Rosalía sur « Motomami », réinventer son son et l’avenir de la pop

Voici la couverture du premier numéro de Rolling Stone en Español (décembre 2021). Traduit de l’espagnol par Diego Ortiz.

« Je n’ai pas écouté de flamenco avant l’âge de 13 ans », dit Rosalía. « Quand je l’ai écouté, ça a été un tournant pour moi. » Nous sommes à l’emblématique Four Seasons Hotel de Mexico, et elle explique les racines musicales qui ont fait d’elle l’une des artistes pop les plus intrigantes d’aujourd’hui. Après plusieurs rencontres en 2020, nous allons aujourd’hui terminer une conversation qui a commencé lors d’une pandémie à plein régime. L’artiste espagnole a les cheveux relevés et porte un long t-shirt qui se double d’une mini-robe, ainsi que des bottes Rick Owens jusqu’aux genoux qui suggèrent un personnage d’un film Mad Max.

Pour une artiste de son niveau, Rosalía, 29 ans, est extrêmement chaleureuse et familière. Nous nous dirigeons vers les Sony Music Studios dans le quartier industriel du centre-ville, où le légendaire artiste mexicain José Alfredo Jiménez a enregistré certaines de ses plus grandes chansons il y a des décennies. Nous prévoyons d’y écouter pour la première fois son album conceptuel MOTOMAMI. C’est un projet qui lui a pris plus de trois ans à développer, mais une fois sorti en 2022, il représentera le chemin créatif qui l’a conduit à son émancipation artistique.

Ayant grandi en dehors de Barcelone, Rosalia – qui est née Rosalía Vila Tobella dans la ville voisine de Sant Cugat del Vallès – se sentait loin du flamenco, bien que sa grand-mère l’emmenait prendre des cours de danse pendant que sa mère travaillait. Ce n’est qu’à l’adolescence qu’elle se connecte au genre à travers des artistes tels que Camarón de la Isla. « Depuis que je suis petite, j’ai pu danser, chanter – je ne me souviens pas d’un seul moment de mon enfance sans ça », dit-elle. « Je chantais dans la maison depuis l’âge de 10 ans, sans aucune technique. Je ne savais pas ce que je chantais. À 16 ans, elle était obsédée par le flamenco et elle a commencé à prendre des cours professionnels. « Je ne savais pas que j’allais pouvoir prêter ma voix au flamenco », ajoute-t-elle. « Il y a beaucoup de voix dans le flamenco ; Valderrama n’est pas la même chose que Camarón.

Rosalía sur « Motomami », réinventer son son et l’avenir de la pop

En 2017, elle enregistre Los Ángeles aux côtés du producteur et guitariste Raül Refree. C’est un album de flamenco conceptuel qui rend hommage au chagrin et à la mort, mettant en valeur la puissance de sa voix et l’étendue de ses capacités de soprano à travers des mélodies bouleversantes sur des chansons telles que « De Plata » et « Aunque Sea De Noche ». La même année, lors de l’enregistrement de son deuxième album studio, El Mal Querer, elle a été nominée comme meilleur nouvel artiste aux Latin Grammy Awards. Cet album l’a propulsée vers de nouveaux niveaux de reconnaissance grand public sur le marché de la musique de langue espagnole et au-delà, et lui a valu l’admiration des critiques – grâce également en partie à une douzaine de vidéos réalisées par CANADA, qui ont servi de déclaration esthétique frappante pour son travail..

Depuis lors, elle s’est concentrée sur la collaboration avec d’autres artistes, réalisant des succès consécutifs, dont « Antes de Morirme » avec C. Tangana, « TKN » avec Travis Scott, « Con Altura » avec El Guincho et J Balvin, et « Yo x Ti, Tu x Mi » avec Ozuna.

«Pour vous construire en tant que musicien, vous devez écouter beaucoup de musique», dit-elle lors de la configuration de la lecture audio. Je suis la première à entendre cette musique en dehors de son cercle intime, mentionne-t-elle. Un câble relie directement son ordinateur portable à la console de mixage 72 canaux. Elle m’offre un verre de vin mexicain et l’album commence.

