Avant Nevermind, Ten, Badmotorfinger ou Dirt, il y avait Gish. Et s’il est peut-être exagéré de dire que le premier album de Smashing Pumpkins en 1991 était le premier album de la révolution du rock alternatif (Jane’s Addiction, Pixies, Nirvana et Mudhoney pourraient avoir quelque chose à dire à ce sujet), c’était néanmoins un point de repère énorme.. À une époque où la plupart des albums indépendants ne parviennent pas à atteindre de nombreux fans en dehors du petit culte d’un acte, Gish est entré dans le Billboard 200, en tête du classement CMJ et s’est connecté dans des territoires aussi éloignés que la Nouvelle-Zélande et l’Australie.
Peut-être parce que la foule de MTV n’a pas pris conscience des Pumpkins avant la sortie de Siamese Dream en 1993, longtemps après que Nirvana et Pearl Jam ont éclaté sur la chaîne câblée, l’impact de Gish a été quelque peu obscurci. Peu de gens réalisent que c’était l’album indépendant le plus vendu de l’histoire du rock jusqu’à ce que Offspring le surclasse en 1994 avec Smash.
Alors que Gish a 30 ans, le groupe célèbre samedi avec un livestream de deux heures où Billy Corgan et Jimmy Chamberlin répondront aux questions, tourneront des classiques de l’ère Gish et écouteront des musiques inédites. Les fans peuvent se connecter pour 19,91 $ (l’obtenir?) Et une partie de l’argent récolté sera reversée à PAWS, un refuge pour animaux sans tuer à Chicago.
Quelques jours avant le grand anniversaire, nous avons parlé avec Corgan de la façon dont le groupe a créé Gish aux Smart Studios du producteur Butch Vig à Madison, Wisconsin; l’impact du LSD sur la musique; et le long héritage de l’album. Nous avons également évoqué l’album 2020 de Pumpkins, Cyr, et les projets futurs du groupe, qui incluent un album de suite de Mellon Collie et Infinite Sadness et un retour sur la route après une interruption de deux ans.
Il est 8 h 30 où vous êtes. Je suis surpris que vous ayez voulu le faire si tôt. Êtes-vous une personne du matin?
J’étais debout à 17 h 30 ce matin.
Wow. Pourquoi?
J’écris en fait des spectacles de lutte. Nous avons un pay-per-view à venir, et nous avons 10 autres épisodes à venir. J’écrivais pour eux jusqu’à maintenant.
Je veux commencer par Gish, puisque c’est le 30e anniversaire. Qu’est-ce que ça fait de penser qu’il y a 30 ans cette semaine que l’album est sorti?
C’est assez sauvage, car cela ne semble pas si longtemps. Je me souviens que ma grand-mère m’a raconté des histoires sur des choses qui se sont passées et qu’elle a dit: “Mon Dieu, ça ne ressemble pas à ça il y a longtemps.” En tant qu’enfant, 30 ans me paraissaient comme une vie.
Et maintenant, je regarde en arrière, et je ne me sens pas si longtemps. Je peux encore nous voir dans Smart avec Butch. Je peux encore voir où étaient les tambours et tout. C’est aussi clair dans mon esprit que si c’était arrivé il y a un an. C’est assez sauvage. Je sais que c’est réel, mais je suis un peu lent à l’accepter.
Je vois souvent Gish décrit comme ce petit album indépendant qui a préparé le terrain pour Siamese Dream. En réalité, ce fut un énorme succès. Pensez-vous que parce que les chansons n’étaient pas sur MTV et Nevermind et Ten ont été lancées quelques mois plus tard, que son succès a été quelque peu troublé?
Non seulement il a perdu la mémoire, mais les gens ont eu tendance à diminuer l’influence du disque. Je me souviens avoir eu une conversation avec Eddie Vedder lorsque nous étions en tournée avec les Red Hot Chili Peppers [in late 1991]. Il m’a dit à quel point Gish avait eu une influence sur leur premier album. Et au fil des ans, j’ai parlé à beaucoup, beaucoup de gens qui ont vraiment souligné Gish comme le changeur de jeu dans leur esprit sur la façon d’aborder la guitare et d’enregistrer.
