêve comme une dystopie. -KG.

Chadwick s’appuie sur son piano et devine les bons accords pour traiter chacun de ses mots blessés comme un baume alors qu’elle donne un sens à son épave d’âge moyen. Ce n’est pas tant le langage déchirant de Me and Ennui qui rend le disque captivant que la façon dont elle le chante. Oui, il y a beaucoup d’ennui – ce sentiment d’insatisfaction difficile à décrire auquel Sylvia Plath et Charles Lloyd ont rendu hommage en poésie (peut-être mieux résumé dans « Is That All There Is ? ») de Peggy Lee – mais Chadwick est trop auto- conscient pour que ce sentiment occupe le devant de la scène. À certains égards, cet album a été long à venir. -KG.

Plongée dans la rue du lac, Évidemment

Pendant 15 ans, ils ont été des valeurs aberrantes de la pop  : un groupe dirigé par un chanteur principal avec des racines dans le jazz et le cabaret, jouant de la musique qui fait un clin d’œil à l’Americana, au R&B, à la pop et à tout le reste, mais n’échoue jamais dans aucune de ces catégories. Bon sang, Bridget Kearney joue même de la contrebasse. On Obviously, they’re still oddballs, but in the best way. At a moment when pop strives for lo-fi, solitary-world intimacy, the jazz-pop-whatever band refuse to think small. Fully living up to the water imagery in their name. musical interplay, sophistication and sometimes dodgy lyrics of that genre. D.B.

Who hurt Blaqbonez ? We owe them a thank you. The self-proclaimed “Best Rapper in Africa” channeled his romantic rage into his triumph of a debut album, Sex Over Love. The 25 year-old MC began battle rapping in his native Nigeria at 16 before releasing a string of EPs and singles that flaunt his lyrical prowess and his undeniable ability to curate a vibe. From the strip-club ready “Heartbreaker” with South African rapper Nasty C, to the cheeky “BBC” remix with afrobeats darling Tiwa Savage, to the Drake-influenced “TGF Pussy” with Blaq solo, Sex Over Love offers a cohesive collection of hip-hop and Afropop that may make you look at your partner sideways. M.C.

“I ain’t good alone,” J. Mascis notes on Dinosaur’s latest, a sentiment we can all get with these days. Sweep It Into Space is the most amiable record of the band’s entire career, without losing any of their amp-torturing thunder. Songs like “I Met the Stones” and “I Ran Away,” on which co-producer Kurt Vile plays 12-string guitar, are at once heavy and cheery, while Lou Barlow’s whimsical folk-rock pastorale “Garden” is a tender detour, and even when the guitars scream and wail like caged yetis, the mood is always generous and upbeat, the sound of people happy to take their noise into the world once again. J.D.

On their fourth album, the Philly indie pop-punk outfit doesn’t break new ground so much as dig deep into what they do best on this superb collection of sharply-crafted late twenty something anthems (“Like a Stone”) and gorgeous slacker ballads (“Out Loud). Lead singer-songwriter Carmen Perry delivers bruised-heart meditations on early-onset nostalgia, aging and the aftermath of heartbreak, topics she’s been chronicling with her band’s power-pop pathos since their 2014 college-band debut Sunchokes. As she sings on the thrasher-punk declaration “Falling Awake” : “All it ever does it never go away.” J.B

Matt Sweeney and Bonnie “Prince” Billy, Superwolves

Will Oldham, who performs as Bonnie “Prince” Billy, and Matt Sweeney are perfectly matched collaborators, which helps to explain why their joint 2005 album Superwolf has become a cult classic. Their new sequel features a larger cast than its predecessor, with Tuareg guitar marvel Mdou Moctar and his bandmates appearing on a few tracks, but as with its predecessor, the record’s strongest moments are the ones that show off Oldham and Sweeney’s sturdy rapport in the sparest way. “Good to My Girls” is a classic Oldham character study that depicts a brothel madam with a clear-eyed view of her role, and on “My Popsicle,” Sweeney’s eerie, descending melody line and spectral backing vocals heighten the intrigue of Oldham’s elliptical lyrics. H.S.