Le degré d’expérimentation lyrique, rythmique et sonore de MOTOMAMI peut être comparé à des œuvres expérimentales comme Ill Communication des Beastie Boys ou Moby’s Play – des albums issus de la déconstruction et du questionnement. Elle peut être douce, chaleureuse et innovante comme Lorde sur Pure Heroine, ou grossière et crue comme Nine Inch Nails sur The Downward Spiral. Tout au long de l’album, Rosalía sursature et joue avec sa voix, la poussant à la limite sans hésitation, la déconstruisant pour créer des échantillons et des sons qui s’entrelacent avec le rythme – si c’est ce que vous pouvez appeler la percussion syncopé, hors du temps qui se déclenche selon la progression de chaque chanson. Elle repense la structure, faisant une musique qui peut sembler disharmonieuse et asymétrique, mais c’est l’une des qualités les plus excitantes de l’album.

Les genres appartiennent au passé ; il y a de la place pour tout ici. Chaque élément a été cousu à la main pour former un squelette de ce que devrait être la musique moderne : art et saveur, dembow, champeta, flamenco, bachata, hip-hop, mélodies au piano.

Lorsque nous avons fini d’écouter son album, Rosalía s’effondre en pleurs. Elle vient d’exposer le produit le plus honnête de sa vulnérabilité. Après trois ans d’exploration, elle a le sentiment d’avoir terminé l’album le plus important de sa carrière. L’écouter chanson par chanson rappelle chaque discussion et séance avec son équipe. Pour la première fois en tant que spectateur, semble-t-il, elle comprend la grandeur de son travail : c’est un portrait complet d’elle-même.

Au cours des dernières années, elle a fait un chemin remarquable pour elle-même dans une industrie impitoyable. Des questions persistent : peut-on arrêter de penser la musique en termes de formats et de genres dépassés ? La musique commerciale espagnole doit-elle continuer à s’intégrer dans un moule unique ? Dans la conversation, elle semble avoir, au moins, quelques réponses. Pendant ce temps, MOTOMAMI ressemble à un train de marchandises du futur, qui fonce droit sur nous à pleine vitesse et sans freins. Rosalía est la source d’énergie derrière tout cela.

Quelles conclusions avez-vous tirées de Los Ángeles et El Mal Querer ? Qu’as-tu retenu de tout ça ?

En fait, je n’ai pas l’impression d’avoir beaucoup changé depuis. Je m’amuse en faisant de la musique différemment. Je l’aborde à travers différentes règles. Quand je faisais Los Ángeles, je faisais des recherches sur le flamenco ; c’était plus une chose classique, donc je voulais lui rendre hommage d’un endroit personnel. Mais au final, c’était ça, non ? Et El Mal Querer était quelque chose qui avait du sens à l’époque. Mais répéter quelque chose à partir de cela, aussi petit soit-il, n’aurait pas beaucoup de sens pour moi. Je n’aime pas vraiment regarder en arrière, si cela a du sens.

Mais c’est aussi ce qui vous a amené ici.

100 pourcent. C’est pourquoi je suis si reconnaissant pour tout ce que ces projets m’ont apporté, mais j’essaie de le mettre de côté lorsque je me concentre sur la suite. Je pense qu’ils m’ont permis de comprendre comment faire un disque. Los Ángeles, par exemple, m’a permis de comprendre comment utiliser ma voix d’une certaine manière, comment enregistrer des voix – j’ai beaucoup appris de Refree en faisant cet album. Ensuite, avec Pablo, j’ai beaucoup appris sur l’écriture de chansons, et si El Mal Querer a une partie flamenco traditionnelle, il y a aussi beaucoup de composition. J’ai beaucoup appris à ses côtés. Maintenant, tout sur ce disque a été fait à partir de zéro. C’est loin d’être expressément traditionnel. Il y a aussi le sens de l’humour, il y a de l’ironie. C’est différent. Je voulais utiliser des codes différents, je voulais trouver une autre façon de faire un disque cette fois.

La dernière fois qu’on s’est parlé, tu m’as dit que le disque était presque prêt. Qu’est-ce qui a mis autant de temps à sortir ce disque ?

C’est juste quelque chose que je ressens quand c’est vraiment prêt et fini. Peut-être que je te l’ai dit parce que je voulais croire que c’était fini, mais je sais que c’est fini une fois que je l’écoute et que je peux m’en séparer. À ce moment-là, il y a des mois, je devais constamment revenir en arrière pour réparer ça, réparer ça, réenregistrer les voix. J’ai enregistré un millier de voix – certaines sont la première prise, mais pas la plupart.

Outre la pression interne pour relever vos propres défis, avez-vous déjà ressenti une pression externe de la part de votre équipe, du label ou même de votre public ?