De toute évidence, l’album a beaucoup à voir avec la façon dont Nevermind a été enregistré. L’album a beaucoup à voir avec ce qui est devenu Queens of the Stone Age. Je me souviens que Josh Homme m’avait parlé de Kyuss, du groupe dans lequel il était avant Queens, et comment Gish était le disque qui lui a vraiment fait tourner la tête.
Donc, en privé, j’ai eu beaucoup de conversations au fil des ans, des gens me parlant de Gish. Mais cela a été un peu mis de côté parce que, de toute évidence, ce qui a suivi a été si massif et si changeant que cela a été un peu repoussé. Et puis Siamese Dream a semblé être notre moment décisif.
Mais pour ce qui est de votre point de vue sur le succès, cela a été un énorme succès. En fait, le succès a été tel que notre maison mère, qui était Virgin Records à l’époque, a voulu rééditer le disque sur Virgin. Ils voulaient profiter de ce qui se passait avec les autres groupes.
Je pense que notre objectif était vraiment le monde dans lequel nous étions. Si vous pouviez vendre un club comme le Metro à Chicago, qui comptait 1 000 personnes, vous faisiez quelque chose. C’est là que nous allions voir My Bloody Valentine et tous ceux que nous aimions à l’époque. Ce sont des groupes que j’aime beaucoup qui ont été un peu balayés par l’histoire, des groupes comme Loop et Screaming Blue Messiahs. Il y avait beaucoup de groupes qui étaient dans le churn à l’époque qui étaient plutôt bons, genre de groupes shoegazy, comme Cocteau Twins et Clan of Xymox.
L’aspiration était alors que si vous étiez grand, vous deviez jouer au métro. Et si vous étiez vraiment grand, vous deviez jouer au Riviera Theatre, qui comptait 2500 ou quelque chose comme ça. C’était ça. C’était votre écosystème.
Butch Vig était évidemment une partie très importante de cet album. De votre point de vue, quelles ont été ses contributions les plus importantes?
Eh bien, la première chose est que Butch, en tant que batteur, était vraiment connecté avec Jimmy Chamberlin, et pas seulement sur sa batterie, mais aussi sur son son de batterie. Ils avaient une affinité naturelle et parlaient cette langue que seuls les batteurs peuvent parler. Butch était un très jeune… acolyte? Je ne sais pas quel est le mot juste. Il était le premier vrai croyant en la capacité de Jimmy. Il l’a eu. Butch enregistrait tout le temps des batteurs indépendants, et voici Jimmy Chamberlin à la porte. Il était comme, “Ce gars ! ”
La façon dont Jimmy frappait la batterie était liée à la façon dont Butch enregistrait la batterie. Pour moi, quand je pense à Gish, je pense au son de batterie.
Je sais qu’il vous a poussé dur en tant que chanteur et vous a fait chanter des parties encore et encore et encore. J’imagine qu’avec le recul, vous reconnaissez qu’il essayait juste de tirer le meilleur parti de vous. Cela a dû être frustrant à l’époque.
Eh bien, il y a là un double message. La première est que Butch parlait avec véhémence de ses expériences dans le monde de la musique, de la torture par les producteurs. Je ne nommerai pas de noms, mais il se sentait très brûlé par ses expériences dans des groupes signés sur de grands labels. Et puis il se retournait et me demandait les mêmes choses. J’ai pensé : “Eh bien, c’est un message très étrange à envoyer.”
Maintenant, bien sûr, dans l’ère post-Pro Tools, je comprends que ce que Butch essayait de faire était d’atteindre un niveau de cohérence qui ne peut être vérifié que par un travail vraiment dur. Mais à l’époque, c’était tellement en dehors de mon champ d’expérience que je l’ai considéré comme : «Eh bien, si je dois chanter ce truc 40 fois, je ne dois pas être très bon.»
C’était ton premier album et tu étais très jeune. J’imagine qu’une grande partie du processus était en dehors de votre zone de confort.