Mdou Moctar has previously claimed, “I don’t know what rock is exactly,” and that’s a good thing listening to the Niger-based Tuareg singer-songwriter’s latest album, Afrique Victime.  There’s a unique sense of freedom in the record’s eight songs that most household-name rockers will never understand. He and his bandmates focus on ostinato, repeating cycles of riffs and chords over and over again in transcendent cycles; “Ya Habibti,” a love song, and the sweet, lullaby-like “Tala Tannam” add handclaps, and Moctar occasionally swaps his Strat for an acoustic guitar but mostly they keep their structures simple and hypnotic. K.G.

Arkansas hard-rock yowler Amy Lee of Evanescence cut quite a unique figure when she first showed up in the mid-’00s. The nu-metal scene that the singer asserted herself into wasn’t just male-dominated, it was asshole-dominated. But Lee rose above that wan world of bellyaching and bad facial hair like a mythic beast, thanks to her enormous vocal power and messy, fresh-faced emo-goth charisma. Evanescence got kind of arty on their last album, 2017’s classically-tinged Synthesis. But they’re back to the sturm und drang basics on The Bitter Truth, slugging away, baring life’s battle scars and reaching for their own personal slice of Valhalla. J.D.

Marianne Faithfull has loved as deeply and lived as tragically as any of England’s celebrated romantic poets of yore, but unlike most of them, she has lived to tell her tales. So on She Walks in Beauty, a spoken-word collaboration with violinist/songwriter Warren Ellis on which she recites some of her favorite entries from Palgrave’s Golden Treasury, her warm, lived-in voice finds new depths in verses by Lord Byron, John Keats, Percy Shelley, William Wordsworth, and others. When she reads a line like “My heart aches, and a drowsy numbness pains my sense” in Keats’ “Ode to a Nightingale,” she does so with a sense of knowledge from hard-worn years of crushing life experience that the poet, who died at age 25 of tuberculosis, would never know. K.G.

Earth Man Blues could be the GBV’s best album since 1995’s Alien Lanes. A collage of previously unfinished or rejected songs resurrected and forged into a rock opera about Pollard’s childhood, this is GBV as pure id : bonkers lyrics, aural experimentation, and hooks for days. Pollard and his “race car mind” are now a permanent part of your hippocampus. B.E.

Floating Points, Pharoah Sanders, and the London Symphony Orchestra, Promises

Over the years, legendary saxist Pharoah Sanders has never lost the gorgeously grainy roar that made him such a potent asset in John Coltrane’s late-era bands. The album places the 80-year-old musician at the center of an electro-acoustic ambient-classical concerto, composed and arranged by Shepherd. Consisting of a single, 46-minute work, Promises is both startlingly minimal and arrestingly gorgeous. H.S.

The members of this UK band have excellent punk names like Clottie Cream and Rosy Bones and they sing about modern rubbish like climate change and anxiety meds, channeling their angst into songs that call recall the dreamier side of post-punk (bands like the Raincoats and Oh-Ok), mixing slanted dissonance and offhanded beauty, often (as on the house music–flavored standout ‘Sad Cowboy”) working their way into artfully shambling dance grooves. Listening to their excellent second record feels like happily sleep walking through the early days of the apocalypse. J.D.

Can’t decide between listening to Talking Heads, Gang of Four or Nirvana ? Don’t worry, Pom Poko’s got you covered. The Norwegian art-punk quartet seamlessly blend together the sounds of post-punk, grunge, and bratty pop together on their second album Cheater, pairing head-banging power chords with changing time signatures and unexpected cowbell. If Speedy Ortiz or Woods-era Sleater-Kinney is more your style, standout track “Like a Lady” will provide all your guitar-fuzz needs. C.S.

On their seventh studio full-length, Gojira mix heavy music with heavy concepts, and never once do they sound like a drag. On various tracks, the long-running French metal crew encourage peaceful protests (“Into the Storm”), decry deforestation (“Amazonia”), and advocate living a minimalist lifestyle (“Born for One Thing”). But they never come off as preachy, partially because they have a knack for inventive music. On “Sphinx” and “Born for One Thing,” singer-guitarist Joe Duplantier and lead guitarist Christian Andreu summon squelching, screaming, memorable sounds from their instruments between mosh-worthy riffs. It’s all the rage of death metal mixed with the conscience of punk rock and the musicality of progressive rock, and it’s never boring. K.G.