Écoutez, j’ai ressenti un peu de cette énergie « effrayante » autour de moi, en général – un peu de ce sentiment comme si je n’avançais pas au bon rythme. Mais j’allais à mon rythme, celui dont j’avais besoin pour pouvoir le faire. Au cours de ces trois dernières années, j’ai voulu concentrer mon énergie à donner à cet album un sentiment de risque et d’excitation en général. L’industrie, bien sûr, il peut sembler que tout est une camisole de force, car il y a de l’argent en jeu. Parfois, les produits ne sont pas frais ou ne coulent pas comme ils le devraient. J’ai essayé d’oublier tout le contexte, l’entreprise. Vous pouvez dire ce que vous voulez sur le disque, mais il y a du risque et de l’émotion – du moins je le pense et je l’espère.

C’est aussi un disque courageux.

C’est l’un des meilleurs adjectifs que vous puissiez obtenir. Je l’apprécie beaucoup, car j’ai l’impression d’avoir pris des risques. Je le pense vraiment.

Cet album a un élément supplémentaire, qui est la pandémie. Cela vous a-t-il aidé ou était-ce une interruption ?

Il y a une sorte d’isolement présent sur ce projet.

Quand vous parlez d’isolement, étiez-vous littéralement seul ?

J’ai passé beaucoup de temps seul, oui. Il y a eu beaucoup de temps où j’ai lutté et je me suis senti au bord d’un abîme. Au niveau créatif, cela ressemblait à un abîme. Sur d’autres disques, j’avais toujours de la compagnie, même quand c’était moi qui faisais avancer les choses parce que j’avais une image claire. Dans ce cas, plus que jamais, j’ai ressenti le poids et la responsabilité de l’ensemble du projet. Même si je ressentais ça avant, c’était différent ici. J’ai travaillé avec divers producteurs; J’ai collaboré avec différentes personnes. Je l’ai apprécié, mais j’ai dû me battre pour cela.

Avec les albums précédents, je n’avais pas ce sentiment. Tout coulait comme de l’eau, facile. J’ai été vraiment seul parfois. Mais j’ai aussi eu de la compagnie, et je dois dire que je suis vraiment reconnaissant envers tous les collaborateurs. C’est pourquoi je ne vois pas l’isolement ou le temps que j’ai passé seul comme une chose négative. Cela m’a vraiment poussé à me dépasser en tant qu’écrivain et en tant que producteur.

Tous les albums conceptuels ont des objectifs clairs dès le départ. Quels étaient vos objectifs spécifiques pour cet album ?

J’ai beaucoup aimé que vous disiez qu’il s’agit d’une déclaration de principe, parce que je pense que c’est le cas. Conceptuellement, lyriquement aussi. Je pense que c’est l’album le plus personnel et confessionnel que j’ai fait jusqu’à présent. Je me suis toujours considéré comme un conteur. MOTOMAMI est l’histoire la plus personnelle que j’aie racontée. Dans ma tête, MOTOMAMI prend tout son sens en tant que concept, en tant que figure féminine qui se construit. Alors, c’est comme ça que ça se passe : c’est presque comme un autoportrait, quand un artiste fait un autoportrait dans le contexte du monde moderne.

Comment le féminisme continue-t-il d’avoir un impact sur votre travail aujourd’hui ?

Pour moi, cela a été très important. Par exemple, collaborer avec Tokischa, Rita Indiana, Caroline Shaw – ce sont les femmes qui font partie de ce projet. Le titre de l’album est un prénom féminin, même si « moto » est une chose et « mami » une autre. Pour moi, il y a une dualité, tout comme dans son son. Le disque est structuré en binaires, deux types d’énergie contrastés. Alors, quand vous me parlez de féminisme, je pense que c’est implicite dans l’intention – c’est très radical et c’est très présent dans certaines chansons, et peut-être pas beaucoup dans d’autres, parce qu’au final, c’est tout le voyage émotionnel de les hauts et les bas qu’un artiste peut subir. Il y a beaucoup de ma vie de tous les jours – c’est pourquoi cette revendication des femmes et de la féminité est implicite.

Les artistes masculins de nombreux genres ont réussi à perpétuer les tropes machos et misogynes. Qu’est ce que tu penses de ça?

Je serais peut-être très heureux si ce disque apporte un contrepoids à ce dont vous parlez. Je n’ai pas toujours trouvé de figures féminines qui écrivent de manière plus crue, notamment dans la musique ou la musique folklorique espagnole. Il est plus facile de trouver ces chiffres dans la musique anglaise que dans la musique espagnole. Dans cet album, certaines chansons sont une réponse à certaines des idées dont vous parlez, vues sous un autre angle.