Oui. Les points de stress de Butch étaient d’être en phase, à la fois musicalement et avec le chant, et d’être dans le temps à un très, très haut niveau. Je n’avais jamais joué à ce niveau, pas plus que Jimmy. Il nous a montré à travers l’enregistrement comment la nature agressive du groupe pouvait se manifester avec précision. Cela nous a défini cette trajectoire particulière. Une fois que nous avons pu le faire, il en voulait juste plus. C’était une de ces choses où c’était devenu une drogue. Il a continué à élever la barre et nous avons continué à le rencontrer au bar et il a continué à relever la barre à nouveau.
C’est la marque d’un bon producteur.
Oui. Les gens peuvent devenir nostalgiques de cette période particulière. J’étais en studio avec un gars qui était fondamentalement un inconnu, tout comme nous. Je veux dire, il faisait des trucs de Sub Pop. Nous savions qu’il en avait travaillé avec Nirvana, et Nirvana était manifestement à la hausse. Il se passait quelque chose, mais les gens ne savaient pas qui il était.
Je me souviens d’avoir eu une réunion avec une maison de disques et le gars a dit… Je pense que c’était Donnie Ienner, qui dirigeait Sony à l’époque. Il m’a demandé qui je voulais produire notre premier album. C’est avant que nous ne signions avec qui que ce soit. J’ai dit «Butch Vig» et il a dit: «Qui? Qu’est-ce qu’un Vig? »
Tu dois te rappeler que nous étions en studio le jour où il a reçu l’appel pour faire Nevermind. J’étais littéralement dans la pièce voisine. Je pouvais l’entendre parler. Il est venu et a dit: «On m’a proposé ce poste.» Il avait ce regard sombre sur son visage parce qu’ils voulaient qu’il travaille avec quelqu’un avec qui il ne voulait pas nécessairement travailler. Ils ne lui faisaient pas confiance car il n’était pas une entité connue. Même si Kurt voulait travailler avec lui, le label se méfiait de cela et voulait qu’il travaille avec un producteur de nom plus établi, le sublimant fondamentalement dans le processus. Et évidemment, cela a fini par ne pas se produire, et Butch a produit le disque lui-même, et même alors ils lui ont enlevé le mix, c’est pourquoi Andy Wallace l’a fait.
Nous étions là car toutes ces choses se passaient non seulement pour nous, mais pour la scène en général, puis Butch par extension. C’est une chose de revenir sur l’histoire et de dire : “Oh, c’est fantastique.” Mais à l’époque, c’était très peu sûr. Aucun de nous n’a été garanti quoi que ce soit.
Je suppose que les grands labels ne pouvaient pas comprendre que ce genre de musique pouvait trouver un large public. Cela a dû leur sembler une telle niche, et ils voulaient le changer en quelque chose qu’ils pensaient vendre.
Vous n’avez pas eu à deviner cela. Ils vous l’ont dit. Vous assistiez aux réunions et ils vous disaient: “Ce truc ne se vendra pas.” Je paraphrase en quelque sorte la citation générale, mais c’était comme : «Nous savons que quelque chose se passe et nous voulons être dans ce secteur, mais nous ne pensons pas que ce sera aussi important que possible, alors quoi êtes-vous prêt à faire pour le rendre plus grand? » Nous haussions tous les épaules et nous disions: «Nous ne savons pas de quoi vous parlez.»
Ils flotteraient tout de : “Êtes-vous prêt à travailler avec des écrivains extérieurs?” Ils feraient flotter des noms qui, de toute évidence, tueraient votre crédibilité. Vous pouvez voir où la flexion a commencé à se produire. «OK, je suppose que nous allons vous laisser travailler avec un Butch Vig, Kurt, si c’est ce que vous voulez vraiment, vraiment. D’ACCORD.”
Il y avait beaucoup de ce genre de roulement des yeux. C’était comme : «Qu’est-ce que c’est? Pourquoi devons-nous… Pourquoi ne pouvons-nous pas simplement brancher cela dans le système qui existe avec les noms de noms et les noms de personnes? »
Il est plus facile d’utiliser la situation Nevermind pour illustrer ce point. Kurt dit au label qu’il veut Butch Vig. Ils essaient de le coller avec quelqu’un d’autre. Cela n’arrive pas. Butch fait le record. Butch mixe le disque. Et ils enlèvent le mix à Butch et le donnent à Andy Wallace parce que c’est un gars de nom. Si vous vous souvenez, Kurt a dit qu’il avait choisi Andy Wallace parce qu’il avait fait Slayer.