A triumphant peak for everybody’s favorite Brooklyn bar band : Open Door Policy is not only the Hold Steady’s first album to debut in the Top Ten (watch out, BTS ! ) but it’s also their best in 15 years, full of hard-boiled rock & roll noirs. Craig Finn sings about loners, losers, Kiss fans turned crust punks, the nurse in rehab who has “Eruption” as her ring tone. But there’s wild humor in tales like “Heavy Covenant,” “Lanyards,” and “Unpleasant Breakfast,” confessing, “I no longer see romance in these ghosts / This coffee’s cold, this toast is gross.” Pick hit: “Hanover Camera,” with its swampy electric-piano groove and horns, has to be the year’s coolest Steely Dan song. R.S.

If you know William Goldsmith’s name. and a little group called the Foo Fighters. Mais Intermission, the debut by the drummer’s new Tacoma, Washington, power trio Assertion, and Goldsmith’s first release following a lengthy hiatus from music, shows that he’s still a vital creative force. The band’s approach is familiar : passionate, post-hardcore–leaning indie rock that makes liberal use of quiet/loud dynamic shifts. When the trio kicks into an anthemic gut-punch chorus like the one on “Defeated,” you’ll wish with every fiber of your being that you were howling along at a sweaty club gig. H.S.

With the help of A&R, Eddie Fourcell, and executive producer D’Mile, Joyce Wrice’s debut album takea late-Nineties R&B and makes it her own through stories of inspiration, heartbreak and joy. The Southern California singewr uses her hefty yet soothing voice to add depth and power to each track. Just put Overgrown in rotation this summer at the barbecues and day parties and watch songs like “On One” provide the vibe you need. D.G.

London’s Black Midi satiated critics’ chaos cravings on their out-of-nowhere 2019 debut, Schagenheim. For fans who prefer their noise-rock outbursts without the screeching violins and prog technicality, Cavalcade probably won’t rise above “infernal din” territory. But even the haters should buy a ticket to Black Midi’s dark carnival, if only for educational purposes. Few bands take such perverse glee in eroding genre lines and fucking with your head. R.R.

Dylan Baldi of Cloud Nothings remains exceedingly adept at mixing pop and punishment, landing somewhere between the bouncing charge of Superchunk, the lofi tunefulness of his fellow Ohioans Guided By Voices, and the crushing onslaught of the Jesus Lizard. The latest Cloud Nothings release is one of the sharpest of their decade-long run, particularly on standouts like “Nara,” “Sound of Alarm,” and “Nothing Without You,” where he cranks up the tattered, heartfelt melodies and the surging guitar noise in equal measure. J.D.

Hynde’s Dylan covers project came together last year after Dylan surprise-released a couple of songs, “Murder Most Foul” and “I Contain Multitudes,” in the early months of lockdown. These songs reminded Hynde of the impact his music has had on her formative years, and they moved her to select some of her favorite Dylan songs and record them with the Pretenders’ lead guitarist James Walbourne as a “lockdown series” of YouTube videos. But rather than reinterpret “Like a Rolling Stone” and “Mr. Tambourine Man” like masters of warhorses, the pair opted for less obvious fare, including many recordings Dylan made in the early Eighties, allowing Hynde a wider berth to fit them to her voice and character. K.G.

This NYC trio has been floating around the city’s experimental/noise scene for a while now, putting out awesomely weird records and even stranger side projects for close to a decade. (Back in 2017, we named them an Artist You Need to Know for an album that featured a freaky-Friday Bee Gees cover.) But they’ve really leveled up with their fifth LP, which is full of impossibly catchy almost-pop songs like “No Way,” “Big Bad Want,” and “Hey ! ” These songs are bright, concentrated bursts of art-punk genius, with riffs for days and upside-down melodies you can’t forget. You might catch a hint of Sleater-Kinney, the Minutemen, or whichever band is your yardstick for this sort of thing, but mostly you’ll just want to hit play again. S.V.L.