Est-ce quelque chose que vous faites consciemment ?

Il y a toujours un aspect de la créativité qui est irrationnel. C’est là, ça se passe. Et il y a un autre élément qui a à voir avec la décision d’aller dans cette direction. Ils sont tous les deux là. Mais je crois aussi que ce n’est pas seulement un problème de reggaeton. C’est le reflet de la société. Si cela se produit dans la musique, c’est parce qu’il se passe quelque chose au niveau social, dans le monde réel.

Cela le maintient en vie.

Exactement. Alors, nous ferions mieux de nous demander ce qui se passe et ce que nous avons encore à faire à cet égard.

Le prenez-vous au sérieux lorsque des artistes que vous considérez comme des collègues s’engagent avec ces tropes ?

Je ne le prends pas trop au sérieux, car il y a des moments où je pense que le sens de l’humour joue également un rôle dans tout cela. La musique peut aussi être une fiction, et elle n’a pas besoin d’être politiquement correcte. Donc, je le vois à partir de là. Je ne juge pas un artiste ou un de mes amis s’ils ne parlent pas d’une manière qui me met à l’aise. Je les approche et je dis quelque chose, mais je ne juge pas leur travail car je me base sur le principe que la musique peut être une fiction, tout comme un film. Et personne ne juge un film quand il apporte des réalités pas si jolies à la table.

J’ai l’impression d’être un gamin sur une aire de jeux. Il y a beaucoup d’options, et je m’amuse, parce que c’était en fait un pur plaisir. Depuis El Mal Querer, j’ai pu aller en studio avec des artistes que j’admire et que j’aime côtoyer. Donc ce n’est pas si prémédité, tu sais ? J’ai beaucoup appris en travaillant avec d’autres musiciens, d’autres producteurs, d’autres artistes, ce que je n’ai pas pu faire quand j’étudiais à Barcelone.

Ce n’est pas aussi stratégique qu’on pourrait le penser.

Non pas du tout. C’est comme, « D’accord, nous sommes en studio, ça va. Ça résonne, je vais le partager. Bien que, je préfère y penser dans les projets. Je crois vraiment que c’est à ce moment-là que je m’amuse le plus et que je me pousse le plus, si cela a du sens. Quand je considère un album comme un projet, j’aime beaucoup plus faire des albums que des singles. Mais il est aussi logique de faire quelques collaborations.

Quelles étaient les références conceptuelles de ce disque ?

J’ai beaucoup écouté Héctor Lavoe, j’ai beaucoup écouté Nina Simone, Patti Smith, Bach, dembow, bachata classique, et comme je l’ai déjà dit, beaucoup de reggaeton. Vivienne Westwood m’émerveille, m’inspire, Michèle Lamy m’inspire, [Pedro] Almodóvar continue de m’inspirer. j’ai regardé [Andrei] Les films de Tarkovski.

Ces références changent-elles avec le temps pour vous ?

Oui. J’ai regardé beaucoup de documentaires d’artistes car il y a une part autobiographique sur cet album, beaucoup de références à mon quotidien. Mais il y a aussi un reflet de l’artiste ou de la figure de l’artiste, et comment cela se rapporte au monde extérieur, au public aussi, au monde auquel elle est exposée.

Donc, il y en a beaucoup. J’étais également curieux de savoir non seulement comment je me sentais, mais aussi ce que les autres ressentaient. Regarder le documentaire de Nina Simone m’a façonné. Lire un livre sur Chavela [Vargas’] la vie et l’écoute de son catalogue m’a façonné. Tout est là-dedans. Je dois beaucoup à ces modèles.

Comment et de quelles manières le reggaeton a-t-il influencé votre carrière ?

Lierre [Queen], par exemple, était une grande référence pour moi, principalement à cause de la façon dont elle se comporte : « La caballota », se présenter de cette façon est très puissant. C’est une artiste irrévérencieuse dans sa façon de faire et de faire les choses. Le reggaeton a toujours fait partie de ma vie depuis l’âge de 11 ans et je l’ai entendu pour la première fois lors d’une foire locale, en dansant sur Don Omar avec mes cousins. C’est très organique, comme pour le flamenco.

Quand j’étudiais, j’écoutais Arcángel ou Daddy Yankee en allant là-bas. Cela fait partie de mes expériences, de la musique que j’ai toujours écoutée, donc c’est comme une approche qui me vient naturellement.