Le fait est que nous nous faufilions tous par la porte latérale, pour ainsi dire. Les étiquettes sous-estimaient gravement la puissance de ce qui allait arriver. Et pour revenir à notre situation, nous avons été signés à Virgin, mais ils ne voulaient pas que ce qui est devenu Gish sorte sur Virgin.
Ils nous ont donné un budget très modeste et voulaient que nous nous mouillions les pieds, alors ils nous ont coincés dans le coin avec ce producteur anonyme nommé Butch Vig pour faire un disque qui, dans leur esprit, allait passer sous le radar.. Ils nous positionnaient là où ils pensaient que nous pourrions aller plus tard. Notre disque commence à se vendre comme un fou et ils commencent à penser : “Peut-être que nous sommes sur quelque chose.” À peu près au moment où ils essaient de savoir quoi faire, voici Nevermind et voici le disque de Pearl Jam. Et le jeu est instantanément changé du jour au lendemain.
Je pense que pour nous, cela essayait de trouver l’équilibre entre la sensualité et la grâce du genre de trucs de shoegazer dans lequel nous étions vraiment, que ce soit The Cure, Siouxsie and the Banshees, ou My Bloody Valentine, contre ce qui nous intéressait dans – ce que nous appellerions «rock classique», mais ne s’appelait pas «grunge».
C’est la seule chose avec laquelle beaucoup d’auteurs indépendants ont eu beaucoup de mal avec environ 1990, moi en vérifiant le nom de Black Sabbath et de Led Zeppelin. Même la façon dont Soundgarden a été reçu, c’était une sorte de pisse sur les riffs lourds. Ils le faisaient, mais ce n’était ni aussi sérieux ni aussi stupide. Chris Cornell a même écrit des chansons comme si elles faisaient un clin d’œil à des idées stupides. C’était un méta-riff sur : “Ouais, nous jouons dans ce bac à sable stupide.”
Pour nous, cela essayait de devenir ce point d’équilibre entre ce qui ressemblait à du riff rock stupide et ensuite les trucs qui nous attiraient vraiment en sortant du Royaume-Uni.Et puis nous avons assemblé ces morceaux avec les Beatles quelque part au milieu. Une chanson comme “Rhinoceros” a trouvé cet équilibre pour nous où nous pouvions être beaux, jolis, psychédéliques, puis basculer l’interrupteur et être lourd et jouer un rôle principal.
À l’époque, beaucoup de gens se disaient: “Qu’est-ce que vous foutez les gars?” Ils ne pouvaient tout simplement pas le comprendre parce que vous n’étiez pas censé assembler ces éléments. Ils n’allaient pas ensemble esthétiquement dans leur esprit. Ils n’allaient certainement pas ensemble sur le plan commercial.
Le riff de «Siva» est également un moment important.
C’était, pour moi, la première fois que je pensais: “OK, je peux vraiment faire ça.” Par «fais ça», je veux dire vraiment mettre ces idées en une seule chanson. C’était lourd, mais sensuel. C’était le même sentiment que j’éprouvais lorsque je prenais du LSD et écoutais de la musique indienne. Il y avait une certaine sorte de musique dans le tirage des cordes. Je ne sais pas comment l’articuler à part cela. C’était ce besoin d’un sentiment psychédélique, bien que joué à 11 ans. Il nous a fallu un certain temps pour comprendre tout cela.
Sur une chanson comme «Daydream», j’entends l’influence de My Bloody Valentine, mais vous y mettez votre propre tournure.
Oui. C’est une histoire amusante. Nous devenons amis avec les Valentines. Une fois, Kevin Shields était dans un bus de tournée quelque part. Il a dit: “J’aime vraiment cette chanson” Daydream “.” J’ai dit: “Tu devrais, parce que je l’ai eue de toi.” [Laughs.]
Même la façon dont nous avons abordé le chant… C’était un moment si beau. Vous vous êtes senti libre de rebondir et de trouver des choses que vous trouviez intéressantes et de les jeter dans le mélange du groupe. Ce qui est intéressant, et ce que j’aime dire à propos de Gish, c’est que cela montre nos influences et cela montre qui nous étions en tant que personnes avant que la pression réelle n’entre. Siamese Dream est la représentation du moment où la pression est entrée. C’était comme, «OK, maintenant nous devons vraiment comprendre qui nous sommes.