Votre musique s’étend sur toutes sortes de tonalités musicales et émotionnelles. Des chansons comme « De Plata » et « Linda », par exemple, sont des mondes à part. Comment ceux-ci s’emboîtent-ils pour vous ?

Je me souviens avoir acheté une mixtape avec des chansons de reggaeton quand j’avais 13 ans, et j’ai dansé dessus à la maison parce que j’aimais ça. J’ai toujours eu une passion et un amour pour la musique qui vient des Caraïbes. Je l’ai toujours aimé. Alors « Linda », pour moi, c’est la joie. « De Plata » est le chagrin. C’est presque polarisé. Cela pourrait même donner le sentiment de ce que vous venez de mentionner, mais en réalité, tout est pareil. Dans la vie, il y a le deuil et la célébration de la même manière. Donc, pour moi, c’est la même chose, même si ce sont des énergies différentes, des codes différents.

C’est la représentation de l’émotion, après tout.

Oui, et aussi d’énergie. Si l’énergie est présente, chaque auditeur décidera si elle est là ou non, mais si elle est là, l’approche, le thème ou l’intention utilisée n’auront pas d’importance.

« De Plata » est une chanson si forte que vous pouvez imaginer qu’elle aurait pu être écrite par Ennio Morricone.

C’est aussi du flamenco traditionnel.

Des chansons comme ça font oublier que c’est du flamenco. Ce ne sont que des chansons avec de belles mélodies. En parlant de ça, pensez-vous que, de nos jours, Los Ángeles aurait débarqué différemment ?

Je ne sais pas, Dieu seul le sait. Je n’ai aucune idée. Mais si j’avais la chance de faire mon prochain album comme Los Ángeles, je le ferais à 100%. Mais cet album avait du sens dans ce contexte ; c’était irremplaçable, à ce moment-là, j’étais en train de me concentrer sur la compréhension du flamenco et la rencontre avec Refree. Lorsque ces choses arrivent, c’est parce qu’elles sont censées être.

Au début de cet album, je me disais: « Je ne peux pas entendre clairement, je ne peux pas penser clairement, je ne peux pas voir ou sentir clairement. » Il y avait cet énorme abîme avec tout ce qui se passait qu’il m’a fallu un certain temps pour trouver les pièces de ce puzzle. Mais si ce contexte déroutant m’a servi à quelque chose, il m’a aidé à m’affirmer et à définir le chemin, que ce soit par d’autres influences et d’autres approches que j’apprécie aussi.

J’ai toujours écouté Lil’ Kim, j’ai toujours écouté Tupac. Ce n’est pas si différent pour moi de faire une chanson où je rappe. C’est utiliser ma voix de diverses manières, parce que ma voix est un instrument – c’est absurde de l’utiliser d’une seule manière. Cet album a de nombreuses influences différentes après tout ; c’est comme une large palette de possibilités, de couleurs, et il y a des coups de pinceau ici, des coups de pinceau là. Et cela a du sens de cette façon parce que c’est ce qui en fait un voyage.

Et c’est ainsi que va la vie.

Oui, tu montes et tu descends. Il y a des moments où il faut en quelque sorte réconcilier les genres entre eux. Parfois, nous parlons de bon ou de mauvais art, de bonne ou de mauvaise musique – je ne le pense pas de cette façon. De nombreux genres ont inspiré cet album, et je le célèbre. En fin de compte, je veux que ma carrière soit comme une lettre d’amour à toute la musique que j’aime, et cet album en fait partie.

Je sais que ce n’est pas une bannière de flamenco, car ce n’était pas votre intention non plus.

non ?

Bien sûr, mais avez-vous ressenti la pression de penser : « Je suis un artiste espagnol et je fais de la musique folklorique espagnole ? »

Non, et quand vous parlez d’agiter une banderole, ce n’est pas le cas non plus. Ils sont trop lourds. Je pense que cela me limiterait sur le plan créatif, et tout ce qui semble tabou ou limitant vous inhibe sur le plan créatif. Cela va à l’encontre du processus. Cela ne m’intéresse pas. Je sais que mon objectif est d’acquérir plus de liberté en tant qu’artiste, et porter une bannière serait tout le contraire.