Nous étions soudainement dans cet endroit incroyablement bondé. Avant, nous travaillions chez Butch’s. Il n’y a pas de pression. Nous traversons la rue pour un sandwich au fromage grillé. Il n’ya pas d’Internet. Il n’y a littéralement rien. C’est juste nous et la guerre du Golfe à la télévision. C’était si simple et la scène était très petite. J’ai adoré le fait que nous puissions capturer qui nous étions en tant que personnes avant le début de cette folle course de fusée. Évidemment, cela nous a changé et plus rien n’a jamais été pareil après cela.
Si vous n’aviez pas expérimenté le LSD pendant cette période, pensez-vous que Gish aurait été un album différent? Cela vous a-t-il ouvert l’esprit à de nouvelles idées?
Un peu oui et non. J’étais un grand auditeur psychédélique. J’écouterais des disques psychédéliques que je trouverais dans les friperies. J’ai tourné James [Iha] sur beaucoup de choses, comme les Lemon Pipers. Nous avions l’habitude de nous asseoir dans ma chambre et d’écouter The Lovin ’Spoonful vers 1989. Je pense que c’était déjà un peu dans le mix. Mais le LSD m’a donné la confiance nécessaire pour tenter ces choses sur une sorte de funambule étrange.
Il a essentiellement admis que j’avais fait du bon travail d’épissage de gènes, mais aussi de me rabaisser pour avoir pris d’autres personnes et ne pas être tout à fait original. Mais sans psychédéliques, je ne pense pas que j’aurais même la confiance nécessaire pour l’essayer.
Comme je l’ai dit précédemment, les gens ne comprenaient vraiment pas ce que nous faisions. Je souligne vraiment. Ils ne l’ont pas compris. Vous devez l’imaginer. Pensez à une foule de hipsters vers 1990 dans un bar, et je joue à déchirer les leads. Rien que les leads seuls sur la guitare ont effrayé les gens. «Pourquoi êtes-vous si agressifs les gars? Pourquoi est-ce si fort? Ils étaient à l’aise avec le point de vue des autres, mais le nôtre les a mis mal à l’aise parce que c’était du rock trop classique. Il y avait trop de Boston et de Queen pour eux. Cela les a effrayés.
Pourquoi avez-vous donné à l’album le nom de l’actrice de cinéma muet Lillian Gish? Quel est le lien entre elle et la musique?
J’ai ce très faible souvenir d’avoir parlé à ma grand-mère quand j’étais très jeune de ce que c’était que de grandir dans la campagne du Kentucky. Elle est née en 1911 et ils n’avaient littéralement pas de voiture. Elle vivait dans une ferme, alors quand elle allait en ville, ils devaient littéralement aller à cheval et en buggy. Imaginez ma grand-mère quelque part vers 1920. Ils emmènent le cheval et la poussette dans la ville car il y a un train de stars de cinéma qui arrive en ville.
Elle m’a parlé de voir Lillian Gish dans le train. J’ai lu à ce sujet depuis, et ces stars de cinéma feraient des voyages à travers le pays. Ils s’arrêtaient, faisaient un signe de la main, laissaient les gens prendre quelques photos, restaient cinq minutes, et le train partait. Et pour ma grand-mère en 1920 de voir Lillian Gish, qui était la plus grande star de cinéma du monde, à l’arrière d’un train, il y avait quelque chose dans ce souvenir qui m’est vraiment resté. Le contraste entre la lumière vive de la célébrité avec une petite fille qui grandit littéralement sur un sol en terre battue.
Il y a quelque chose à propos de la chose sentimentale qui s’est implantée dans mon esprit. Elle m’a donné ce souvenir quand j’avais 10 ans. Il est resté dans mon esprit. Et donc quand je cherchais un titre, j’ai pensé à toutes sortes de titres poncy, comme vous le faites. Tout semblait insuffisant. Et un jour, Gish sortit de l’inconscience. Je me suis dit: “C’est intéressant. Personne ne sait ce que cela signifie, mais je le sais.
C’était ça. Je pense que je n’ai pas dit au groupe le nom de l’album à dessein avant la sortie de l’album. C’était pour qu’ils ne puissent pas le discuter. “Et bien c’est dommage. Le voilà. C’est fini. »
Pour aller de l’avant dans le présent, après avoir fait Shiny and Oh So Bright avec Rick Rubin en 2018, qu’est-ce qui vous a poussé à produire vous-même le prochain disque et à faire venir beaucoup plus les synthés?
Eh bien, c’est double. Nous avons travaillé avec Rick sur l’album Shiny and Oh So Bright, et Rick aime travailler très vite. Nous étions cool avec ça, car à l’origine, nous étions censés ne faire qu’une seule chanson. C’était comme : «Faisons-le à la manière de Rick. Ne nous enlisons pas, car nous avons définitivement tendance à s’enliser. » Au moins, j’ai tendance à m’enliser.
Une fois que nous avons fait cet album et que nous avons vu ce que les gens aimaient dans cet album, et ce que les gens n’aimaient pas dans cet album, c’était comme : «OK, maintenant il est temps de faire un disque plus dans la tradition de la façon dont nous avons fait records. » Nous entrons simplement et passons beaucoup de temps à nous préparer et beaucoup de temps à enregistrer.
En ce qui concerne l’influence des synthétiseurs et des trucs, pour moi c’est juste un choix binaire de… Comment dire? Je vais essayer d’être politique à ce sujet pour changer… Je vois certains de mes contemporains faire de la musique très similaire à la musique qu’ils ont créée depuis très, très longtemps. Ils sont vus dans une lumière contemporaine. Ils ne considèrent pas leur musique comme étant du passé.
Mais quand j’ai fait de la musique pour guitare au cours des 10 dernières années, j’ai vu beaucoup de références au passé. Je pense que cela me déroute un peu car je ne vois pas… Je vois juste cela comme un moyen de me critiquer de manière très paresseuse. Dire : «Oh, guitares. Il fait toujours la même chose. ” Je me dis: «OK, je vais faire de la musique moderne. Je vais faire de la musique moderne de la manière dont je faisais de la musique moderne en 1993. Je vais simplement le faire de la manière que je vois le mieux. ”
Ce n’est pas tant pour ou contre quelque chose. Le nouvel album sur lequel je travaille contient une tonne de guitares. Mais à l’époque, je me disais simplement: “Je vais essayer de faire un disque contemporain, parce que je n’aime pas me résigner au cimetière de l’histoire ici.” R, c’est paresseux. Et B, ce n’est pas à propos. Nous avons toujours été un groupe de singles très réussi. Cela fait partie de notre charme, que nous puissions produire des célibataires efficacement. C’est ce qui nous a maintenus dans le secteur du disque, la capacité de faire de la musique à ce niveau.
Je me disais simplement: «Je vais revenir à ce que nous faisions historiquement. Je ne vais pas me laisser prendre à… »C’est parce que par ici, j’ai une base de fans qui disent qu’ils veulent de la musique pour guitare. Mais quand je fais de la musique pour guitare, personne ne s’est présenté dans des nombres fous. Et puis, j’ai des critiques ici qui disent: “Oh, il fait juste de la vieille musique.”
Nous avons donc fait un disque très contemporain. Je savais que cela allait diviser la base de fans au milieu, et c’est le cas. Mais maintenant que les gens ont eu le temps d’absorber le disque, ils l’ont vraiment, vraiment aimé. Et il a été fortement révisé, ce qui n’est pas la plus grosse affaire, mais au moins ce n’était pas entièrement négatif, comme c’est généralement le cas.
Nous avons eu notre plus grand succès dans les charts depuis plus d’une décennie. Les choses sont toutes à la hausse. Nous sommes dans une excellente situation avec le sumérien [Records], et nous faisons cet énorme disque de 33 chansons, qui enveloppe ses bras autour de tout ce que nous faisons: la guitare et la musique contemporaine. Si nous pouvons les mettre ensemble, c’est encore mieux.