Eh bien, il y a deux chansons. Dans « Delirio de Grandeza », je chante « La ambición, delirio de grandeza ». (« Ambition, illusions de grandeur. ») [Justo] Betancur a dit cela, et j’ai pensé que c’était une excellente idée d’écrire une chanson à ce sujet, sur la célébrité, parce que je veux que tout ce qui m’entoure ait un impact sur ma musique, mon son. Et puis, que ce soit ce que Dieu veut.

Je n’ai pas commencé ma carrière en faisant des tubes. Si j’en ai, c’est grâce aux personnes qui ont manifesté leur soutien. Je pense que je vais essayer de continuer à travailler comme ça, à travailler sur des projets, à faire de la musique en laquelle je crois. Si j’ai une grosse chanson, cool ! J’organiserai une fête, je m’éclaterai, je serai ravi, je célébrerai et j’en serai reconnaissant.

D’un point de vue lyrique, quels thèmes vouliez-vous aborder sur cet album ? Quelle est l’importance de l’amour et du chagrin?

Transformation, sexualité, chagrin, célébration, spiritualité. Les choses de tous les jours aussi, et le respect de soi. Toutes ces choses sont incluses; ils sont compris et partagés au même niveau. Ainsi, le chagrin peut être un endroit à partir duquel vous commencez à écrire, mais c’est juste une chose de plus.

Je ne veux pas rester coincé là-bas à moins que je ne fasse un album uniquement sur le chagrin. El Mal Querer en a une partie, mais je ne pense pas qu’un album entier sur le chagrin soit aussi intéressant. J’aime me considérer comme un conteur, je peux parler de beaucoup de choses différentes, et c’est plus difficile pour moi. C’est beaucoup plus intéressant de voir quelqu’un raconter des histoires de différents endroits. Le chagrin est juste une autre chose; ce n’est pas mieux, ce n’est pas pire.

Que pensez-vous du degré d’uniformité qu’une grande partie de la musique espagnole peut avoir aujourd’hui ? Et je veux dire dans la musique commerciale, parce que l’Amérique latine est clairement pleine de diversité. Comment avez-vous essayé d’échapper à cela? Y a-t-il une rébellion là-bas?

[Laughs.] Je comprends. Je fais de la musique que j’aime écouter, si cela a du sens. J’aime écouter Oneohtrix Point Never, Arca, Frank Ocean. J’aime, comme autre exemple, Wisin y Yandel. J’essaie de trouver un moyen pour que beaucoup de choses coexistent, de les réconcilier à nouveau, de réconcilier les énergies dont je profite. Je n’aime pas quand quelque chose semble trop préconçu, quelque chose que j’ai entendu un million de fois. Ce n’est pas difficile. J’aime qu’il se passe quelque chose dans les paroles, même si la musique peut être familière, ou peut-être que tout semble familier, mais vous n’avez jamais entendu une mélodie ou une production d’une certaine manière.

L’album de Popcaan, par exemple, est très pop. Mais ses mélodies, son phrasé, tout est super frais et c’est très spécial.

Peut-être que c’est la clé, que faire des choses « vraies » est ce qui fait la pop. Je veux dire, les Rolling Stones qui faisaient du rock & roll il y a 60 ans étaient pop.

Oui, exactement. Après tout, la meilleure qualité de la pop est qu’elle est accessible, qu’elle est inclusive. Kanye a quelque chose qui résonne avec les gens.

Mon approche en studio est l’expérimentation, toujours. Comment faire une bachata sans guitare ? Comment puis-je rendre ce son vocal plus saturé que jamais ? Comment rendre ce son vocal vraiment fragile et proche de votre oreille ? Il faut vraiment le compresser et faire attention à tous ces détails, pour que tous ces genres puissent coexister dans une chanson.

C’est ce que j’interprète par expérimentation. Il sort naturellement. Mais, en même temps, faire de la musique inclusive ou accessible est aussi un de mes objectifs, car je ne fais pas de la musique juste pour moi. Je ne fais pas de la musique juste pour être heureux, je ne fais pas de la musique juste parce qu’elle me complète. Je ne fais pas de la musique juste parce que je sais que je suis né pour apprendre à écrire des chansons. C’est pour tout le monde, c’est pour le partage. Ce serait trop égoïste de ma part de faire de la musique qui ne me satisfasse que moi. Ensuite, je pense, comment faire en sorte qu’il soit fidèle à mon processus créatif et qu’il résonne aussi auprès des gens ? Cela doit résonner, et parfois ce n’est pas facile. On ne sait jamais si ça va arriver ou pas. Mais je pense que ce n’est pas grave si au moins l’intention est là.