C’est difficile à expliquer. Ce n’est pas la mentalité d’une victime. Ce n’est pas comme si nous étions assis en train de dire : «Malheur à moi». C’est plus comme si nous savions que nous devons traverser la forêt. Personne ne nous donnera des laissez-passer gratuits. C’est comme ça.
Mais je ne peux pas prétendre que d’autres personnes de ma génération ne font pas de musique de guitare traditionnelle et que cela est traité comme si nous étions encore en 1995. Je trouve cela très déroutant.
Cela a dû être frustrant que vous ayez fait ce super album, mais vous n’avez pas pu vraiment le tourner.
C’est une chose intéressante. C’est en quelque sorte un oui et un non. Nous sommes toujours dans ce combat que nous essayons de prouver que nous pouvons jouer de la musique plus récente sur scène. Nous le faisons toujours à une grande abondance, mais il y a encore une grande partie de la base de fans qui veut revivre 1993 une fois de plus.
Pour nous, surtout depuis que James est revenu ces dernières années, nous tournons lentement ce coin. Nous avons amené beaucoup de gens qui étaient vraiment coincés dans la boue à comprendre qu’il y a encore beaucoup de bonne musique à venir. C’est un combat au sol pour faire valoir ce point. Nous le faisons.
Je ne sais pas si cela répond à la question, mais c’est une expérience au jour le jour de.. avoir traversé le temps d’avoir été le seul membre original et d’être critiqué pour cela, et toutes ces choses folles qui se sont passées, à être de retour avec les trois quarts de la programmation originale, faire des tournées à un grand niveau, jouer de grands spectacles, faire la tête d’affiche de festivals et continuer à vendre, faire tout ce que vous êtes censé faire. Mais en même temps, nous essayons toujours de prouver à beaucoup de gens que nous sommes encore capables de faire de la musique pour ce siècle. C’est un combat que nous n’arrêterons pas de combattre, car c’est ce que nous sommes.
Quel est le statut de la suite de Mellon Collie?
J’en suis au milieu. Je suis environ 16 chansons en enregistrement. Tous les tambours sont faits. Nous prévoyons que cela se fera, essentiellement, d’ici la fin de l’année. Et c’est assez sauvage. [Laughs.] C’est joli partout. Mais c’est définitivement dans la tradition de Mellon Collie et Machina. C’est une suite aux deux disques, en fait.
Alors ça ne s’appelle pas Mellon Collie 2 ou quoi que ce soit?
Ce serait trop kabuki, comme on dit en lutte. Nous devrions probablement l’appeler Rat In a Cage 2. Ce serait un bon titre. Il a son propre titre. C’est la troisième partie d’une trilogie d’histoires qui a commencé avec le personnage de Zero. C’est pourquoi j’ai porté cette chemise. Sur Machina, je suis devenu Glass. Et maintenant, c’est la troisième itération des personnages.
Avec plaisir. Nous avons fait une tournée des livres pour sortir et faire une tournée du 25e anniversaire de Mellon Collie. Ce n’était pas seulement pour jouer l’album, mais passer une nuit complètement immersive. C’est parce que sur Mellon Collie, nous avons sorti 57 chansons au cours de ces deux années. Ce serait une setlist organisée de l’époque de Mellon Collie, mais un peu mise à jour, comme la façon dont Roger Waters avait mis à jour The Wall. C’est ce qui m’a aidé à comprendre la capacité de le faire dans un cadre contemporain. Et puis Covid est venu et tout a été mis de côté.
Il y a encore des gens qui se demandent si nous allons ou non faire la tournée. Il se peut que le moment soit passé. Peu importe que ce soit la 26e année.
Nous sommes très bien pour célébrer nos réalisations. Il s’agit davantage d’être selon nos conditions. C’est ce à quoi il s’agit pour moi. J’ai pris beaucoup de choses pour dire que je ne voulais pas jouer les anciens albums alors que tout le monde était à court et le faisait. Ce n’était pas que je ne voulais pas jouer de la vieille musique. Je ne voulais tout simplement pas le faire de cette façon.
Je ne sais pas. C’est ca le truc. Nous essayons de savoir quand nous allons nous rééquiper. En ce moment, nous sommes bloqués à l’enregistrement pour le reste de l’année. Nous allons essayer de terminer cet enregistrement. Bon nombre des dates qui existent actuellement sont essentiellement des dates qui ont été repoussées par rapport à l’année dernière. C’est un peu étrange. Toute discussion sur une nouvelle tournée est reportée à l’année prochaine, et je pense qu’il y a encore un peu d’inquiétude dans l’entreprise quant à la façon dont tout va se passer. De toute évidence, la vente des festivals est un grand pas vers les gens qui veulent revenir en arrière et s’amuser. Pour nous, nous n’avons tout simplement pas une idée précise de ce que nous faisons.
Puis-je vous demander si vous êtes vacciné?
Je ne parle pas de ça.
Je pense que ce que c’était, pour moi, c’était comme si le passé était accroché autour de mon cou comme une meule. Pas tellement parce que c’est ce que les gens voulaient faire, mais parce que les gens voulaient l’utiliser comme un bâton contre moi. Ma propre version personnelle de l’histoire est que si vous n’obtenez pas de crédit lorsque vous faites quelque chose en son temps, c’est vraiment bizarre pour quelqu’un d’essayer de vous donner le crédit pour cette même chose plus tard et de s’attendre à ce que vous soyez à la hauteur de cette version de le crédit.
Je pense qu’avoir des enfants en fait partie. J’aime dire aux gens que c’est très important pour moi en tant que parent, en particulier un parent plus âgé – mes enfants n’ont que 5 et 2 ans – je veux qu’ils grandissent et me voient complètement engagé et en paix avec ma vie du mieux que je peux. Je pense que c’est la meilleure façon de leur apprendre que non seulement j’ai commis des erreurs, mais que j’ai atterri sur mes pieds et que j’ai pu comprendre comment aller de l’avant et être heureux de le faire. Cela ne tient pas en partie à devenir amer à propos de ce qui aurait dû se passer ou de ce qui ne s’est pas passé.
J’ai définitivement vécu cette expérience avec mon père. Mon père était très, très amer à propos de ses expériences dans le monde de la musique et il a définitivement mis ces expériences sur moi et m’a averti et m’a constamment dit: «Ils vont prendre tout votre argent» et toutes les choses folles qu’un parent ferait dire s’ils ont eu une mauvaise expérience dans le secteur de la musique. Je ne sais pas si cela répond à votre question, mais cela ne vous convient pas.
Je vois comment c’est en partie une question de mémoire. Mais je vois aussi où les gens réécrivent des récits parce que c’est juste pratique. Nous le voyons politiquement, nous le voyons socialement tout le temps. Cela ne devrait surprendre personne que cela se passe dans la musique, mais il est très intéressant de voir les gens réécrire l’histoire, car c’est une chose tellement pratique.
Mais les vrais fans connaissent la vérité.
Je ne sais pas vraiment à ce sujet. J’aime dire que nous vivons dans une ère post-vérité.
Pour conclure ici, y a-t-il une sorte de calendrier pour la sortie du nouvel album?
Nous espérons pouvoir sortir un single d’ici la fin de l’année. Sumerian, notre label, semble ouvert à cela. Je pense qu’ils attendent juste de voir quand la musique sera prête. C’est un projet tellement énorme. Je veux dire, 33 chansons, c’est comme déplacer une petite armée.
Tout à fait. J’ai eu longtemps pour réfléchir à ce que signifie jouer sur scène. Les gens me demandent si ça me manque. Cela ne me manque pas comme ils pourraient le penser. Mais nous ne faisons pas ce que nous faisons, si cela a du sens. C’est un peu plus l’esprit d’un athlète. Si vous pouvez jouer au plus haut niveau, alors la célébration est de pouvoir en faire l’expérience avec les autres. Nous n’avons jamais regardé un concert comme une expérience servile. Il nous a fallu un certain temps pour déterminer ce que nous voulions par rapport à ce que le public voulait.
Je pense que nous avons cet équilibre maintenant, et c’est pourquoi il y a de si bonnes vibrations autour de nous. Mais c’est bizarre de penser : «Wow, je n’ai pas fait ce truc de fou depuis quelques années. J’ai vraiment besoin de me remettre en forme pour pouvoir jouer à ce niveau.
When you’re doing it at that level, you’re just kind of doing it. But to take two years off is pretty wild.